Claustrophobes trenger ikke å gjelde: 16 filmer med ett sted

En av de grunnleggende grunnleggende filmskaperne blir undervist og oppmuntret til i filmskolen, i det minste når de begynner, er å velge et enkelt, ideelt sted med enkel setting av praktiske årsaker: budsjetter og mangel på det, tillatelser, kontroll, belysning letthet osv. Hvis du er en blakk filmstudent med lite midler, er den enkleste måten å lage en film å sette den i ett miljø der du ideelt sett har total kontroll.

Å vette; Quentin Tarantino sette sitt heist-bilde “Reservoir Dogs”På et lager og faktisk ikke viste heisten, i stedet valgte å beholde innsiden som et interiørskudd, redd for noen få scener utenfor som antagelig ble skutt i løpet av dag eller to. Interessant nok, av listen over de beste filmene med en enkelt sted, satte nesten alle disse filmskaperne disse filmene i en enkelt setting etter kreativt valg, og ikke fordi de ble tvunget til det. Metodikken bak er ikke langt unna Jack WhiteEr mindre manifest i hvite striper: å tvinge deg selv til å være kreativ oppfinnsom ved å trekke fra alle lekene du normalt har til disposisjon og gå tilbake til det grunnleggende.

Danny Boyle‘S“127 timer”Treffer teatre i dag i begrenset utgivelse, og selv om den ikke er strengt satt på et enkelt sted, er det store flertallet av filmen satt i en enkelt, klaustrofob canyon, med canyoner Aron Ralston fanget under en kampestein. Boyle bruker hvert triks i det filmatiske vokabularet sitt for å holde situasjonen frisk, men vi trodde vi skulle undersøke hvordan andre filmskapere, fra Alfred Hitchcock til, senest, “begravet'Director Rodrigo Cortes, har behandlet et enkelt sted.



“Rope” (1948)
I “Tau, ”Basert på den virkelige saken om Leopold og Loeb, to universitetsstudenter som trodde på Nietzsches Übermensch-teori om drap som den ultimate handlingen om intellektuell overlegenhet, kaster Alfred Hitchcock opp en rekke tekniske hindringer på sin måte for å bringe historien (basert på 1929 Patrick Hamilton play) til storskjerm. I tillegg til den enkle stedsinnstillingen, en leilighet, spiller Hitchcock filmen i (mer eller mindre) sanntid (se solen skifte stilling utenfor vinduet gjennom hele filmen) og prøver å presentere filmen som en uavbrutt ta takket være noen smart redigering. Mens de tekniske gambits ikke alltid fungerer og til tider er distraherende, kan den samlede effekten ikke nektes. Med forrykende hovedprestasjoner av John Dall og Farley Granger som den morderiske duoen, og den alltid pålitelige James Stewart som deres mistenkelige lærer, “; Rope ”; er et ondskapsfullt morsomt katt-og-mus-spill som hever innsatsen ved å holde alle spillerne i rammen hele løpetiden. Dall er spesielt en fremtredende som Brandon, et knippe svimmel glede kombinert med en pervers følelse av bragd mens Granger holder sin egen som den mye mer nervøs og skyldfylte Phillip. Selv om du vet akkurat hvordan den perfekte kriminaliteten deres ”; til slutt avsløres, “; tau ”; er fortsatt kjempegøy å se på. Den verbale sparring er deilig, og streken av homo-erotikk som løper gjennom filmen er bemerkelsesverdig for sin tid. Ikke mange av enkeltbildefilmene på denne listen prøver like mye som Hitchcock sjonglerer her, men for det meste fungerer det, og enda viktigere, historien blir raskt mye mer fascinerende enn nyhetene som ble brukt til å fortelle den. [B +]

