20 flotte filmer om forhold i krise

Etter en stor AFI Fest premiere, “;Ved sjøen”; Angelina Jolie’; s tredje regi tur, åpner i teatre i morgen. Filmen markerer noe av et avgang for den megastar-vendte hjelmen: i motsetning til prestisje-y-konfliktdramaene til “;I landet av blod og honning”; og i fjor ’; s “;Unbroken”; den nye filmen er en melodrama i europeisk stil satt ut på 1970-tallet om et urolig amerikansk par på ferie hvis forhold settes på prøve på en viktig måte.



Det er et tilbakeblikk til en bestemt type film laget av italienske regissører på 1950- og 1960-tallet, men også filmet av andre før og siden, som undersøker et ekteskap eller et forhold i krise, håpet som kan komme fra å overleve disse testene og tristheten når du er klar over at du ikke har klart det. Hvor vellykket Jolie har vært med å fange ånden til disse filmene kan diskuteres (les anmeldelsen vår for å finne ut hvordan), men den passer absolutt inn i en lang, fin tradisjon, og med filmen hennes ankom umiddelbart, virket det som en god tid å se på tilbake på tvers av historien til den under-sjangeren forhold-i-krise. Ta en titt nedenfor og gi oss beskjed om favorittene dine i kommentarene.

“; All That Heaven Tillater ”; (1955)



En av Douglas Circus& de beste filmene, “; All That Heaven Allows ”; forteller historien om Cary (Jane Wyman), en velstående New England-enke som forelsker seg i sin yngre gartner i lavere klasse Ron (Rock Hudson). Naturligvis opprører romantikken deres lokalsamfunnet, og til og med Carys barn avviser hennes nyvunne lykke som unaturlig, noe som får henne til å bryte den av, men etter at han har hatt en ulykke, tenker hun på nytt om beslutningen og bestemmer at hun var for hissig. Senere hyllet av Rainer Werner Fassbinder (med “;Ali: Frykt spiser sjelen”;) og Todd Haynes (med “;Langt fra himmelen”;), som begge kan medføre raseri ras i blandingen, her er bekymringene mer klassebevisste, og filmen fanger begge livet perfekt i 1950-årene forstad (den økte, nesten kunstige naturen til Sirk ’; s steder spiller opp det kunstige konstruksjon av den verdenen), og spiser hykleriet og fonetikken i verden rundt dem - måten Carys barn blir fremstilt på, er nesten svimlende i mangel av sympati. Som alltid med Sirks arbeid, skutt Iit og vakkert, og utførte vakkert, med Wyman, aldri en stor stjerne til tross for en Oscar-seier for “;Johnny Belinda”; syv år tidligere, uttrykksfulle og svært lagdelte, og Hudson støpte perfekt selv når du overser de overtonene som påfølgende avsløringer om hans personlige liv la til. Avslutningen kan virke litt for lykkelig for en historie med en slik lufttragedie, men Sirk og hans skuespillere lar oss aldri glemme hva de ofret eller vanskene som sannsynligvis ligger foran oss.



“; Blue Valentine ”; (2010)

Derek Cianfrance’; s opprivende “; Blue Valentine ”; er ikke så mye en film om et forhold i krise som det handler om et ekteskap i fritt fall, og akkurat nøyaktig hvordan to i hovedsak godhjertede, velmenende ungdommer klarte å synke så lavt ned i en avgrenset grop av mentale og emosjonelle overgrep . Filmen er like grov og usparende i sin skildring av menneskelig feil som alt fra den gyldne æra av John Cassavetes, og inneholder to karriere-beste vendinger fra vakre skuespillere som gruver noen veldig stygge deler av seg selv her. Michelle Williams spiller Cindy, en jevn ung kvinne som er i ferd med å ta vare på sin syke far når hun møter Dean (en pre-Meme Ryan Gosling, ulmende med intensiteten til en ung Paul Newman), en skiftløs sjarmør hvis holdning med djevelen kan være mer skadelig på lang sikt enn noen av dem kunne begynne å forestille seg. Filmens fragmenterte kronologi avslører en stormende tussel med minne, og sammenstiller Dean og Cindy på sitt svingende høydepunkt, så vel som mage-nedturene. Og gutt, er det lave nivåer: hvem kan glemme den hudkrypende motelscenen, eller Dean &nsquo; s nervepirrende tredje handling freakout på et sykehus hvor han slår en lege? Men Cianfrance, gjennom åpenbart trukket av melodramatiske fortellinger, er ingen elendighet: han er nøye med å vise akkurat hvordan disse to falt for hverandre i utgangspunktet (bortsett fra den vakre humørscenen fra indie-rockantrekket) Grizzlybjørn, “; Blue Valentine ”; svinger også Penny & the Quarter’; s flismaskin “; Du og meg ”; inn i en øm romantisk erklæring, samt et rop om hjelp). Cianfrance ville prøve seg på familiens epos med sin oppfølging “;A Place Beyond the Pines”; med betydelig mindre vellykkede resultater. Men “; Blue Valentine ”; er en av de mest utfoldede blikkene på hjerteskjæren som noen gang er filmet.

