30 essensielle filmer mangler fra synet og lyden Topp 100

Problemet med en liste er at ikke alle kommer til å bli enige. Det som ofte tilbys som et personlig utvalg av favoritter, kan ofte tas av en leser som en personlig krenkelse, et tegn på snobberi eller bourishness, selv om en liste er en samling fra flere bidragsytere. Og som oppstyret over Syn og lyd Største film of All Time-avstemning minner oss om, det vil sannsynligvis alltid være tilfelle. Vi vet jo at det hele bare er en morsom øvelse, og likevel ser vi over hele listen (publisert i dag på magasinets hjemmeside sammen med 800-odde framlegg fra kritikere over hele verden), føler vi fortsatt fraværet av noen av våre egne favoritter.



Så med publiseringen av den fullstendige avstemningen i dag, trodde vi at vi høflig ville tilby våre egne forslag til filmer som mangler fra listen helt, så vel som et annet utvalg som kom inn i 250, men har ennå ikke brakt topp 100 (men kunne gjøre det i fremtidige år, gitt en film trenger bare noen få dusin stemmer for å lage den i). Dette er ikke nødvendigvis å si at disse filmene er mer fortjener inkludering enn de som gjorde det. Det er mer en liste over noen av våre egne favoritter, for til syvende og sist er den store gleden ved disse listene sjansen til å diskutere, bli introdusert for og fange opp filmene du har gått glipp av. Så hvis du allerede har lastet inn noen 50-talls filmer i Netflix-køen din på grunn av Sight & Sound ”; Greatest of All Time ”; liste, vurder dette til ytterligere 30 må-se-filmer du bør gjøre det samme med. Og legg gjerne til dine egne personlige topp 10-er i kommentarfeltet.

Så uten videre, og i ingen spesiell rekkefølge ...



18 essensielle filmer som ikke er på syne og lyd Topp 250 flotteste filmer gjennom tidene



1. “Alt det himmelen tillater” (1955)
Douglas Circus bare sprekker de 100 beste i 2012 med det sublime 'Imitasjon av livet, Men det er alltid rom for en annen av hans strålende Technicolor melodramas, og 'Alt det himmelen tillater”Ville absolutt være vårt valg å bli med på det, gitt den direkte innflytelsen på filmer som Rainer Werner Fassbinder‘S“Ali: Frykt spiser sjelen”Og Todd Haynes' 'Langt fra himmelen. ”Detaljerer romantikken mai-desember mellom enken Jane Wyman og gartner Rock Hudson, en tverrklasse-affære som forårsaker sjokk i både Wymans familie og samfunnet generelt, det er både overdådig og følelsesmessig rått. Regissøren setter igjen sitt mål på hykleriet og den råtne kjernen i hjertet av den perfekte bildet fra 1950-tallet til amerikansk forstad. En helt overbevisende klokke som mister sitt såpeprinsept helt frem til den utrolig komplekse, bittersøte konklusjonen.

2. “The Samurai” (1967)
'Det er ingen større ensomhet enn samuraien, med mindre det er tigeren i jungelen ... Kanskje ...' Det samme gjelder teksten på skjermen som introduserer Alain Delon som helten av Jean-Pierre Melville'Kriminalitetsklassiker'Samurai”(I en av introduksjonene til store karakterer gjennom tidene), og det er noe som gjenspeiler bildet som helhet. Delons Jef er en profesjonell drapsmann, og en mann med få forbindelser, eller til og med tegn på menneskelighet. Hans minimalistiske livsstil (speilet av Melvilles registerteknikk) begynner å falle fra hverandre når han så på at han forlater scenen til en hit - og gjør ham til et mål av arbeidsgiverne hans. Det er et kjent plott, men det er sannsynligvis fordi det er den største hitman-filmen; alt fra “Morderen' til 'Amerikaneren”Skylder en enorm gjeld til Mellvilles film. Regissøren hadde dyppet ned i underverdenen mange ganger før, men aldri så fullstendig eller perfekt gjør han her - det er hans stramme mesterverk av genren, og føles som sådan den beste kandidaten fra hans arbeid for inkludering.

3. “; Cria Cuervos ”; (1976)
En ung Anna Torrent flyttet tusenvis av publikummere på 1970-tallet, og disse forestillingene har levd videre (se Victor Erice‘S“Beehives ånd”Som er nr. 66 på S&S-listen, der hun også er hovedrollen). Sjarmerende, søt, hjerteskjærende og uhyggelig, Torrent stjerner inn Carlos SauraFilm som en ung jente bosatt i Spania som mister sin mor til kreft og deretter blir besøkt av henne senere som et spektralt spøkelse som bare hun kan se. Saura har en prenaturalt forståelse av barnslig oppførsel, eller bare bare fanger essensen av denne bedårende og fremmede utøveren, og vever en kompleks fortelling om tapt uskyld som er ugjennomsiktig og likevel morsom, rørende og livsbekreftende. En for aldre.