“12 sinte menn” (1957)
Pedanter, stå ned - mens filmen er booket med scener utenfor, og badet er kort omtalt, “; 12 Angry Men ”; er innerst inne en film med ett sted; alt av import skjer, innelukket i tid og rom, i et svett, uten ansikt juryrom hvor de 12 mennene med tittelen blir sendt for å bestemme skjebnen til en mann som er anklaget for drap. Basert på (og tilsynelatende forskjellig lite manusmessig) fra et teleplay med samme navn, at filmen aldri føles noe annet enn filmatisk, til tross for TV-røttene og den bevisste teatraliteten i sin iscenesettelse (vitne til den vakre koreografien i det ødeleggende øyeblikket da rasende rasist avslører seg, og hver av hans stipendiater en og en står og vender ryggen) er i stor grad på grunn av de blåsende forestillingene, marskalket av en aldri bedre Sidney Lumet gjennom en tøff og repetisjonsprosess. Spesiell omtale må gå til Henry Fonda, hvis arbeid her er et mesterverk av understatement og behersket intelligens og fremmer filmen fra en meditasjon om liberalitet, rettssystemet og betydningen av rettferdighet (interessant) til et nøye observert essay om makt og manipulasjonsmekanikk (interessinger). Ja, noen av detaljene kan virke banale nå - et vitne om at GASP ikke hadde briller på seg; en gammel mann sjokk drar beinet - men oftere er det ikke fakta ’; som ombestemmer seg, i stedet blir hvert menneske bevist feil ved å utsette hans hubris, skjevhet og smålighet for resten og for seg selv. Dette er kanskje filmens mest bemerkelsesverdige prestasjon; det er et ruvende monument for ideen om at den & ordinære mannen ’; er hjertelig god og snill - det er bare det at han noen ganger trenger litt påminnelse. [EN]

“Redningsskøyta” (1944)
Alfred Hitchcock hadde absolutt en slags masochistisk kreativ bøy for å sette sine produksjoner i ekstra utfordrende situasjoner, som for eksempel, innenfor rammen av en livbåt med eksentrisk diva (og bemerket truse eschewer) Tallulah Bankhead. Kast deretter inn et fast stykke av en primitiv benamputasjon for moro skyld! WWII-ensemblets bilde fikk Oscar noms for beste regissør, beste originale film (av John Steinbeck), beste svart-hvitt kinematografi (gi det opp for spøkelser fra Oscar-kategorier tidligere), og en hel rekke kontroverser for det som ble sett på som en propagandistisk skildring av en nazi-kaptein som havner ombord i livbåten. Den brokete besetningen som ble kastet sammen etter at et passasjerskip og den tyske U-båten har senket hverandre, utgjør en liten modell U.N. av løp, trosbekjennelser og nasjonaliteter, og alle må lære seg å komme sammen for å overleve - og ikke alle gjør det. Hitchcock presenterte seg selv for utfordringene med å filme denne filmen - å stikke en gjeng skuespillere i en livbåt midt i havet gir ikke en regissør så mange visuelle alternativer, men han iscenesatte skuespillerne innenfor rammen på en dynamisk lagvis måte , benyttet nærbilder, og skapte mesterlig et helt univers innenfor båtenes rammer ved å bare fylle rammen med karakterer. Til tross for den lille beliggenheten, føles filmen aldri klaustrofobisk. Hitch la også til en annen historiefortelling på tallerkenen sin ved å eliminere partituret fullstendig (bortsett fra helt til begynnelse og slutt), la publikum ikke bli påvirket av musikalske signaler, lære hva de trengte å vite av handlingene til karakterene, Hitch ’; s uten sidestykke kameraarbeid og redigering, og den øde, diggetiske lyden fra havet som smeller mot skroget. Alle filmaktører på ett sted der ute: bøy deg for din mester. [EN]