“Bob & Carol & Ted & Alice” (1969)

Paul Mazursky’; s fantastiske første film “; Bob & Carol & Ted & Alice ”; er unik for sin disseksjon av en viss type sosialt produsert høflighet som er endemisk blant den velleste og seksuelt eventyrlystne i Los Angeles fra midten av tallet. Filmen handler om to bohemske par fra Beverly Hills som i kjølvannet av en manns bekjennelse til utroskap erklærer at de skal fortelle sannheten, den stygge, ærlige sannheten, for enhver pris — i samsvar med Mazursky og medskribent Larry Tucker’; s manus, vil de si hva de “; føler, ”; i motsetning til hva de tror. Ideen, illustrert av en morsom dårlig anbefalt tur til et selvhjelpsseminar i filmens åpningsscener, er at denne ustabile ærligheten vil skape reell fremgang i begge filmens respektive romantiske frierier. Disse menneskene er så opptatt av å være usynlige sannhetsfortellinger og angivelig progressiv tenkning at de har glemt hvordan de skal være mennesker med hverandre. De snakker bevisst i nedlatende flater og utvider dyderne til mennesker som de knapt kjenner - de er så åpne at de er i ferd med å falle fra hverandre. “; Bob & Carol ”; forblir Mazurskys definitive film på grunn av sin sjokkerende, morsomme og dypt alvorlige disseksjon av en kollektiv kulturell mentalitet. Det handler om de store forskjellene mellom hva folk gjør og hva folk sier, på en måte som er eksklusiv for byen Mazursky fremstilt så kjær og så bra. I motsetning til de nebbishy Upper East Side-beboerne i Woody Allen, som forblir stort sett fiksert stort sett på klasse misunnelse, kreative hierarkier og seksuelle hang-ups, Mazursky ’; s avviklet Angelinos liker seg på randen av en bølge av toleranse og fremgang. De er perfekte, oppriktige, moralsk sunde borgere i verden, og de er også perfekte klovner. Når de fire kommer til den konklusjon at det eneste logiske neste skritt ”; i deres selvpålagte åndelige renselse er alle å sove sammen, Elliot Gould’; s karakter bemerkes tilfeldig, “; først, vi ‘ ll har en orgie. Så vil vi se Tony Bennett. ”;

“; Kort møte ”; (1945)

david fincher world war z

Han er kanskje bedre kjent nå for sine storslagne epos som “;Bridge Over The River Kwai,”; “;Lawrence Of Arabia”; og “;Doktor Zhivago”; men en av de beste filmene fra David Lean’; s karriere var et tidligere, mye mindre bilde: en nydelig, hjerteskjærende romantikk som er blant kinoens beste. Basert på Noel Coward’; s lek “;Still Life”; filmen ser en middelklasse forstadskone Laura (Celia Johnson) fortelle historien om hvordan et kornstykke i øyet hennes førte henne til å møte den sjarmerende legen Alec Harvey (Trevor Howard) mens du venter på en te-jernbanestasjon. Begge er gift med barn, men synes at de møtes regelmessig, etter hvert i det skjulte, og kommer stadig nærme å ta et skritt som kanskje ikke kan utelates. Det er veldig mye en klassisk britisk kjærlighetshistorie, en der det som blir sagt ikke er viktigere enn det som sies, og hvor de korte øyeblikkene der følelsesmessig undertrykkelse glir over i en brist av plutselig følelse. Og mens filmen forblir kysk, og vi til og med fratas et lidenskapelig farvel takket være inngripen fra en glemsom skravleboks (en av de mest hjerteskjærende scenene i kinohistorien), fungerer den på en måte til sin fordel, og gjør den til ikke bare en swooning kjærlighetshistorie, men også to personer hvis ekteskap blir satt til de hardeste prøvene. Det kan feire et sett med verdier som virker litt gammeldagse nå, men det føles fremdeles like friskt som dagen det ble utgitt: bare se på den åpenbare påvirkningen av en nyere flott romantikk, Todd Haynes ’; “;Carol. ”;

“; Tidlig vår ”; (1956)

Hvis de fleste kjenner noen film av Yasujirõ Ozu, det ”; s “;Tokyo Story”; en film ofte kåret til blant de beste noensinne laget og et udiskutabelt stille mesterverk. Filmen som fulgte etter et tre gap (nesten enestående for en enormt produktiv filmskaper - han hjalp skuespillerinnen Kinuyo Tanaka på hennes andre film som regissør) så noe av et avvik fra hans vanlige familiehistorier, men viser seg å være like kraftig. “; Tidlig vår ”; stjerner Ryõ Ikebe som lønnsmann i et mursteinfirma i Tokyo som innleder en affære med en kollega (Keiko Kishi), med konen hans (Chikage Awashima kommer raskt til å mistenke at noe er galt. Ozu forlot de vanlige temaene hans om forskjellen mellom generasjoner og familiepolitikk (etter anledning av studioet hans, som følte at de gikk av moten og ønsket at han skulle rollebesetge yngre skuespillere), forteller Ozu likevel en atypisk historie i karrieren med vanlig diskret, delikat stil, og hoppe over hva mindre filmskapere vil vurdere viktige scener og la publikum fylle ut feltene (eller fortsette å gjette seg om de i det hele tatt fant sted). Og som alltid sprenger livet inn fra utsiden av rammen: dette er ikke så mye en historie som det er en skive av virkeligheten. Ozus vanlige nyanse og fine øye for menneskelig natur betyr at både affæren og det eventuelle gjensynet med ekteparet føles autentisk og fullstendig fortjent, men det fungerer også vakkert som et portrett av lønnsmannen fra 1950-tallet, og føles som en forløper for blant andre, Billy Wilder’; s “;Leiligheten. ”;