4. “Ninotchka” (1939)
Å velge en singel Ernst Lubitsch filmen føles som en noe umulig oppgave, men ettersom regissøren helt var fraværende fra Topp 100, føltes det spesielt viktig å finne en. Og så stumpet vi etter “Ninotchka, ”Regissørens herlige komedie fra 1939 (skrevet av Walter Reisch, med Lubitschs beskyttet Billy Wilder og Charles Brackett), om tittelfiguren (Greta Garbo, kastet vakkert mot type, så mye at filmens plakat spionerte ‘Garbo Laughs!’), en sovjetisk utsending som kommer til Paris for å selge smykker konfiskert fra aristokratiet, bare for å forelske seg i Vesten og grev Leon (Melvyn Douglas), som er ute etter å ta smykkene tilbake fra storhertuginnen som det pleide å høre til. Det er ubeskadiget propaganda, men propaganda med sylskarpe vitser og en fjærlys berøring, og en av de mest morsomme romantiske komediene som noensinne er laget.

5. 'Sullivan's Travels' (1941)
Ikke så mye en komedie som en intensjonserklæring (selv om det også er en strålende komedie, som det skjer), Preston Sturges‘Mesterverk involverer en Hollywood-regissør (Joel McCrea) som bestemmer at han vil bryte seg bort fra de små komediene han har navngitt seg på (for eksempel “Ants In Your Plants 1939”) og tilpasse sosialt bevisst, Steinbeckian-roman “O Brother Where Art Thou,” går metode og later til å være en hobo for forskning. Finne en følgesvenn (Jenta, spilt av Veronica Lake), trodde død, og dømt til seks år på en kjedegjeng, kommer han etter hvert til å innse at komediene hans gjør mer for å lysere opp livene til de ikke-franchiserede enn et verdig drama noensinne kunne gjøre. Det føles som Sturges uttaler seg på vegne av sitt eget arbeid, men føler seg aldri defensivt eller overbærende; det er ganske enkelt en fantastisk komedie, med både satirisk kant og ekte følelse.

6. “Hjertets knurr” (1971)
Sjarmerende, søt, morsom og kjærlig fortalt, til syvende og sist, Louis Malle&nsquo; s niende drama er kanskje en av de mest kjærlige og likevel kontroversielle og knullede familieverdiene / seksuelle oppvåkningsfilmene på platen. Bildet er et bedårende drama som kommer i en alder, og sentrerer om en fremmende tenåringsgutt som vokser opp i borgerlige omgivelser i Frankrike etter andre verdenskrig, og krøniker forholdet til paterfamiliene sine som den yngste i en familie på fem. Et hjerte knurrer lander Laurent i et sanatorium vekk fra familien og til slutt i et seksuelt møte med sin altfor kjærlige mor. At tonen er så søt og jovial - helt fram til den tar denne svingen - er teoretisk sett et av de mest ubehagelige elementene i filmen. Enda til og med da, trekker det lettgåtte bildet det av, og klarer ikke å fremmedgjøre eller avvise publikum, men i stedet forlate dem kanskje litt forundret. Så sjokkerende og kontroversielt som mye av det høres ut, ‘ Murmur ’; er et ømt, grasiøst og uanstrengt bilde som fantastisk fanger nostalgi og uskyld i en ungdomstid de fleste av oss kan forholde oss til - minus de klossete oppkoblingsårene med foreldrene, selvfølgelig.
7. “; Empire of Passion ”; (1978)
Den kanskje mest kjente av den japanske New Wave på slutten av 50-tallet gjennom 70-tallet på grunn av hans fremste tabu-busting måter, Nagisa Oshima er fremdeles stort sett ukjent utenfor hardcore cinephile sirkler (selv om det sakte endrer seg). Mens hans mest kjente verk er “;God jul, Mr. Lawrence”; star David Bowie, og den kontroversielle, ganske myke kjerne-pornoen “;I sansenes rike”; det er den erotiske og hjemsøkende 'Empire of Passion”Det er kanskje hans mest utro og kraftige opplevelse. Mareritt-ish i tone, blanding av skrekk og den sensuelle, “; Empire of Passion ”; er egentlig en avslappende spøkelseshistorie som lener seg tungt på temaene skyld, drap og gjengjeldelse, ikke ulikt Shakespeare’; s “;Macbeth”; (et skuespill man kan hevde at filmen er løst basert på). Sentrer seg etter etterspillet av lidenskaper og de spøkende syndene fra forbrytelser, handlingen av “; Empire of Passion ”; (også kjent som “;Fantomkjærlighet”;) fokuserer på et utroskap par - en bondekvinne og hennes yngre medhustru - som konspirerer for å myrde mannen sin og dumpe kroppen ned i en brønn. Handlingen er enkel. Konsekvensene: sladder, som viser seg å mistenke og kulminerer med at mannens tilsynekomst kommer tilbake for å forfølge henne når loven etterforsker raser opp i en vanvittig tonehøyde av angst og uro er alt annet enn. Og virvlende tåke og tøysprutete kinematografi sørger for en uhyggelig patina av frykt uten sidestykke.