“The Breakfast Club” (1985)
Bane fra eksistensen av videregående skoler - bortsett fra klosset og ikke passer inn - er forvaring, så det var på en måte strålende for John Hughes å bruke fysisk fengsling som en emosjonell metafor for angst og plage alle tenåringer, uansett deres stasjon på skolen , føle. Kanskje ikke så klaustrofobisk som noen filmer på denne listen, 'Frokostklubben' passer fortsatt på regningen, siden bildet er helt satt på en videregående skole på den verste dagen mulig for en ungdom: en lørdag. Du har sett det, så vi trenger ikke å fortelle deg mye mer om denne 80-tallsklassikeren som tvinger en nerd, en jock, en utstøtt, en kriminell og en priss til å utarbeide sine kollektive problemer, men det er et oppfinnsomt premiss som åpenbart fungerte i spar. Det er mye sinne og tårer i dramatikken når studentene i filmen blir tvunget til å konfrontere sin frykt og demoner, men til slutt er det denne ærlige selvanalysen som lar dem, og oss seeren, føle deg litt mer forstått i en verden som er stort sett grusom og utilgivende. [EN]

“Buried” (2010)
Konseptet er enkelt: en mann våkner begravet levende i en kiste og må kjempe for livet sitt. Og for å være sikker, fikk Ryan Reynolds-filmen mye tidlig brum og varme for sin ambisiøse innbilning som fant skuespilleren på skjermen, av seg selv, for hele filmens lengde. Og mens Reynolds beviser at han er i stand til å opprettholde en helluva-tilstedeværelse i løpet av bildet, er det for dårlig at manuset av Chris Sparling ikke kan matche energien som er lagt inn av filmens hovedrolleinnehaver. Plaget med spørsmålet om Reynolds karakter som har en utrolig sterk mobiltelefontjeneste under jorden, blir skriptet bare verre derfra. I bunn og grunn “begravd ”; er 90 minutter med telefonsamtaler, og fordi disse karakterene bare er stemmer for Reynolds å sprette av, blir det raskt tydelig hvor tynt konstruert hele bedriften er. Når man oppnår en viss fortellende tyngde, skiftes manuset til en slags politisk uttalelse på sent stadium, men det klarer ikke å overbevise. Regissør Rodrigo Cortes gjør sitt beste for å kreativt lage en film som foregår i et ekstremt innelukket rom, men det er bare så mange forskjellige måter du kan ramme inn Reynolds i en nærbilde. All røyk og ingen brann, bokser 'bokstavelig' seg bokstavelig talt i. [C-]

“Cube” (1997)
En øvelse i å gjøre mye med litt, “; Cube ”; ble skutt på 20 dager på en enkelt 14 &x14; r14; satt til bare $ 365 000 CAD, men likevel gytet to påfølgende filmer (en oppfølger og en prequel) og ganske kult etterfølgende. Det er et magert, absorberende stykke arbeid der den utpreget Kafkaesque-gimmicken (en gruppe fremmede våkner opp i en mareritt terning bestående av stadig skiftende og nesten identisk utseende rom, hvorav mange er rigget for å drepe), som i alle beste sci-fi, eksisterer egentlig bare som en unnskyldning for å hengi seg til litt gammeldags filosofering og litt “; Survivor ”; -stil makt spiller som midlertidige allianser form og smuldrer og folk viser seg å ikke være det de ser ut. Vi sier som den beste sci-fi-en, for til og med på sitt beste, “; Cube ”; kommer aldri faktisk dit; det tar verken spranget inn i det virkelig merkelige og / eller vridde, som '2001', eller til og med “; Primer, ”; eller “; Pi, ”; men det gir oss heller ingen faktiske svar, og det faller heller mellom alle tilgjengelige avføringer, med noen ganske slitsomme skuespill og karakterisering som gjør at den ikke kommer til å være et “; Sunshine ”; -stil ensembleverk. Men selvfølgelig er dette stort sett sammenligninger med filmer som hadde mange, mange ganger kubes budsjett, så det er kanskje surt til nitpick. Hvis ikke annet, har vi det for å takke for å hermed ankomsten av en veldig lovende ny skrekk- / sci-fi-direktør i Vincenzo Natali, som siden har brakt oss slike som “;Cypher”; og “;Splice”; (som vi likte veldig godt), og er for øyeblikket knyttet til den sci-fi Holy Grail - en tilpasning av William Gibson & Neuromancer. ”; [B]