“; 50 & operatørs Eclipse-rdquo; (1962)

Når italiensk forfatter Alberto Moravia skrev “; penger er det fremmede elementet som indirekte griper inn i alle forhold, til og med seksuelle, ”; han kunne ha snakket om Michaelangelo Antonioni’; s “; L ’; Eclisse, ”; som stenger for den uoffisielle trilogien som er begynt med “;L ’; Aventurra”; og “;Natten. ”; Filmen stjerner Monica Vitti som Vittoria og Alain Delon som Piero, flørter to kjærester med ideen om en romantikk, men sliter med å forstå ekte intimitet. Hjemsøkt av et urbant landskap med storslått moderne italiensk arkitektur (sammen med halvbygde bygninger som tilsynelatende er forlatt på grunn av deres utdaterte stil), spiller Delon en ung aksjemegler som blir rik mens Italias underklasse blir magen. En av disse stakkars dårene er moren til Vittoria, som gamblet sparepengene sine. Frisk fra sitt eget samliv med en eldre mann, møter Vittoria Piero gjennom denne forbindelsen, og de danser rundt ideen om å være sammen og bekjenne ekte kjærlighet til hverandre, inkludert flere tunge sminkeøkter som til slutt føles apatiske og tomme. I mangel av ekte tilknytning prøver disse følelsesmessig utmattede karakterene å produsere en evig kjærlighet, men den geler aldri helt og er flyktig som de urolige vindene som gir deres lille by sin spøkelsesaktige og disenchanted atmosfære. “; Jeg føler at jeg er i et fremmed land, ”; Sier Piero på et tidspunkt. “; Funny, ”; Vittoria tellere, “; det er hvordan jeg føler meg rundt deg, ”; og det er sannsynligvis like direkte et stykke dialog som noen sier i filmen. Ved å erkjenne ekte kjærlighet, lover paret å møtes på et gatehjørne senere samme kveld, men ingen av dem vises, og filmen avsluttes med en ugjennomsiktig og illevarslende montasje på syv minutter av de tomme bybildene.

“; Eyes Wide Shut ”; (1999)

Etter å ha taklet alt fra første verdenskrig og atomutslettelse til romfart og verdens skumleste hotell, Stanley Kubrick gikk nærmere hjemmet for det som viste seg å være hans endelige film, “; Eyes Wide Shut. ”; Tilpasset av Frederic Raphael og Kubrick fra Arthur Schnitzler’; s “;drøm Story”; det åpner for sprekker i ekteskapet med den kjekke unge legen Bill Harford (Tom Cruise) og kona Alice (Nicole Kidman) etter at han har foreslått av to kvinner på en fest, og hun tilstår at hun hadde hatt en seksuell fantasi om en annen mann. Det fører til flere lange mørke netter på sjelen når Bill møter en hemmelig sexkultur med stor innflytelse og rekkevidde, og finner den kortere siden av livet utenfor monogami før han vender hjem til den relative sikkerhet og lykke i ekteskapet. Som mange forhold i krise ’; filmer, det er en grundig moralistisk film, som går ned i tabubelastende seksualitet på en nydelig, fascinerende måte, og viser de perverse fristelsene som plager den sammenkoblede, men antyder til slutt at ekteskap er den beste løsningen vi har (Kidman ’; s siste linje, “; Faen, ”; er på en gang både dypt sexy og utrolig romantisk). Som alltid med Kubrick er filmskapingen omhyggelig, ekstraordinær og oppfinnsom, men det er avgjørende rollen som kan være masterstroken: å bruke to megastarer som var den gang i Hollywoods mest omtalte, spekulerte ekteskap gir sin undersøkelse av et forhold på knivkanten en nesten mytologisk dimensjon.