8. “; halmhunder ”; (1971)
Stygge og sjofel, og utforsker noen av de mørkeste hjørnene på mannens ID, Sam Peckinpah‘S“Halmhunder”Er ofte vanskelig å mage. Den arresterende undersøkelsen av vold, maskulinitet og mangel på den, den skadelige styrken i bildet ligger i det bildet ubevisst antyder, men aldri helt sier. Berømt kalt et & fascistisk kunstverk ”; av Pauline Kael i en sjelden positiv anmeldelse av den i stor grad utpregede filmen, har 'Straw Dogs' veldig lite kvarter i sitt Darwin-ian og Nietzsche-esque blikk på overlevelsen av de vakreste. Dustin Hoffman spiller en nebbisk amerikansk matte-lærer som provoserer misunnelse og ære hos den lokale arbeiderklassen engelsk ved å slå seg til ro med en av sine egne (Susan George) i sin landlige by. Maskulin, klasse- og nasjonalitetspolitikk er chaffed fra starten. Hoffman er en rik amerikaner dypt ute av sitt innslag, og når han gifter seg med den nydelige (og provoserende kledd) Amy, og ansetter den lokale underklassen for å fikse sin koselige hytte, kommer bildet bare til å si at han har tjent sin misunnelse og fortjener hva som er kommer til ham. En kontroversiell voldtekt på bildet gjør lite for å dempe den kvalme luften av avsky man får fra disse harsk omstendighetene og krenkende mennesker, men demonstrerer videre Peckinpahs mesterlige måte å forbli stort sett løsrevet, mens han provoserer publikum og bryter tilbake oppfatningen om at alle mennesker er i stand av elendige voldshandlinger. I å tvinge Hoffmans karakter til å forsvare seg selv i et blodtørstende raseri, kaster regissøren en molotovcocktail på skjermen, noe som gjør at seeren blir medskyldig i disse opprivende og baserte hevnaksene. Det er ingen moral i 'Straw Dogs,' bildet stripper ned alle elementer til deres mest overvåkne og råeste. Det er dypt foruroligende og utilgivende, noe som gjør at Peckinpahs oppsikt på mennesket, passivitet og aggresjon fremdeles sjokkerende og hjemsøkende til i dag. Regissører snakker ofte om bilder kontroversielle tabuer som gjenspeiler livets stygghet tilbake med dem med et speil, men sjelden følges gjennom. “Straw Dogs” er den virkelige avtalen som tar en hammer til refleksjonen og deretter stapper skjær nedover halsen.

snl sesongfinale

9. “The Last Picture Show” (1971)
Den utbrutte filmen - og fremdeles den beste - fra Peter Bogdanovich, 'The Last Picture Show”(En tilpasning av Larry McMurtry 'romanen) er fortsatt et av kinos mest uutslettelige historier om kommende aldre og et av de mest uforglemmelige kjærlighetsbrevene til seg selv. Duane (Jeff Brdges) og Sonny (Timothy Underdeler) er to småbyer i Texas som er fanget mellom en jente (Cybil Shepherd) og sørger over døden til deres mentor, kinoeieren Sam The Lion (en Oscar-vinnende Ben johnson). Dypfølt, hjerteskjærende elega og perfekt utført av alle, den står hode og skuldre over resten av Bogdanovichs arbeid i nesten alarmerende grad.

10. “Wings of Desire” (1987)
Vi måtte stort sett vippe en mynt for å velge mellom dette og 1984-tallet “Paris, Texas' i form av Wim Wenders‘Filmografi. Men til syvende og sist var det magien-realismens skjønnhet 'Wings of Desire”Som vant for oss. Ligger i Vest-Berlin, følger det et par engler, Damiel og Cassiel (Bruno Ganz og Otto Sander), hvor den førstnevnte forelsker seg i en trapesartist etter at han valgte å bli dødelig. Et dypt rart, øyeblikkelig tonedikt (med utseende fra Nick Cave and the Bad Seeds, og Peter Falk - spiller en versjon av seg selv som en tidligere engel), den er strålende skutt av 'Beauty and the Beast'DoP Henri Alekan, og dedikert til den da nylig avdøde Andrei Tarkovsky, Yasujiro Ozu og Francois Truffaut (tre av Wenders filmidoler). Man fornemmer at de ville blitt strålende fornøyd med den rene kinoen som ble vist i Wenders bilde.

11. “; La belle et la dyret”; (1946)
Åpning med et tavleklipp som ber seerne om filmskaper Jean Cocteau& klassisk 1946-film “;Beauty and the Beast”; (“;Skjønnheten og udyret”;) for å gi fra seg ideene sine om det som er ekte, og gi inn fantasien og latterliggjøring av fantasien, og det er en oppgave som fortsatte å definere det filmatiske eventyret frem til i dag. Cocteau-filmen gjenlyder fortsatt i dag; selv om det søte 1994 Disney den musikalske versjonen av historien er også verdt å se på, det er Cocteau's som balanserer fantasien med lignelsen; mister aldri siden av noen av dem for lenge. Det er også et visuelt under, med mange blomstrer som fremdeles er betagende i dag - gangen med menneskelige armer som holder lysekroner er en fremtredende - og det er lett å se frøene fra Cocteaus film i dusinvis av barokke fantasier som har fulgt siden.