“Telefonbås” (2002)
Et vitnesbyrd om overlevelsen av det høye konseptet i Hollywood, manusforfatter Larry Cohen’; s tonehøyde for denne filmen haltet på sokkelen i litt over 40 år, etter å ha blitt utviklet av ingen ringere enn Alfred Hitchcock. Filmen endte i utvikling under det våkne øye av en betydelig mindre talentfull filmskaper, en Joel Schumacher, mest kjent for permanent å få slutt på Batman-franchisen på 90-tallet. Sluttresultatet handler omtrent om hva du forventer, selv om Schumacher krangler en overbevisende hovedprestasjon fra en da uprøvd Colin Farrell (han hadde tidligere jobbet med Schumacher i det som utgjorde regissørens beste film av aughts, 2000 ’; s Vietnam treningsleirdrama “; Tigerland ”;). Som en enestående uheldig douchebag-publisist Stu Shephard, svetter, skriker og tårer Farrell på glassrommet han er permanent innelukket under det vaktsomme øye av en navnløs crackshot-snikskytter (Kiefer Sutherland, som tilbringer nesten hele filmen kjølig for å informere Stu om hans forestående bortgang gjennom voice-over, og overraskende negler det). Mellom de to mennene står pålitelig rettpilt svart politibetjent arketype Kaptein Ramsey (Forest Whitaker, alltid pålitelig og bringer en viss grad av ærbødighet til en lei bestandskarakter). Å ødelegge pineene som Stu gjennomgår og om han noen gang kommer ut av telefonboden i live, ville undergrave Schumachers grøtete dramatiske svinger - når hele filmen din er et sett, er det bare så mye bensin du kan brenne ut før ting bremser ned til melasse. Heldigvis, “; Phone Booth ”; holder spenningen på opp-og-opp og svinger i en brukbar, tidvis spennende og alltid observerbar kjeleplate-thriller med en unik gimmick som for det meste slites av mindre raskt enn du tror. [B]

“; Lebanon ”; (2009)
Det siste “;Libanon”; gjør denne listen ikke bare fordi bokstavelig talt all handlingen sees fra utsiktspunktet til en tank, men også fordi dette ene stedet brukes til å oppsiktsvekkende effekt. Samuel Maoz rekonstruksjon av sine egne erfaringer som en israelsk tankskytter under krigen mellom Israel og Libanon i 1982 finner sted (med unntak av de første og siste to skuddene av filmen) helt inne i en israelsk tank støttet av et team av fallskjermjegere som flytter inn på fiendens territorium på den første kampdagen. Maoz stand-in, skytter Shmulik (Yoav Donat) forblir helliggjort i denne kontrasten i løpet av filmens varighet, sammen med mannskapet hans, ledet av en kommandør som sliter med sine menns motstridende personligheter. Du er uten tvil kjent med uttrykket at når du legger flere personer i et rom i en lengre periode, vil sømmer uunngåelig komme fra hverandre, og de vil slå. I &Libanon; ”; tanken er knapt et rom, og mennene vil enten leve eller dø av dagens slutt - og hvis ikke i dag, så i morgen. Tanken gir beskyttelse, men det er også en felle, en som ikke har noen vei ut, ingen nødutgang. Hvis tanken brenner, gjør kjøttet det også. “; Lebanon ”; er ball-til-vegg-filmskaping og den skal sees, oppleves, hvis ikke nødvendigvis nytes. [B +]