“Ansikter” (1968)

Det tok John Cassavetes nesten et tiår for å gjøre en ekte oppfølging av sin fantastiske debut “;Shadows”; en film som mer eller mindre oppfant amerikansk uavhengig film som vi kjenner den - han regisserte et par Hollywood-konserter for utleie, men det var først da han selvfinansierte “; Faces, ”; takket være penger fra store fungerende jobber som “;The Dirty Dozen”; at Cassavetes vi kjenner og elsker kom tilbake. Den første virkelige sammenstillingen av det som ville bli sett på som forfatter-regissørens representant, filmstjernene John marley og Lynn Carlin som Richard og Maria Forst, et middelklasses ektepar i tilsynelatende de siste trossene i ekteskapet. Etter at han kunngjør at han ønsker en skilsmisse, går hun ut med vennene sine og henter en aldrende, glattpratende playboy (Seymour Cassel), mens Richard besøker en prostituert (Gena Rowlands) at han allerede møttes. Som det vanligvis er tilfelle med Cassavetes, er det løs og fri form, med sin egen særegne stil og rytme som gjorde at mange feilaktig tro at filmene hans er improvisert: de er ikke, men du vil ikke vite det. fra de helt naturlige forestillingene (inkludert fra en Oscar-nominert Carlin, som ’; har jobbet som sekretær hos Screen Gems på forhånd). Det er ikke en enkel klokke, som en mer melankolsk, mer vanlig “;Hvem er redd for Virginia Woolf”; i sin akerbiske bitterhet, men midt i styggen, finner regissøren øyeblikk av underlig nåde og skjønnhet. Han ’; d senere takler lignende temaer med det enda bedre ansett “;En kvinne under påvirkning”; gir Rowlands rollen som sin karriere.

“; En mild kvinne ”; (1969)
Robert Bresson’; s første film i farger, “;En søt kvinne”; ('En mild kvinne') er basert på Dostojevskij novelle “; En mild skapning, ”; og fokusert på den ukjente indre verdenen til den titulære ‘ milde kvinnen, ’; Elle (Dominique Sanda), som vi møter i begynnelsen av filmen, rett etter at hun begikk selvmord. Historien blir fortalt i flashbacks fortalt av hennes pantelåners ektemann Luc (Guy Frangin), mens han prøver å forstå hva som førte til at hun drepte seg selv. De møtes i butikken hans, og slått av hennes skjønnhet følger han henne hjem og gifter seg med henne til tross for hennes første protester. Pantemegleren er en merkelig sammenkobling fra starten, og finner seg ikke i stand til å forstå kona fullt ut som han vil: han appellerer til henne med turer til operaen, kjøper plater og bøker for henne, men hun er fortsatt ikke lykkelig. Luc blir mer undertrykkende og Elle blir mer tilbaketrukket, til hun en natt rekker en pistol for å drepe ham, men ikke klarer å dra i avtrekkeren. I stedet unnslipper hun den eneste måten hun kan, gjennom døden - en vanlig flukt for Bressons karakterer. Som vi blir fortalt historien fra Luc’s synspunkt, forblir hans kone sin verden mystisk, alltid skjult rett utenfor rammen. Forestillingene er typisk Bressonian, med liten følelse eller reaksjon gitt bort av uttrykk, selv om de milde subtilitetene i Sandas ansikt og bevegelser antyder hennes indre uro. Bressons syn på materialisme kontra åndelig oppfyllelse blir tydeliggjort i denne filmen, med hint om at pantelåners besettelse av penger og “; ting ”; førte til sin kone fortvilelse og ergo hennes død.

“; Hannah And Her Sisters ”; (1986)

Woody Allen’; s nyere filmer er så doppet sammen og halvt gjennomtenkt (med en og annen unntak som 2011 ’; s lette, sjarmerende “;Midnatt i Paris”; og 2013s sjokkerende personlige “;Blue Jasmine”;) at det blir lett å glemme hva en sprek kroniker av romantisk ubehag Woodman kan være når han jobber på toppen av sine kreative krefter. Karakterene i New York's neurotiske filmunivers lider ofte av moralske blinde flekker og noen ganger forbløffende bortfaller av dom. Alle disse tingene forekommer til tross for karakterens ofte utdanning, middelklassestatus og forkjærlighet for raffinert kultur. I hans store, mesterlig triste kammerstykke “; Hannah og hennes søstre, ”; Allen undersøker de innerste arbeidene til en dypt rotete New York City-familie som er plaget av kamp, ​​utroskap og verre, og fremstår med en elegant og deilig bitter komisk marengs som dissekerer anstrengte borgerlige verdier med presisjon og vidd. Handlingen dreier seg mest om tre voksne søstre - tittelen Hannah, (Allens ektefelle) Mia Farrow) Holly (Dianne Wiest) og Lee (Barbara Hershey) - og forelskelsene, rivaliseringene og svikene som truer med å angre stoffets familie. Hele hovedensemblet er enestående her, med Michael Caine spesielt å gi en mild, såret vending som en utro ektemann som er i konflikt om beslutningene sine, og Allen låner ut sitt varemerke nebbishy energi (før det ble helt ristende) til rollen som den snakkende T.V.-skribenten Mickey. Fordi dette er en toppnivå Allen-film, ler det mye å være, men gjør ingen feil: Dette er like sviende en undersøkelse av ekteskapelig misnøye som “;Scener fra et ekteskap”; regissert av Allens helt Ingmar Bergman, bare med Woodmans varemerke, jødisk humor og enda mer eksistensiell fortvilelse.