12. “Frastøtning” (1965)
Hva mange kritikere rammer som “; det inverse av ‘Psykopat, '' Roman Polanski& ss elegante skrekkgyser er like kraftig og sjokkerende som Hitchcock’; s mesterverk. Catherine Deneuve, strålende og ugleøyet, spiller en belgisk manicurist bosatt i London som sakte blir gal. Filmen, en tidlig perle fra Polanski, hvis besettelse av galskap og lukkede områder ville fortsette med to senere filmer for å danne hans “; leilighetstrilogi ”; (med 1968 ’; s “;Rosmarin Baby”; og 1976 ’; s “;Leietaker”;), har en fantastisk sans for perspektiv - siden vi ser alt gjennom Deneuves øyne, kan vi ikke være sikre på hva som virkelig skjer og hva som bare er en bivirkning fra hennes torturerte psykologiske tilstand. Filmen skyver til slutt inn i det surrealistiske, og du kan ikke hjelpe men føle deg hjelpeløs for henne - hun virker et offer for omstendigheter som bare skjedde. Filmens humørige svart-hvitt-fotografering av Gilbert Taylor bare tilfører følelsen av klaustrofobi, og det er et vitnesbyrd om filmens rå kraft at den fungerer som en kunstig karakterstudie og en skvett bit av sjangersjokk. Deneuve gir også ytelsen for livet - og hun er til og med søt når hun forfaller.
13. 'Jorden rister' (1948)
En regissør for italiensk teater og opera, Luchino ViscontiDen filmatiske oeuvren er naturlig preget av sitt frodige, påkostede miljø i bilder som “Leoparden”(Som gjorde S&S topp 100), “;The Damned”Og“Døden i Venezia. ”Det er imidlertid hans tidligere italienske nyrealisme som uten tvil resonerer med en høyere emosjonell frekvens. “;Rocco og brødrene hans”; broer bro begge perioder, men “;Jorden skjelver”; er uten tvil den mest stramme, følelsesmessig rå og slående filmen. Med italienske skuespillere som ikke er kreditert, ikke-profesjonelle i hovedroller, ble dette italienske dramaet fra 1948 kalt en 'dokufiksjon' i løpet av dagen på grunn av Viscontis ønske om å være så realistisk som mulig, men det er ikke noe som benekter dette sterke og deprimerende. utnyttelse av arbeiderklassefiskere er ingen dokumentar. Den eldste sønnen til en lokal fiskerfamilie overbeviser familien om å krone de økonomiske realitetene i en liten siciliansk landsby, og overbeviser familien til å pantsette huset sitt for å bryte mer kontroll (og penger) bort fra grossistene som dominerer det lokale fiskerimarkedet. Det er et risikabelt trekk, og de fleste av de redde, tettbebyggede hælene er redd for å berge båten (ingen ordspill ment). Alt går vellykket til en storm ødelegger deres båt, plummet familien i dypere fattigdom og utløser den ene tragedien etter den andre som i hovedsak ødelegger hele dynastiet. Til slutt tvinger konsekvensene av deres gamble dem til å komme tilbake og krype til monopolisererne med halene mellom bena, og enda viktigere blir åndelig ødelagt. Sparsomt skutt og bruker lite musikk, “La Terra Trema” er unnervingly stille utenfor de hule og kalde lydlydene. Det er en dyster innsats helt sikkert, men et kraftig snap-shot av nyrealisme fra en filmskaper som generelt er kjent for sine tilhørigheter mot det ekstravagante.

14. “; Det obskure objektet av begjær ”; (1977)
Et ondt, djevelsk og surrealistisk blikk på gløden av lengsel, begjær og lidenskap, Luis Buñuel’; s “;Det obskure objektet av begjær”; er kanskje den best egnede filmen for emnet på denne listen. Fortalt i flashback og satt på bakgrunn av et terroropprør i Spania, ‘ Obscure Object ’; sentrerer om en aldrende spansk mann (Fernando Rey) som blir forelsket i og obsessivt forsøker å vinne hengivenhetene til en forsiktig, uoppnåelig 19 år gammel kammerpike. Spilt av to forskjellige kvinner (Carole Bouquet og Angela Molina), frustrerer denne uoppnåelige paramoren gjentatte ganger denne mannens romantiske og seksuelle ønsker med en erting frem og tilbake som kan gjøre enhver kjæreste gal. Tilsynelatende en representasjon av jentas to forskjellige personligheter (både Bouquet og Molina demonstrerer to forskjellige typer oppførsel), det er rett og slett for lett å bokse i Buñuel som dette, ettersom bildet har sine tåpelige satiriske elementer og beskyldninger fra borgerlige samfunnet som per hans vanlige. Buñuels 30. og siste bilde, regissøren døde fem år senere, men bildet tjente ham to Oscar-nominasjoner (Beste fremmedspråklige film og beste tilpassede manus).

15. “; Veronika Voss ”; (1982)
Løst basert på den sanne historien om Sybille Schmitz, en tidligere nazistjerne, hvis stjerne bleknet etter at Det tredje riket smuldret - begikk hun selvmord som en ensom gammel relikvie som nasjonen heller snart vil glemme - den fengslende og frodige “;Veronika Voss”; er tysk filmskaper Rainer Werner Fassbinder på høyden av kreftene. På en mørk, regnbløt kveld, den ubalanserte og melodramatiske Voss (Rosel Zech) møter og blir venn med en empatisk sportsforfatter (Hilmar Thate) som interesserer seg for sin falmede historie. Den velmenende forfatteren oppdager snart den uberegnelige og ofte desperate tidligere stjernen blir støttet opp av en skruppelløs “; dr. Feelgood ”; -lignende lege (Annemarie Düringer) som overherer henne - som driver drivstoffets usikkerhet med en kontrollerende dose av opiater, men bare hvis hun kan pony de ublu kostnadene. I mellomtiden risikerer den selvoppofrende forfatteren sitt eget forhold til å redde den aldrende oppfinnelsen, men til ingen nytte. Etter å ha lenge søkt anerkjennelse i Tyskland - foraktet provinsielle medier generelt hans alltid siterbare “; enfante forferdelig ”; mien - Fassbinder fikk endelig hjemmelaget kjærlighet da dette bildet med rette vant Gullbjørnen på 32. Berlin International Film Festival. Og selv om mange Fassbinder-bilder kunne ha laget listen, virker dette som det du må gå etter.