“Panikkrom ”; (2002)
For hans oppfølging av den opprinnelig kritiske og kommersielle fiaskoen “; Fight Club ”; (vi vet alle hvordan den viste seg), David Fincher forsøkte å gi den moderne thrilleren en injeksjon av anal-retentivitet som bare et par visjonærer i denne bransjen kan skåne. Med “; Panic Room ”; skisserer Fincher møysommelig utformingen av et massivt rekkehus som er under beleiring av tre menn med veldig forskjellige temperamenter - hot-head Junior (Jared Leto), den uhåndterte bussjåføren Raoul (Dwight Yoakam) og den selvtilfredse , selv om samvittighetsfull, trygg cracker Burnham (Forest Whitaker, som mellom dette og “; Phone Booth ”; dominerte markedet i 2002 på autoritative svarte bærende tegn i lukkede rom). Spenningen i dette eksemplet med ett sted kommer fra Meg (Jodie Foster) og Sarah Foster (Kristen Stewart, som biter leppa hennes med de beste av dem i et tidlig eksempel på den apatiske skuespill som ville føre henne gjennom 'Skumring‘Serie), en mor og datter hvis eneste ulykke flyttet inn på feil dag. Heldigvis har huset et nyutviklet 'panikkrom', ugjennomtrengelig og fylt med mat og kameraer som kartlegger huset. Problemet er at safe tyvene ser etter å sprekke er i rommet, og de har enhver intensjon om å komme seg inn, i stedet for å sprenge huset. Som instruert av Fincher og (for det meste) skutt av Conrad W. Hall (sønnen til den avdøde store Conrad L. Hall), “; Panic Room ”; er grumsete, metodisk og nydelig, men ikke noe mer utenom en sylskarp thriller med et pirrende konsept. En annen film som testament til Finchers mikroadministrerende virtuose teknikk, “; Panic Room ”; er en stygg liten lerke fra filmskaperen, men lite mer. Fortsatt i hendene på Fincher, som setter filmhode og skuldre over konkurransen. [B-]

“Min middag med Andre” (1981)
Bortsett fra å si, Hitchcocks målrettede eksperimenter og personlige utfordringer (mange av dem er oppført her) Louis Malles snakk om åttiårene kan være en av innstillingene. I hovedsak er en 110-minutters samtale, 'Min middag med Andre,' akkurat det, en utvidet middag mellom to venner som ble skutt i sanntid for å diskutere livets natur, teater og mer. Temaene er den særegne skuespilleren Wallace Shawn og hans venn og eksperimentelle teaterregissør, Andre Gregory. Gregory er en nysgjerrig drømmer mens Shawn er en mer kynisk typisk New Yorker, og mens det er lite friksjon i diskursen deres, gir de subtile forskjellene dem en absorberende dikotomi. Selv om det også høres ut som at kino verite har gått galt - og det i utgangspunktet er i strid med enhver filmskaping og manusforfatter 101-regel noensinne - er middagen med Andre absolutt engasjerende, se på og fengslende. Smaksmakingen Kriteriesamling la det ikke ut som en artefakt, de vil tjene penger på det også, du vet og de skjønner at det er en stadig overbevisende film (og mye tørrere ting eksisterer i varene deres - se single setting clunker “Secret Honor” av Robert Altman). Under sin kveldsmat berører Wallace og Gregory filosofisk temaer som livets, eksistensens og teaterets natur, men alltid med en åpen og innbydende nysgjerrighet; det er ingen pedantiske svar eller postulering - dette er i beste velgående. 100 minutter senere når brødbrytningen er fullført og vinen er drukket, vennene går sine egne veier og publikum får igjen å fordøye de gjennomtenkte temaene som er diskutert. En stevne-buster i enhver forstand som trosser nesten hver trope av spillefilm og historiefortelling - det er ikke en dokumentar i noen forstand og sterkt manus basert på samtaler mellom de to lederne - 'My Dinner With Andre' er den sjeldne og morsomme regelen -bryter som enhver filmelsker minst skal se en gang. [B +]