“; Reise til Italia ”; (1954)

Få filmer har blitt revurdert over tid så vellykket eller hatt en så stor innvirkning som Roberto Rossellini’; s “; Reise til Italia, ”; en film som hadde en svulstende produksjon og ble bredt avsky for kritikere ved utgivelse, men som nå fremstår som en ufattelig klassiker. Løst basert på Colette’; s roman “;Duo”; filmen ser det engelske paret Alex (George Sanders) og Katherine (Ingrid Bergman) som reiste gjennom tittelen landet for å selge eiendommen de &arv; har arvet fra onkelen, og finne forholdet deres smuldre underveis. På et tidspunkt sier Katherine “; dette er første gang vi virkelig har vært alene siden vi møttes, ”; og problemene som sådan blir øyeblikkelig tydelige - de kan ikke kommunisere, har veldig forskjellige personligheter og ser ut til å være dypt sjalu på hverandre. Det er en tilsynelatende giftig sammenkobling, men Rossellini slutter på et notat om noe som optimisme, med de to tilsynelatende brakt sammen igjen etter en religiøs festival. Rossellini eksperimenterte her, og fremmedgjorde hans rollebesetning (inkludert hans snart til å bli eks-kone Bergman) ved å nekte å vise manuset eller la dem forberede seg, og filmens mangel på tradisjonell fortelling ble mottatt giftig av kritikere, i det minste til Cahiers du Cinema gjengen var med på å rehabilitere den. Men nå står det som et utrolig rått, trist bilde og fenomenalt fremført av de to stjernene, begge strippet ned til beinet uten noen skuespillerinne som det kan gjemmes bak. Det føles desperat personlig på steder og hjalp på så mange måter med å skifte retning for europeisk kunstkino som kommer, og påvirket alt fra Antonionis filmer til, vel, “; By The Sea. ”;

“; Kniv i vannet ”; (1962)

Et synlig kjærløst ekteskap truer med å smuldre og deretter erodere Roman Polanski’; s “; kniv på vannet, ”; et pessimistisk og urovekkende blikk på den tynne linjen som skiller mennesket fra udyret. Skjønt den ikke har den okkulte spookinessen til “;Rosmarin Baby”; og heller ikke de overdimensjonerte, galne teatraliene til “;Leietaker”; den polske regissørens debut er på mange måter som hans mest foruroligende film, hovedsakelig for det den sier om den essensielle venaliteten til den menneskelige karakteren. Filmens handling er stort sett begrenset til en enkelt vanngående båt, der et elendig borgerskapspar har fått med seg en mystisk, kjekk ung fremmed for et ettermiddagsseil. Kona, som fratas av mannen sin åpenlyst stygg og smålig oppførsel, kan ikke hjelpe men med å hive seg på synet av denne yngre, mer virile mannen, ettersom han alt for lykkelig griper inn i hennes patetiske ektemanns territorium. Leon Niemczyk og Jolanta Umercka er herlig forferdelig praktisk talt fra første ramme som et par hvis ekteskap er under beleiring, mens Zygmunt Malanowicz, som den blondhårede alfahannede drifteren som blir den skjerpede knivkanten av denne tvinnede trekanten, er i stand til å antyde grader av utenkelig trussel med lite mer enn et knust smil. En modell av narrativ økonomi og en av de mest urovekkende filmene som noensinne er laget om seksuell sjalusi, legger Polanskis debut ut mange temaer og motiv som skulle definere hans senere arbeid, inkludert perversjon, paranoia, latent vold og menneskets kapasitet for ondskap . Uhyggelige strømninger av ydmykelse kruser ertende under det grumme vannet i denne svarthjertede filmen, inntil en hårreisende og fryktelig logisk avskjed der Polanskis rynkede syn på connubial lojalitet blir altfor tydelig.

“; Ekteskap, italiensk stil ”; (1964)

En av Vittorio De Sica’; s mest suksessrike filmer i utlandet (det plukket opp både beste fremmedspråk og Oscar-nominasjoner for beste skuespillerinne), “; Ekteskap italiensk stil ”; skritt unna sex-komediestylingen fra forrige film, 'I går, i dag og i morgen, ”Som teamet regissøren, Sophia Loren og Marcello Mastroianni, til fordel for noe nærmere ambisiøs melodrama. Denne tiårsspennende romantikken ser Loren som Filumena Marturano, en prostituert som & ble reddet av Mastroianni Domenico under andre verdenskrig, og ble hans elskerinne i et forhold som ’; s desidert ensidig. I et siste grøft forsøk på å vinne sin hengivenhet når han ’; er i ferd med å gifte seg med en yngre kvinne, forfalsker hun en terminal sykdom. Med en formelt oppfinnsom struktur - det er tunge tilbakeblikk, med De Scira som hopper gjennom tiden på en frimodig elliptisk måte, og så skifter fokuset til hvert av Lorenes tre barn, hver far av en annen mann - det føles på en måte sprettere enn noen av De Sica ’; s andre bilder, navigerende dyktig tilsynelatende motstridende toner av bred komedie og brennende drama på en måte som noen som Pedro Almodovar senere ville lage sine egne. Men filmen er mer enn noe et utstillingsvindu for Loren, som blåser Mastroianni av skjermen for en gangs skyld. Både messing og gripende, det er hennes film fra den første rammen til sist, og hun topper sin tilsvarende Oscar-nominerte forestilling i “;To kvinner”; og litt til.

