12 filmer med tidenes beste fargefoto

“Heaven of Days”



I disse dager er store kinematografer som Emmanuel Lubezki og Ed Lachman like mye uavgjort for seriøse filmgjengere som regissørene de jobber med. For øyeblikket har Roger Deakins mesterlige arbeid i den visuelt fantastiske “Blade Runner 2049” ført til ett tilbakevendende spørsmål fremfor alt: Wsyke Roger endelig vinne Oscar? Blant de mer slående aspektene ved Deakins 'gjennomføring er fargebruken: Stort sett hvert eneste skudd har en annen palett.

Det føles som noe vi aldri har sett før, men har vi det? Hvordan stables dagens beste kinematografi opp mot fortidens store fargefilmer?



Siden begynnelsen av det 20. århundre har det alltid vært eksperimenter med fargekamera, men det var ikke før på slutten av 30-tallet, med den enorme suksessen fra 'The Wizard of Oz' og 'Gone with the Wind', at fargefilmer ble en stift til internasjonal kino. Med filmer som strekker seg fra 1947 til 2011, fra mestere som Jack Cardiff til Lubezki, er her valgene våre for de 12 filmene med tidenes beste fargefilm.



“; Black Narcissus ”; (1947)


Av de store kinotografene i studio-æraen var den britiske DP Jack Cardiff sjelden i den forstand at arbeidet hans ble bedre i overgangen til farge etter mange års arbeid i svart og hvitt. “Painterly” er et overbrukt ord når det gjelder å beskrive kinematografers arbeid, men med Cardiff er det 100% treffende. Den selvlærte artisten brukte de store mestrene, som Vermeer, som forbilde i å skape sitt lys på lydscenen.

Cardiffs fargepalett var langt mer jordet sammenlignet med hans samtidige i Hollywood, som også brukte Technicolor, men filmene hans hadde fremdeles en annen verdensomspennende kvalitet i sin dempede skjønnhet. Aldri har dette vært mer sant enn på Michael Powell og Emeric Pressburger & Black Narcissus, ”; der han skapte en nesten mystisk fjellverden på et studiostudio. Historien om en gruppe nonner som mister selvkontrollen - fortryllet av skjønnheten i Himalaya - er en vanskelig film å trekke av, ettersom karakterene ’; hysteri er nesten rent motivert av atmosfære, men i hendene på Cardiff blir deres åndelige krise håndgripelig - med bilder som transporterer publikum til en filmatisk verden som føles som om den ligger et sted mellom himmel og jordkanten.

reddit bill maher

“All That Heaven Allows” (1955) og “Far From Heaven” (2002)

“Alt det himmelen tillater”

james gunn foresatte 3

Å se Technicolor med tre stripe i hendene på Hollywood-teknikere er fortsatt en av de store gledene ved kino. I studioinnstillingen skapte Hollywood fargeskjemaer som spratt med så mye elektrisk metning (og fargeseparasjon) at det frem til i dag er noe som ingen fremskritt innen digital teknologi har kunnet gjenskape.

I “; Alt det himmelen tillater, ”; Douglas Sirk og hans store DP Russell Metty - som arbeidet innenfor sjangerkonvensjonene fra melodramas fra 1950-tallet - brukte disse Technicolor-godteri-overflatene som et fengsel for en forstads enke-hovedperson (Jane Wyman), hvis sentrale konflikt var presset for å opprettholde fasaden på øvre perfeksjon av middels klasse sammen med kjærligheten til en sjelfull, ung trebonde (Rock Hudson). Metty - som også skjøt Orson Welles ’mesterverk“ Touch of Evil ”- ville i viktige øyeblikk skli inn i lavmælt noir-belysning og bruke farger for å avsløre den emosjonelle sannheten som lå under filmens fargerike overflater.

“Far from Heaven”

Nesten 50 år senere, da regissør Todd Haynes ønsket å se om han kunne bruke språket fra melodrama fra 1950-tallet - på samme måte som Sirk hadde - i “; Far From Heaven, ”; han oppgav sin DP Ed Lachman med å prøve å gjenskape fargepaletten og produsentstudioutseendet til “; All That Heaven Allows ”; mens du fotograferte på stedet i New Jersey. Lachman, en teknisk veiviser som gjør leksene sine, spikret på en eller annen måte utseendet til et lyslysopplegg (til tross for at han jobbet med 10-fots tak i hjemmet), en blendende mettet fargepalett (til tross for begrensningen i 2002-lager) og fant til og med en måte for å kontrollere solen for å gi eksteriørene en følelse av baksiden. Som med Sirk, fungerer overflateskjønnheten som en form for undertrykkelse med rammer som bokstavelig talt fengsler karakterene som kjemper mot rasisme, sexisme og homofobi, mens de maler sine følelsesmessige tilstander med kjevelappende fargevalg.

“; Leoparden ”; (1963)

“The Leopard”

“; Leoparden ”; er en film som fanger et øyeblikk med stor overgang, når en aldrende italiensk prins (Burt Lancaster) ser på gamle verdens tradisjoner som han verner blir vasket bort av sosial omveltning og en yngre generasjon (representert av nevøen hans, spilt av Alain Delon) som har lite bruk for fortidens måter. Luchino Viscontis sveipende kamera og Giuseppe Rotunnos filmografering fanger begge denne overgangen mens de samtidig logger ut fortiden. I de berømte balsalumscenene veksler de den operatiske storheten og de gylne fargene i det aristokratiske livet, mens lyset som strømmer i slottvinduene på dagen avslører de fysiske sprekker i det frynsete slottet. Den lange filmen, som ble slaktet for utgivelsen, er blitt restaurert av et team av diehard fans som inkluderer Martin Scorsese, slik at moderne publikum kan oppdage glansen av denne Cannes filmfestivalen fra 1963 Palm d ’; Eller vinneren.



Topp Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funksjoner

Nyheter

Fjernsyn

Toolkit

Film

Festivaler

Anmeldelser

Awards

Billettluke

Intervjuer

Clickables

Lister

Videospill

Podcast

Merkeinnhold

Awards Season Spotlight

Filmbil

Påvirkere