16. 'Natten' (1961)
Michelangelo Antonioni’; s heralded fremmedgjøring tetralogi om modernitet og dens misnøye er godt anerkjent blant cinephiles som en ruvende prestasjon på kino (og ja, det bør omfatte “;Red Desert”; selv om det er i farger og derfor litt annerledes i estetisk, men absolutt det samme i tema). Det hjemsøkende “;The Adventure”; gjorde med rette Sight & Sound topp 50, “; Red Desert ”; og “;eclipse”; begge har sementert sin posisjon som klassikere takket være Kriteriesamling. Men 1961s “Natten”Er noe av et barn som blir oversett, og dette er synd med tanke på at det muligens er det mest emosjonelle og tilgjengelige av dem alle. Med den fantastiske trioen til Antonioni vanlige Monica Vitti, mer Marcello Mastroianni og Jeanne Moreau, “; La Notte ”; spiller ut som en dag i livet til et utro og ulykkelig par som opplever forholdet sitt i dødsfallet av forfall. Giovanni Pontano (Mastroianni) og Lidia (Moreau) - et ektepar som allerede opplever sakte likegyldighet og forverring i forholdet - begynner dagen med å besøke en døende venn. Giovanni er rystet av hendelsen, men klarer ikke å trøste sin kone, og kvinnen går deretter ut og vandrer i Milanos gater på jakt etter et slags eksistensielt flyktige svar. De møtes senere på kvelden på en fest der Giovanni allerede prøver å slå opp en affære med datteren til en velstående industrimann (Vitti). Kanskje mest ødeleggende er klimaks. Når paret erkjenner at deres ekteskap sviktet i daggryets brytende timer, lenge etter at denne festen har gått, leser Lidia høyt fra et dypt poetisk bevegende kjærlighetsbrev. Spør Giovanni, hvem har skrevet det? Lidia forteller ham at han skrev det for mange år siden til henne. De elsker kjærlighet på gresset og klarer ikke å akseptere slutten, men deres forhold er helt klart i uopprettelig forfall, og denne siste handlingen er en overveldende og gjennomtrengende sekvens for alle som har gjort sitt beste for å holde et døende lys i live.

17. “; Umberto D. ”; (1952)
Vittorio De Sica toppet den første Sight & Sound-avstemningen noensinne med “Sykkeltyver,”Som bare ble utgitt fire år tidligere. I disse dager droppet den helt ned til nummer 37, og det er filmskaparens eneste film i Topp 100. Hans spesielle merke italienske nyrealisme er noe av moten nå, men urettferdig, gitt den glansen fra den filmen, og særlig av 1952s “Umberto D. ”Å involvere den daglige kampen for å overleve av en eldre mann (Carlo Battisti) og hans trofaste hund Flike, den sitter med “Tokyo Story”Som en av de store skjermportrettene av aldring, så vel som et fast politisk blikk på den lille mannen som er overmannet i samfunnet. Det er selvfølgelig litt manipulerende, men hva er filmskaping hvis ikke manipulering, og bare noen med et hjerte av stein ville unnlatt å bli rørt av filmen innen dens slutt. Den forsvant stort sett ved utgivelse, men det var favorittfilmen til både egen regissør og Ingmar Bergman, og har siden fortjent fått sitt rykte gjenopprettet.

18. “Dag for natt” (1973)
I det minste for denne forfatteren, som tilber filmskaperen, François Truffaut er noe underrepresentert i S&S Top 100: den store filmskaperen lager bare listen med ett bilde, “De 400 slagene. 'Skulle vi legge til en annen, kan det imidlertid ikke være den du forventer. For siden tenårene våre har vi elsket “Dag for natt,”Regissørens rike, lekne hyllest til filmskaping, med Truffaut selv som spiller hjelmen til et drama som heter“ Meet Pamela ”med Jacqueline Bisset og Jean-Pierre Leaud som hans stormfulle stjerner. Morsom, varm og ganske mye manna fra himmelen for enhver film som vil være film, eller faktisk kinofil generelt, føles den mer universell og dyptgripende enn de fleste dramaer bak kulissene og fortjener et sted ved siden av '8 1/2”Og“Singin 'in the Rain”Som en av de store filmene om film.
Og 12 som gjorde topp 250, men kan være høyere
Og ja, merk deg, vi skrev denne originale listen når bare de 100 beste var i Storbritannia. Mens disse filmene er på topp 250-listen, vil vi absolutt vurdere dem som konkurrenter for topp 100 gjennom tidene.

1. “;Celine og Julie Go Boating ”; (1974)
Kalt filmen Ulysses, og selv om det var utfordrende, men likevel givende med rikdom, Jacques Rivette 'er magisk fantasifull og vilje elliptisk 3 1/2 time 1974 klassiker, “Céline og Julie Go Boating”Er mange forskjellige ting for mange forskjellige mennesker og ofte på en gang. Del Alice In Wonderland-lignende fantasy, del absurdistisk komedie, del feministisk manifest og del post-psykedelisk eskapade, 'Båtliv' er bisarr, nonsensisk og mesterlig skrå; en hypnotisk surrealistisk opplevelse for å være sikker. Undertekst, “Phantom Ladies Over Paris, 'Filmen er en svingete og kretsløs loop (eller' historie '); halvparten om utilsiktet vennskap og sammenflettet identitet og en andre seksjon som på en eller annen måte utvikler seg til et galskapsmordmysterium via psykedelisk godteri med en spøkelseshistorie i seg for å starte opp. Mens du er skjeve, uforklarlig letthjertet og lang, er Rivette's opus og den sirkulære underheten hans spennende og essensielle.