“; Natten ”; (1961)

Michelangelo Antonionis oeuvre føles som en av de største innflytelsene på “;Ved sjøen,”; selv om Jolie ikke har sagt så mye - helt sikkert, taklet han lignende tematiske territorier flere ganger i karrieren, inkludert i “;Red Desert”; “; l & operatørs Avvenura ”; og dette enorme bildet fra 1961. I løpet av en dag og natt følger vi Giovanni (Marcello Mastroianni) og hans kone Lidia (Jeanne Moreau) når de besøker en døende venn, deltar på boksigneringer og fester (Giovanni er en berømt forfatter), men vandrer av og til alene eller sammen med potensielle elskere de møter underveis. Avslutningen tvinger den til en slags konfrontasjon om forholdet til deres forhold, og selv om det virker klart at det er uopprettelig brudd, stenger vi dem ute og elsker kjærlighet i en sandtrap på en millionær golfbane når daggry bryter . Hele veien gjennom foregår samtalene mellom paret på en slags økt fjerning - som opprørt og utmattet som Lidia noen ganger er, unnlater Giovanni å trøste henne; og så mye som Giovanni ser ut til å glede seg over suksess med suksess og jevnaldrende beundring, lykkes ikke Lidia å legitimere prestasjonene hans. Det er et kjølig, kjølig portrett av et borgerlig forhold i en tilstand av særegen entropi; selv når de søker distraksjon med andre, er det en underlig uunngåelighet av det faktum at de ender opp sammen. Vakker, mutbar og alltid utenfor rekkevidde, “; La Notte ”; er ikke en film som alle vil finne tid til, selv om vi hevder at det ikke akkurat er tålmodighet seeren trenger, men en vilje til å la filmens rike visualer trekke deg inn og dens kule strømmer nærmer seg hodet .

“; Et sted i solen ”; (1951)

En tilpasning av Theodore Dreiser’; s anerkjente roman “;En amerikansk tragedie”; (som en gang var satt til å gi Hollywood-debuten av Sergei Eisenstein i den tidlige lydtiden og ble også filmet av Josef Von Sternberg i 1931), “; Et sted i solen ”; har et for det meste fortjent rykte som et av de klassiske filmatiske melodramaene, selv om tiden har tatt sin mengde på filmen litt opp gjennom årene. I regi av George Stevens (som vant Oscar det året, en av seks filmen vant), filmstjernene Montgomery Clift på toppen av sine krefter som George, en ambisiøs ung mann som ankommer en liten by for å jobbe i sin onkels fabrikk. En hardtarbeidende gutt, begynner han snart et forhold til kollega Alice (en utmerket Shelley Winters), men faller senere for overklassen Angela (Elizabeth Taylor, i en rolle som så mye som noe som bidro til å presse henne inn i voksenroller). Når Alice blir gravid og krever at han gifter seg med henne, begynner George å vurdere drastisk handling. Det er en streng, kraftig historie som fortsetter å fange fantasien (Woody Allen ’; s “;Matchpunkt”; er egentlig en riff på den samme grunnleggende historien), og vendinger viser seg å være sanne tarmer når de kommer, spesielt med de tre leder som gjør et så utmerket arbeid. Når det er sagt, føles det litt begrenset av produksjonskoden noen steder, og Stevens er sannsynligvis for mye av et sløvt instrument for den mer subtile sosiale satiren til Dreiser ’; s arbeid - han hamrer deg over hodet med temaene hans. Likevel, som et bilde av ikke bare en mann som finner seg revet mellom to kvinner og ser for å ta den mest feige veien ut, men også av klasse og ambisjoner i USA, rangerer det fortsatt som noe av en klassiker.

“; skam-rdquo; (1968)

I mange av filmene på denne listen settes de sentrale forholdene mest på prøve av indre faktorer - seg selv-tvil, mangel på troskap og mangel på tillit. “; skam-rdquo; er en som ser at heltene våre blir trukket fra hverandre av ytre faktorer utenfor deres kontroll, samtidig som de utsetter en vanskelighetsgrad i dynamikken som sannsynligvis ville ha oppstått i noen tilfeller. Noe oversett i Ingmar Bergman’; s kanon, denne filmen ser skuespillerne mest assosiert med regissøren, Max Von Sydow og Liv Ullman, som Jan og Eva Rosenberg, et ektepar som prøver å unnslippe en krig som stenger for dem. De plages av den uhyggelige oberst Jacobi (Gunnar Björnstrand), og finn konfliktens redsler som avslører sider ved seg selv at de heller ikke den andre så. Bergman hadde avhørt ekteskap og mann-kvinnelige forhold før og etter “Skam”, men ved å ta dynamikken som han ofte undersøkte - en viljesterk kvinne og en svak, følsom mann - og innrammet den rundt en nærmest dystopisk konflikt, også som tegning fra historien om 1900-tallskonflikten uten å antyde et bestemt sted eller årsak, blir det noe større og strengere når det gjelder undersøkelse av både menneskets natur og de tingene vi oppdager om hva våre kjære vil gjøre for å overleve. Det er en dyster film, selv etter regissørens standarder - de siste øyeblikkene med paret i en båt fanget av flytende kropper, mens Eva forteller en drøm hun en gang hadde er spesielt hjemsøkende, riktignok på en vakker måte - men en som burde markere seg blant hans beste og absolutt blant de mest skarpe undersøkelsene av forhold.