“Bakrute” (1954)
Nok en enkelt film, en annen Alfred Hitchcock mesterverk. Denne gangen er innstillingen et Greenwich Village-leilighetskompleks der en sommervarmbølge i New York City har fått leilighetsboerne til å holde vinduene sine åpne. Hitchcock er ikke fornøyd med å bare begrense innstillingen til filmen, og byr på en annen utfordring ved å begrense filmens synspunkt til en enkeltpersons karakter: Jeff Jeffries (spilt av en perfekt rollebesetning Jimmy Stewart), en fotograf med et brukket bein fast i rullestol. Jeffries, som av og til blir besøkt av sykepleieren sin (Thelma Ritter) og kjæresten hans (en deilig Grace Kelly), henvender seg til leiligheten sin, og vender oppmerksomheten mot de forskjellige naboene over gårdsplassen fra ham som han kan se gjennom stuevinduet. Den ensomme kvinnen uten mann. Den ukonvensjonelle artisten. De forlovede nygifte. Singelmusikeren som drikker. Det barnløse paret som elsker hunden sin. En kurvet ballettdanser. Og selvfølgelig paret som alltid kjemper. En dag forsvinner kona i dette urimelige paret. Jeffries ser på parets leilighet fra rammen av sin egen stue og ser bevis for hva han mener kan være hustruens mord på hendene til mannen hennes (Raymond Burr). Innstillingen av leilighetskomplekset blir raskt Jeffries ’; verden når han besetter å finne flere ledetråder. Samtidig mister vi publikum oss selv i Hitchcocks økonomiske historiefortelling, der ingen eneste detalj blir bortkastet. Ser over Jeffries ’; skuldre gjennom Hitchcocks lange bilder av leilighetskomplekset vi søker etter ledetråder i håp om å finne mysteriet ut. Og før vi vet ordet av det, har Jeffries ’; stue har blitt vår egen. [EN]

“Tape” (2001)
Han er en stor teater skuespiller, men på skjermen kan Ethan Hawke være litt intetsigende. Med mindre det er, han jobber med Richard Linklater, som Hawke stadig gir sine beste skjermprestasjoner. Og få er bedre enn en han gir i 'Tape', Linklaters tilpasning av Stephen Belber spille. Hawke spiller helt i sanntid, uten å forlate det svakt blekksomme motellrommet der det ligger, og spiller Vince, en narkotikahandler i småbyer for å tvinge sin eldste venn Jon (Robert Sean Leonard, en annen teaterveteran sjelden brukt godt på skjermen ) for å tilstå å ha voldtatt Vinces eks kjæreste, Amy (Uma Thurman) da de var yngre. Vridningene spiller sjelden etter dine forventninger til karakterene, og for det meste er Linklaters kameraarbeid, selv om det ikke akkurat er hans peneste, engasjerende, og for det meste forhindrer filmen fra å føle seg for scenebundet. Men som det ofte er tilfelle for et filmsett på ett sted, er det utstillingsvinduet til en skuespiller, og alle tre stjernene har sjelden vært bedre. Noe av et mindre eksperiment i regissørens kanon, men likevel et undervurdert. [B +]

“Deterrence” (2000)
Det er en lang tradisjon for den klaustrofobe trykk-knappen-kjernefysiske thrilleren fra Sidney Lumets 'Fail Safe”Til den nyere“ Crimson Tide ”og“ Thirteen Days ”, men ingen har noen gang vært like så klaustrofobisk, i det minste på plassering, som Rod Lurie'Deterrence.' Regissørdebuten til tidligere filmkritiker Lurie, den ble satt i 2008, og ser en president på valgsporet (Kevin Pollak) fanget i en spisestue i Colorado av en snøstorm, mens han var midt i et anfall av kjernefysisk brinkmanship med et Irak som ble drevet av Uday Hussein, som har invadert Kuwait. Mens veldig mye en første film, holder Lurie spenningen i gang, og mens tidligere stand-up Pollak ikke er den mest åpenbare presidenten i kinohistorien, er han overraskende god, og passer karakteren - en jødisk VP uventet hevet til det store setet av den øvrige sjefens død. Men dessverre er filmen for det meste en misfire, hovedsakelig på grunn av en overbevisende støttende rollebesetning, særlig Sean Astin, som er nedsatt av en latterlig geite, som rasist i en liten by og et stadig tåpelig komplott. Ting endelig når en topp med avslutningen, som ikke bare er moralsk svært tvilsom (og egentlig ikke på en bevisst måte), men også et komplett narrativ juks. Det er ikke uinteressant, men du har det bedre å holde deg til “Fail Safe.” [C-]