2. “; I fjor på Marienbad ”; (1961)
En kviksirkelig skrått og nervøs surrealistisk klassiker, det er litt av et sjokk å se Alain Resnais‘1961 kritikkløs klassiker som mangler fra S&S 100-listen. Glacialt tempo, kjølig og hypnotisk tvetydig - for ikke å nevne overdådig stilig - dens provoserende abstraksjon er ikke for den utålmodige i hjertet. Resnais ’; filmen eksisterer i en drømmeaktig tilstand uten reell uttalt kontekst til det som er utenfor veggene i Marienbad, og etterlater en god del plass for betrakteren til å bestemme betydningen og hvor i virkeligheten historien finner sted. Ligger i et elegant slott, prøver en velopptatt sosialt fremmed å overtale en gift kvinne til å stikke av med ham, men det ser ut til at hun knapt husker saken de måtte ha hatt året før. Hun ber ham om å overgi denne forestillingen, og allikevel vedvarer han, og filmen fortsetter tvetydig med denne fortellingen som et sakte bevegelseskassespill uten løsning. En fascinerende utforskning av filmens formelle muligheter med en uhyggelig arresterende kommando av stemning og tone, “;I fjor på Marienbad”; er en hjemsøkende og varig undersøkelse av forførelse.

3. “; Tre farger: Rød ”; (1994)
For den endelige filmen i hans Tre farger trilogi - som utforsket temaene for de tre fargene som er representert i det franske flagget, frihet, likhet og brorskap - Polsk auteur Krysztof Kieslowski nok en gang utnyttet de evige ideene om personlig historie, identitet og til slutt, muligens forestillingen om omskrivingstid. Medvirkende muse Irene Jacob og fransk ikon Jean Trintignant, filmen undersøker livene til to fremmede som møtes ved en tilfeldighet og hvordan livene deres blir profetisk sammenvevd jo mer de blir kjent med hverandre. Bevegelige, gåtefulle og vakkert lastet med motiver, symboler og ledetråder etter Piotr Sobociński mens han ble skrekkelig scoret av sin mangeårige komponist Zbigniew Preisner, 'nettverk”Er Kieslowskis magnum opus. Regissøren erklærte det som sin endelige film, trakk seg tilbake og døde deretter et år senere plutselig i en alder av 55. En annen klassiker og et must-see-valg hvis du ikke allerede er Kieslowskis 'Det doble livet til Veronique,' hvilken bare gjorde topp 250 S&S kutt og stjerner igjen sin vakre muse, Irene Jacobs.

4. “; Paraplyene i Cherbourg ”; (1964)
Hvis “Singin 'in the RainEr uten tvil verdens største musikal, da kanskje 'Paraplyene i CherbourgEr Europas fineste inntreden i sjangeren.De røde skoeneÅ være mer en filmet ballett, snarere enn ekte musikal). Skjønt mens det tekniske kunstneriet til Stanley Dan’; s film er uten sidestykke, uten tvil holder den ikke et lys for Jacques DemyFølelsesmessig. Medvirkende Catherine Deneuve og Nino Castelnuovo som stjernekryssede elskere som skjebnesvangert ikke klarer å finne seg selv i hverandre armene, er 'Cherbourg' fantastisk å se på det med sine pop-gjennomvåt farger, men det er også ødeleggende hjerteskjærende både gjennom sin historie, fremførelser og sanger (skrevet av flott Michel Legrand) som fremkaller en verkende lengsel som dirrer med en dypt følt melankoli. Et uutslettelig rørende bilde. Et like godt alternativt valg er Demys “Lola. ”

5. “; Konformisten ”; (1970)
Mens den italienske filmskaperen Bernardo Bertolucci har uten tvil i det minste 'Den siste keiseren”Opp for behandling på en hvilken som helst største tidsliste, hvis vi blir tvunget, ville vi velge hans brennende, vakre og dypt uhyggelige politiske drama fra 1970 “;Konformisten. ”; Medvirkende Jean-Louis Trintignant, Bertolluci ’; s humørfylte og gripende psykologiske casestudie om fascisme sentrerer om en svak-villig fei, desperat etter å & høre; ”; som blir en politisk mangel og drar til utlandet for å ordne mordet på sin gamle lærer, nå en politisk dissident. Regissørens alltid kontroversielle tak på ting identifiserer skyld i barndommen og seksuell (og homoseksuell) skam som røttene til fascismen, noe som gir filmen enda et nivå av sjokkerende emosjonell groteskikk. Medstjernen i bildet er uten tvil Vittorio Storaro’; s visuelt imponerende kinematografi, som med rette har blitt innvarslet over hele verden. Med sin mesterlige bruk av vinkler, skygger og lys, omdefinerer Storaro praktisk talt ordet chiaroscuro på kino, og tilfører masse atmosfærisk psykologisk tekstur til denne desperate mannen som er villig til å bli kjent med hvilken som helst ideologisk måte på dagen. Dette er en film som ber om å bli sett på storskjerm i 35MM. Det er et dristig, fantastisk mesterverk som de ikke lager lenger.