“; Termini stasjon ”; (1953)

Merkelig nok filmet Vittorio De Sica denne melodramaen fra 1953, med hovedrollen Jennifer Jones og Montgomery Clift (på sitt vakreste), og selv om begge deler er veldig bra, tar vi det mindre kompromitterte “;Termini stasjon”; over studio-tinkered “;Indiskretjon av en amerikansk kone”; hvilken som helst dag. Ganske Harvey Weinstein av hans dag, superprodusent David O. Selznick i spissen for teamet til De Sica med to amerikanske stjerner, men den resulterende 89-min-sanntidsfilmen som ser på Jones som en husmor som forelsket seg i Clifts lokale Giovanni og prøver å bryte den av ham, var slett ikke etter Selznicks smak. Så han kuttet over 20 minutter (noe som betyr at han måtte skyte en egen kort “Høst i Paris”For å bringe pakken opp i distribuerbar lengde), hovedsakelig ved å skjære bort mye av De Sicas varemerker på bakkenivå. Dette er spesielt tydelig på scenen der Jones 'utro kone og mor gir sjokolade til noen barn: når kameraet er på dem, kan det være et uttak fra 'Sykkeltyver”(Komplett med potensielt overdreven følelse). Men når det skjærer ned i at deres patronesesse ser dem slapp, føles det poengtert: Amerika som velvillig leverandør. Likevel, kastrert og cauterisert selv om Selznicks 'Indiscretion' er, kan det ikke skjule den ekte følelsen og overraskende sexinessen til denne dødsdømte romantikken, mens Monty og Jones kjemper mot deres uimotståelige attraksjon i Roma sentralbanestasjon, mens livet trommer og surrer rundt. Og i den fulle, kompromissløse versjonen, blir det som en nyrealistisk riff på “;Kort møte”; som den sentrale duoen blir levende av brummen i den omkringliggende byen.

“; Til undringen ”; (2013)

Med “; To the Wonder, ”; Terrence Malick drev enda lenger ut i eteren til ikke-narrativ drømmekunst enn han hadde med “;Livets tre”; etterlater konvensjonelle fortellerteknikker bak til fordel for enda mer voiceover, enda mer disig visuell poesi og måte, mer gullfargete magiske timeskudd. Direktørens avskrekkere sutret at “; Til undringen ”; var lite mer enn et overbærende eksperiment i stor skala, og selv om det er sant at filmen spiller mer som en samling av odds-og-ender Malick B-sider enn det store, sammenhengende konseptalbumet som var “; The Tree of livet, og rdquo; til og med mindreårige Malick er stort sett stort sett noen andre. Som sådan er “; To the Wonder ”; er unektelig et rot, men det er fascinerende, og den skinnende evokasjonen av kjærlighetens fødsels- og dødsstadier er skremmende og ofte overveldende. Ben affleck spiller Neil, en amerikaner i utlandet som faller for en strålende, nylig skilt ukrainsk kvinne som heter Marina (Olga Kurylenko). De boltrer seg i parken, tar t-banen sammen og løfter sin udødelige kjærlighet til hverandre. I en av de mest sensuelt overveldende sekvensene av Malick-karrieren, reiser de to stjernekryssede elskere til den iskalde, avsidesliggende rekkevidden til Mont St. Michel, og den karrige, verdensomspennende stemningen i landskapet føles nesten som om de har bebodd en fremmed planet (det er dype nyanser av Antonioni ’; s ‘ L ’; Avventura ”; her). Det er først etter at Neil tar Marina tilbake til den lille byen amerikanske byen han vokste opp ved at sprekkene i forholdet deres begynner å vise seg. En woozy, hallusinatorisk kunstfilm, et hjerteskjærende blikk på utløpsdatoen for et forhold og kanskje Malick ’; s mest formløse og forvirrende film til dags dato, “; To the Wonder ”; kommer aldri egentlig sammen som en helhet, men som en serie spredte øyeblikksbilder som fanger en blomstrende kjærlighet som til slutt vilter og råtner, er det ofte fascinerende.