“Dial M For Murder” (1954)
Ok, så vi jukser litt her som filmen har et par sekvenser utenfor hjemmet til Margot (en lysende som vanlig Grace Kelly) og Tony (Ray Milland), men vi overser det som “; Dial M For Murder ”; er et annet spennende & perfekt mord ”; kaper fra Hitchcock. Du forstår, Tony har funnet ut at Margot har vært i en affære med forbløffende kriminalitetsskribent Mark (Robert Cummings) og roet av harme og sjalusi som han planlegger å få henne drept. Han iscenesetter et forseggjort komplott som inkluderer utpressing av Swann (Anthony Dawson), en gammel Cambridge-alumnus, for å gjøre gjerningen: Swann vil vente bak gardinene en kveld når Margot garantert er hjemme, og Tony vil ringe huset. Når hun går for telefonen, vil Swann dukke opp og drepe henne. Som vanlig virker oppsettet ugjennomtrengelig, men en serie uflaks og feilfeil sender selvfølgelig planen som spinner ut av kontrollen. Hitchcock trekker igjen litt av et under, og tar en fortelling om at på papiret handler om forsinkede anrop og feilplasserte taster, og gjør det til en etterprøvbar neglebiter. Interessant klarer han også å få publikum til å sympatisere (noe) med Tony; som planen opphever, kan du ikke hjelpe deg med å føle et skjær av medlidenhet for fyren. Filmen er også kjent for ikke bare å være Hitchock sitt andre forsøk på farger, men også 3D. Det er ikke overraskende at bruken av 3D her er distraherende (men ærlig talt, ikke verre enn den samme typen 'ansiktsinntrykk' som fremdeles skjer i dag), men regissørens fargebruk (se Kelly ’; ; s fargeendring i kjolen når hun & Tony og Mark) er nøye gjennomtenkt. Litt svimlende og overdreven forklart i starten (den er tross alt basert på et skuespill), filmen pisker virkelig i form når plottet er satt i gang, og som vanlig tar den glede deg ut av sin innesperrede setting. [B]

'1408' (2007)
“; Jeg advarte deg om 1408, ”; Samuel L. Jackson ’; s gåtefulle Dolphin Hotel-sjef Mr. Olin bommer i retning av Mike Enslin (John Cusack), fanget i det antatt bedevilte hotellrommet i denne filmatiske inkarnasjonen av Stephen king’; s novelle med samme navn. Konseptet er deilig enkelt - Enslin, en suksessfull forfatter som lever av å tjene på antatt hjemsøkte steder, tar på seg Dolphin Hotels beryktede rom 1408 for sitt neste oppdrag. I ignorering av innspurten av Mr. Olin, tar Enslin seg opp i 1408 og innser raskt at han er godt over hodet - sannsynligvis rundt den tiden den sinnssykt skumle plasseringen av “We've Only Just Begun” av The Carpenters sprenger stillheten i den rikelig- stor boareal. Regissør Mikael Håfström bruker spesielle effekter sparsomt, men veldig effektivt, for å etablere den uforutsigbare metamorforen i rommet som inkluderer en helt fantastisk scene med bokstavelig virkelighet som knuses mot slutten av filmen. Cusack er for det meste på egen hånd som Enslin, og han leverer en overraskende målt ytelse som banker fruktbart på hans skadede menneskehet. Enslin er på mange måter en stor kandidat for 1408, med sin egen andel av emosjonell bagasje, kan brennevinene som innehar rommet låse opp og saft for maksimal psykologisk skade. Selv om det ikke er spesielt minneverdig, “1408 ”; er dyktig regissert og en glede å ta inn og grøsser og rister i passende øyeblikk. [B +]