6. 'Samtalen' (1974)
Francis Ford CoppolaHar allerede fått tre filmer på topp 50, takket være de to første “Gudfar”Filmer og“apokalypse nå. 'Men vi vil hevde at hans aller beste er filmen han laget i mellom mobfilmer: stram, eksperimentell thriller'Samtalen. ”; Med en karriere-best Gene Hackman som en overvåkingsekspert som mister fornuftet etter innspilling av en samtale mellom et par som antyder at et ungt par er i ferd med å bli myrdet. Sterkt påvirket av Michelangelo Antonioni‘S“Sprenge', Det er en fascinerende og overraskende karakterstudie like mye som en thriller, det er også like mye redaktør og lyddesigner Walter MurchFilm som Coppola: å skape en rart, oppslukende verden som skrangler rundt hodet i flere dager etterpå.

7. “Once Upon a Time in America” (1984)
Den urolige historien om “Det var en gang i Amerika”Kan være en av grunnene til at filmen ikke klarte å slå gjennom listen. Sergio Leone'S episke fire og en halv times lange kutt av hans episke, 40 år spente gangster-fortelling tapte over to timer på U.S.-løslatelse, og Leone var for hjertebrodd til å regissere noen gang igjen. Men så enorm som hans vestlige er, kan filmen (til og med i den litt forkortede versjonen av 229 minutter) være den italienske regissørens mesterverk, med enestående forestillinger fra Robert De Niro, James Woods og William Forsythe, blant andre; et poetisk, romanistisk beist som er en av de mest ekstraordinære filmene som noensinne er laget. En 245-minutters restaurering hadde premiere kl Cannes i år, men det er ytterligere 25 minutter med slettede scener fanget opp i juridiske floker. Forhåpentligvis når den neste avstemningen finner sted, vil filmen være tilbake til Leones opprinnelige lengde og klar til å få den æren den fortjener.

8. “; Mouchette ”; (1967)
Et konsentrert portrett av menneskelig lidelse, Robert Bresson’; s “;Mouchette”; er ofte høyt opptatt ved siden av sin triste og vanskelige kusine-bilde “;Tilfeldig Balthazar”; (som gjorde at S&S-listen, sammen med to andre i topp 100). Skummel og dyster, men likevel ekstraordinær bevegelse i Bressons berømte frittliggende og minimaliserte måte, “; Mouchette ”; sentrerer seg om den titulære 14 år gamle heltinnen, en allerede fattig utstøttet som blir tvunget til å vokse opp altfor fort. Overvurdert på skolen og tvunget til å ta seg av den skrantende moren og babyen hennes som søsken hjemme, til og med et øyeblikk av potensiell legitim menneskelig forbindelse på et karneval blir raskt klemt av hennes berusede far. Et uheldig møte med en epileptisk krypskytter finner henne bundet som hans morderiske alibi, og voldtatt bare for godt mål. Gjennom regissørens nysgjerrige kamera ser vi på når stakkars Mouchette lærer å finne byrden ved å leve denne tilværelsen helt uutholdelig. Så asketetisk som det er, er bildet også fylt med gjennomgående slående bilder, som for eksempel det siste øyeblikket av at Mouchette ga seg til sjøen. Og så sårende og dyster som bildet kan være, er det nok av en nesten uutholdelig menneskehet, så empatisk og tragisk som alt du noen gang vil se på skjermen.

9. “; Badlands ”; (1973)
Det sier noe når debutfunksjonen har premiere på New York Film Festival samtidig som Martin Scorsese’; s “;Gjennomsnittlige gater”; … og overskygger det helt. Slik er det med Terrence Malick’; s “;Badlands”; hans minste, mest intime og kraftigste film (fremdeles) om et par kjærlige tenåringer som begir seg ut på en morderisk kriminalitet. (Historien var basert på virkelige mordere Charles Starkweather og Caril Ann Fugate.) Fylt med det som skulle bli Malick-kjennetegn - et kontemplativt Texas-miljø, elegant filmfotografering (for det meste håndtert av fremtiden Jonathan Demme samarbeidspartner Tak Fujimoto), og vemodig fortelling - “; Badlands ”; er sjokkerende, dristig og drømmeaktig, forankret av et par karriere-beste forestillinger av Martin Sheen og Sissy Spacek. Sheen er truende, men helt sjarmerende, og Spacek er unnvikende på alle de riktige måtene - mens den geniale plakaten hevdet at “; Hun så på mens han drepte mange mennesker ”; (fantastisk i seg selv), du er aldri sikker på hvor mye hun vil være der, eller om hennes tilstedeværelse egger ham. Det er et utrolig forhold, alltid skiftende og skummelt. I årene siden “; Badlands ”; vi har sett på at Malick har utvidet omfanget sitt og intensivert eksperimentaliteten sin, som for filmfans er noe å se på. Men hans debut er et lite mesterverk, et så perfekt kuttet som enhver juvel, og fremdeles kan være regissørens fineste verk.