“; To elskere ”; (2008)

Selv i en filmografi spekket med store emosjonelle øyeblikk og storslåtte melodramatiske avsløringer, James Gray’; s “; To elskere ”; er bemerkelsesverdig rå og personlig. Det er en film med friske sår og romantiske kamparr: en kjærlighetshistorie for den moderne tid som ikke er mindre enn kolossal i sin makt. Mange vil dessverre huske Gray's galvaniske og erptive drama som den siste store svingen fra stjernen Joaquin Phoenix før han gikk inn i skjegget-megalomani (les: performance art) scenen i sin karriere med “;Jeg er fortsatt her” ;. Noe som er synd, for dette er noe av det mest behersket og vakreste skuespillet som har blitt sett ennå fra den berømte eksplosive skuespilleren, selv om det ikke kan matche den grusomme minneverdighetsfaktoren til hans kokaindrevne nedsmelting i kompis / regissør Casey Affleck’; s store filmatiske spøk. I “; To elskere, ”; Phoenix spiller Leonard, en trist, såret Brighton Beach-mann som gjør sitt beste for å leve dag for dag etter en serie mislykkede selvmordsforsøk. Med en rolig blendende, men fremdeles beskjeden oppmerksomhet på levd detalj, observerer filmen Leonard inn i bane til to veldig forskjellige kvinner: typen Sandra (Vinessa Shaw, i en unik vending), som han har blitt satt opp av foreldrene sine, og Michelle (Gwyneth Paltrow), en lidenskapelig sjel som lever for natten, og også for de sittende pulver, piller og meningsløs moro. Scenene med push and pull mellom denne sammenfiltrede romantiske trifecta blir mesterlig observert og Gray skyter hans hjemlige New York City med en klarhet og følelse av ærefrykt som mange av hans samtidige mangler (det er også verdt å merke seg at dette er regissøren ’; s første film som ikke på en eller annen måte klassifiserer som et krimbilde). Et fantastisk portrett av sorg og tap og en sovende perle fra midten av 2000 ”; Two Lovers ”; ser alvorlig på dets smerter - så mye at det lar deg riste.

“; Revolutionary Road ”; (2008)

Richard Yates’; roman “; Revolutionary Road ”; en ganske forsømt bok som så nytt liv på begynnelsen av det 21. århundre, er en slags Mount Everest av bøker om urolige ekteskap, og mens Sam Mendes’; filmatisering er ikke perfekt, det er ikke desto mindre et kjipt og kjekk forsøk. Filmen ser Leonardo DiCaprio og Kate Winslet som Frank og April Wheeler, et par i forstaden Connecticut som drømmer om å flytte til Paris, men hvis drømmer blir avbrutt av deres utroskap, kraftige drikking og omstendigheter utenfor deres kontroll. Det er en tøff klokke - der er det en liten lettelse, men det er hovedsakelig dominert av det sentrale parets brennbare forhold, sprengt av både deres egne ødelagte fremtider og vanskeligheten med å opprettholde kjærligheten, og for mange ble filmen litt som å plukke over roadkill: uendelig dissekere uten noen gang å finne mye mer nytt å si enn det allerede gjorde. Men det er for å overse menneskeheten, den veldig virkelige medfølelsen som Yates og Mendes har for disse karakterene, og det er noe av et masterstroke for regissøren å gjenforene for første gang Winslet og DiCaprio, den fremste skjermen par på deres alder takket være “;Titanic”; - begge deler er enorme, og gir ikke bare en følelse av hvor mye disse to hater hverandre, men hvor mye de elsker hverandre også.

Hederlige nevner: Kino er ikke nøyaktig mangler filmer om sviktende forhold - vi har allerede dekket et lignende territorium i en litt annen funksjon med en annen serie av filmer, og selv utover det kunne vi mer ha inkludert. Blant de vi diskuterte før, var “;Ektemenn og hustruer”; “;Ta denne valsen”; “;Katt på et varmt tinntak”; “;Moderne romantikk”; og “;Scener fra et ekteskap. ”;

Utover det er det mye mer, inkludert mer fra de Sica (“;Barna deres ser på oss”;) og Ozu (“; Smak av grønn te over ris”;), pluss Diane Kurys’; “;Mellom oss”; Zujuwalski ’; s “;Besittelse,”; Peter Greenaway’; s “;Drukning med tall”; Marlon Brando starrer “;Refleksjoner i et gyldent øye”; “;Forferdelig foreldre,”; Gillian Armstrong’; s undervurdert “;De siste dagene av Chez Nous”; Louis Malle’; s “;Elskerne”; Jean Vigo’; s “;L ’; Atalanta”; Otto Preminger’; s “;The Sundowners”; Richard Linklater’; s “;Før midnatt”; Leo McCarey’; s “;Den forferdelige sannheten”; Doug Liman’; s “;Mr. og fru Smith”; og Lubitsch ’; s “;Den usikre følelsen. ”; Det laster mer utover det også, men hvis du har noen favoritter, nevnte vi det ikke, rop dem ut nedenfor.

- Oliver Lyttelton, Nicholas kalkulator



Topp Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funksjoner

Nyheter

Fjernsyn

Toolkit

Film

Festivaler

Anmeldelser

Awards

Billettluke

Intervjuer

Clickables

Lister

Videospill

Podcast

Merkeinnhold

Awards Season Spotlight

Filmbil

Påvirkere