“Hundedag ettermiddag” (1975)
Ikke mye mer trenger å sies om Sidney Lumet ’; s kjempefine heist-film, & Dog Day Middags, ”; men hva et nytt genialt slag for å bygge spenning ved å lage bildet som en knust heist der tyvene er fanget inne på en varm ettermiddag i New York City (OK, det er basert på en sann historie, men likevel). Filmen får mesteparten av kjørelengden fra sine to leads, den maniske og løslemmede Al Pacino som spiller den to ganger taperen Sonny på sitt aller fineste og redde, og svakstemte Sal (en fantastisk stum John Cazale). Jobben er bare ment å være din gjennomsnittlige bankjobb i Brooklyn, men på grunn av en komedie med feil, går alt galt, politiet ankommer og de udugelige kriminelle som kommer over hodet, blir tvunget til å ta gisler og håne opp i håpet om ordføreren vil oppfylle deres krav. Volatiliteten eskalerer når situasjonen strekker seg mens politiet (en utmerket Charles Durning) prøver å forhandle med den kviksølvige og svette bankrøveren, tydelig på kanten. Senere (spoiler i tilfelle du ikke har sett, og hvorfor i all verden ikke har det?), Lærer vi hvorfor Sonny er så nervøs; kjæresten hans (Chris Sarandon) prøver å snakke ham ut av ranet, og vi oppdager at machineringene bak forbrytelsen er motivert av Sonnys ønske om å få ham til en sex-endringsoperasjon. Det er en fascinerende vri på en klassisk og grelt neglebiter. [EN]

Hederlige nevninger: Ørnøyene blant har kanskje lagt merke til noen få hull her, mest involvert av filmer som er satt på tog. Men med 'ustoppelig' underveis, sparer vi dem for en jernbanebundet funksjon neste uke, så vær tålmodig. Ellers er det noen få filmer som er verdt å nevne, selv om de drar litt fra for å være med for å være med her. Polanskis 'The Tenant' er et mindre verk fra regissøren, men ikke uinteressant, og blir sviktet av den sentrale forestillingen - i dette tilfellet, Polanski selv. Den forbløffende ”russiske arken” med en gang er en ekstraordinær bragd med filmskaping, selv om den noen ganger føles mer som en kunstinstallasjon enn en faktisk film. Og Lars Von Triers “Dogville” og “Manderlay” er begge utmerkede, selv om innstillingen på ett sted er et brechtiansk innbilskhet, snarere enn en ekte inngang til sjangeren.

Ellers ligger Duncan Jones 'sci-fi “Moon” stort sett i rammen av en romstasjon, selv om det noen ganger gjør utflukter til månens overflate. Tilsvarende er både “Sunshine” og “Das Boot” helt plassert i romskip / ubåter, men stedene er store nok til at de ikke helt kvalifiserer seg, og Kevin Smiths “Clerks” strekker seg til to forskjellige steder, og gaten som broer dem . I år var det to andre thrillere som ikke forvillet seg langt fra ett sted. Den ene, “The Disappearance Of Alice Creed,” var hyggelig kronglete, ekkel og godt handlet, den andre, M. Night Shyamalan-produserte “Devil”, var… ikke. Endelig var det ingen som så Frank Capras “Arsenikk og gammel blonder” nylig nok til å skrive den opp, og selv om den er svimlende på en måte som, si “Rope” ikke er det, er det likevel verdt å sjekke ut om våre blekne minner fra det er nøyaktig.

rester sesong 4

- Mark Zhuravsky, Jessica Kiang, Katie Walsh, Tan Nguyen, Kevin Jagernauth, Oli Lyttelton, Rodrigo Perez

Topp Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funksjoner

Nyheter

Fjernsyn

Toolkit

Film

Festivaler

Anmeldelser

Awards

Billettluke

Intervjuer

Clickables

Lister

Videospill

Podcast

Merkeinnhold

Awards Season Spotlight

Filmbil

Påvirkere