10. “; Black Narcissus ”; (1947) / ”De røde skoene” (1948)
Ja, vi jukser her, men vi deler opp midten om hvilken av disse to Michael Powell og Emeric Pressburger filmer å inkludere. Det “;De røde skoene”; ikke er blant de 100 beste er en stor overraskelse - den har en veldig høy profil hyppig talsmann i Martin Scorsese (det gjorde visst hans topp 10), og ble utgitt på nytt i 2009 i en møysommelig, overdådig restaurering. Og det er en kjempeflott film: En dreven ballerina, fanget mellom svengali og kjæresten hennes, bringes til randen av galskap av konkurrerende krav fra hennes kunst og hennes liv, og speiler historien som ble fortalt i hennes signaturballett-rolle. Men loglinjen fanger ingen av filmens sanne magier: teknikkfarget fotografering er nesten sjokkerende deilig, med titulære sko og Moira Shearer ’;det røde håret synger påkostet midt i utsøkt koreografi og kostyme og stilisert settdesign. Så hodene våre lurer på ”; hvor er ’; Røde sko ’; ” ;? Men våre hjerter kan samlet sett se etter det mindre berømte motstykket, “;Svart Narcissus. ”; Dele mange av temaene for ‘ Sko, ’; (besettelse, kvinnelig psykologisk oppløsning og sammenstøtet mellom yrke og verden utenfor) hva som markerer ‘ Narcissus ’; ut er dens sensualitet: en cloying, truet erotikk gjennomsyrer filmen som en tung parfyme. En gruppe nonner sendes til et isolert sted i Himalaya til ‘ sivilisere ’; lokalbefolkningen, men i stedet brygger en atmosfære av undertrykt hysteri, opphisselse og sjalusi til en av dem går full av bonkers gjennom seksuell berøvelse og misunnelse. Fotografiet som tas i bruk for denne lyse agendaen er uforglemmelig - fete regndråper som faller på uanstendig frodig vegetasjon, søster Ruth på glitrende måte bruker crimson leppestift, jomfruelige hvite vaner som bølger fra rom til rom, malte bakgrunner av fjell, ferskenhimmel og klipper som faller bort til skyer under - hver ramme er et mesterverk av bevisst, kontrollert kunstnerskap. Her finner du toner og teksturer som utenom Daphne du Maurier& feber drømmer om feber, du vant ’; t komme noe annet sted; se en Sirkian melodrama på en cocktail av LSD, PCP og hormonerstatningsterapi, så kommer du kanskje i nærheten. Elsker dem selv om vi gjør det, vi kunne ikke rettferdiggjøre to oppføringer for bueskyttere på denne korte listen, så vi bøyde våre egne regler med dette enten / eller. Men, liste være forbannet, det meste anbefaler vi at du skynder deg og kjøper begge deler.

11. “Ansikter” (1968)
Etter gjennombruddsfilmen hans, “Shadows, ”I 1959, John Cassavetes slo ut med sitt neste par regiearbeid; “For sent blues”Og“Et barn venter”Var begge studioinnsats med stjerner i hovedrollene, og ingen av dem ble spesielt likt, ikke minst av filmskaperen selv. Så nesten et tiår etter hans regi-debut (og med en Oscar-nominasjon for 'The Dirty Dozen”Under beltet vendte han tilbake til den samme typen lavmælt miljø for denne historien om det imploderende ekteskapet med Richard og Maria Forst (John marley og Lynn Carlin) når de søker trøst i andre (nemlig Gena Rowlands og Seymour Cassel). Selv om stilistisk på motsatte poler, var Cassavetes på en måte den amerikanske Bergman, og den brutale, rå ærligheten til dette bildet støtter det absolutt opp, selv om den jazzy, eksperimentelle redigeringen og innrammingen skylder mer Godard. Alle Cassavetes-filmer kan lage listen, men det er denne som føles essensiell.

12. “Kom og se” (1985)
Sannsynligvis det siste mesterverket til sovjetisk kino (nasjonen som brakte oss Eisenstein og Tarkovsky seks år senere) Elem klimov‘S“Kom og se”Er en av de mest uutslettende kraftige krigsfilmene noensinne er laget. Viser nazistenes okkupasjon av det som nå er Hviterussland gjennom øynene til et par tenåringer (Aleksiei Kravchenko og Olga Mironova), er det krig ikke som det normalt vises på skjermen, med heroiske soldater i spissen, men gjennom øynene til en uskyldig, og dens skildringer av grusomheter er desto mer forferdelige som et resultat. Det er en utrolig straffende, blåmerker, takket være realismen av Klimovs teknikk; det ville ikke overraske deg hvis du ble fortalt at du så på dokumentarfilmer. Selvfølgelig er alt nøye planlagt av en filmskaper som aldri har laget en annen film, og sa seksten år senere 'Jeg mistet interessen for å lage filmer ... Alt som var mulig følte jeg at jeg allerede hadde gjort.' Han døde i 2003, men det er ingen tvil at han gikk ut på et mesterverk.

Så det er det. 30 valg vi føler sterkt om. Noen på topp 250 (selv om noen veldig, veldig lave på listen etter vår mening, se Kieslowski’s) og noen ikke der i det hele tatt. Det er på ingen måte definitivt, men det er de 30 filmene vi følte oss lidenskapelig opptatt av. Du har sikkert tankene dine, så vei inn nedenfor og fortell oss hva du savner. Det er antagelig at det fortsatt er minst fem eller seks Bergman, Bresson og Kurosawa filmer som kunne bli med på den listen, for å nevne noen få, nei? - Oliver Lyttelton, Rodrigo Perez, Drew Taylor, Jessica Kiang



Topp Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funksjoner

Nyheter

Fjernsyn

Toolkit

Film

Festivaler

Anmeldelser

Awards

Billettluke

Intervjuer

Clickables

Lister

Videospill

Podcast

Merkeinnhold

Awards Season Spotlight

Filmbil

Påvirkere