Essentials: De 10 største John Ford-filmene

Det er få figurer i kinohistorien (kanskje bare C. B. DeMille er en troverdig utfordrer) som har kommet til å definere den populære forestillingen til filmregissøren så fullstendig som John Ford. Den notorisk iraskible eyepatch-sportslige monolitten som egentlig skapte filmen Western slik vi kjenner den, og laget John Wayne det ultimate ikonet av det amerikanske maskuliniteten fra det tjuende århundre underveis, er like sentralt i Hollywoods historiske landskap som sandsteinsbuttene er til utsikten over hans elskede Monument Valley. Så i lys av Museum of the Moving Image i New York som kjører et tilbakeblikk på filmene hans, har vi brukt det som vårt forfalte signal for å ta en titt gjennom denne enorme filmografien.



Det er en uunngåelig oppgave: Fords katalog er nesten 150 filmer lang, og selv om mange nå er tapt (veldig få av de tidlige stillhetene hans fremdeles er i omløp), betyr det frenetiske tempoet i arbeidet hans i de mest produktive årene at isolering av bare 10 filmer er skremmende. Det er delvis nede i de uunngåelige spørsmålene som enhver moderne undersøkelse av Ford reiser: om arten av hans egen politikk, om gyldigheten av visjonen om det gamle vesten som han mytologiserte, og om den tilbakevirkende kritikken av hans oeuvre når det gjelder kjønn og løp. Men selv i de mest opphetede debattene kan ikke Fords dyktighet som filmskaper rett og slett ikke benektes, ikke en gang av hans heftigste motbydere. Enten han var en god mann eller ikke, han var en virkelig stor regissør; her er de 10 filmene vi overbeviser mest om å presentere saken.

“Informanten” (1935)
Det er tidløse klassikere i Fords CV, og det er også titler som føler deres alder. I motsetning til, si:Liberty Valance, 'Er det vanskelig å se “Informer” med et moderne blikk og ikke se overspilt sentimentalitet der samtidige anmeldere så “følsomhet”, og å kjenne dens tematiske tunghåndthet gjennom. Men vi vil hevde at det fremdeles er sentralt for en forståelse av Fords oeuvre - holdninger kan ha endret seg siden filmens premiere, men utenfor den tvilsomme politikken og den økte skuespillstilen byr filmen fremdeles på mange rikdommer. En tilpasning av romanen av Irishman Liam O’Flaherty, ifølge en kusine til Ford, hadde historien allerede blitt gjort til en film i 1929, rett under overgangen til lyden (den tidligere versjonen er faktisk halvt stille og halvt snakkesalig). Men Fords film er en mye mer polert affære, skutt i saftig svart-hvitt og bruker arresterende komposisjoner som skylder like mye tysk ekspresjonisme som for klassisk Hollywood-tradisjon. Men det som er mest påfallende i dag, er hvor merkelig upakommersiell og atypisk en historie det er, og hvor bestemt modig en stilling det tar for å gjøre informatøren om tittelen - 'rotta', så å si - den mest sympatiske karakteren blant en rogue sitt galleri av opprørere, prostituerte og politiske manipulatorer som fisker for fordel. Mye av den sympati skyldes skuespiller Victor McLaglen, som til tross for rolleens bluster og teatralitet (ved filmens berømte konklusjon, klemmer han seg inn i hjertet, skriker ut i en ekstase av forløsning og faller død ved føttene til en statue av Kristus - det er ikke sant), investerer fortsatt de dødsdømte Gypo-karakter med en såret dyrekvalitet når han sliter med å forstå arten av sitt eget forræderi. Den lunkiske Gypo forråder selve koden for maskulinitet-midt-konflikt som Ford ville vende tilbake til tematisk gang på gang, og likevel er det ham vi føler for, og den hindring av hans enkle godhet som filmen mest sørger over. McLaglen tjener sin beste skuespiller Oscar i hver ramme, med 'The Informer' som også nettet Ford den første av sine fire regisserende Oscars, sammen med beste manus og beste poengsum.

“Stagecoach” (1939)
En landemerke-film, en avgjørende western, en karriere-fornyende tittel for Ford og en stjerneskapende en for John Wayne - hvis 'Stagecoach' ikke er Fords mest komplekse eller utfordrende film, kan det godt være at han er den mest komplette. En 96 minutter lang filmskole, hvis du velger å ta det på den måten (og blant andre Orson Welles absolutt gjorde det, etter sigende å se på det 40 ganger i forberedelse til “Borger Kane“), Det er rett og slett ujevn i muttere og bolter i konstruksjonen. Iscenesettelsen av handlingen er tydelig og spennende, koreografien er villedende smart - vurderer Ford kjemper ofte med et enkelt, lukket sted - og redigeringen er flytende og grasiøs, men også nådeløst engasjerende: bortsett fra alle andre superlativer, er dette en perfekt tempo. Og innenfor all denne tekniske fortreffeligheten føles det som ensemblet som rollebesetningen virkelig reiser anledningen - selvfølgelig skyldes det mye på grunn av Dudley Nichols‘Knitrende manus, men det er forbløffende å være vitne til sublimasjonen av så mange karakterarketyper, fra Dallas, hookeren med hjertet av gull (Claire Trevor, tilsynelatende den beste kvinnelige forestillingen Ford noensinne har fremkalt), til Ringo Kid, den uventet edle skikkelige helten (Wayne) til den beste av Fords mange berusede irske sidekick, Doc (Thomas Mitchell, som forresten hadde et helvete i 1939, dukket også opp i “Gone With The Wind,” “Only Angels Have Wings,” “Mr Smith Goes to Washington,” and “The Hunchback of Notre Dame”). Det er hjulpet av de egalitære tendensene i manus, der hver av stagecoach-beboerne får sin egen historie, til og med den omreisende selgeren i deerstalkeren hans (Donald Meek), og den upålitelige spilleren (John Carradine) som har en pervers kode som ser ham skyte Dallas, men prøver instinktivt å beskytte den 'respektable' gravide oberstens kone (Louise Platt). På en eller annen måte tilnærmer dette ensemblet tilnærmingen seg, så vel som å øke innsatsen etter hvert som stagecoach uunngåelig kommer under angrep av indianere (Fords humanisme strekker seg ikke til dem), og gir 'Stagecoach' en moderne kant - det føles nesten undergravende av den klassiske Hollywood-tilnærmingen der er leder og støttende karakterer, og aldri skal tvangen møtes. Casting av Wayne mot alle råd er elementet som sikrer “Stagecoach” plass i kinohistorien, men som en komplett pakke, som samlet inn syv Oscar-nominasjoner og to seire, er det den sjeldne salvede klassikeren som også er en ulegert glede å se på nytt syv og et halvt tiår etter utgivelsen.

“Vredens druer” (1940)
Tatt i betraktning den enorme innflytelsen den hadde på nasjonens utvikling, er det overraskende få filmer som tar USAs store depresjon som sitt åpenbare tema - helt sikkert sammenlignet med for eksempel mengden av filmer som beskriver USAs engasjement i andre verdenskrig. Det er i stor grad på grunn av historienes natur: krigens seier kan lett kastes som en inspirerende historie om forståelige helter og skurker, der depresjonen var en morass av elendighet og fornedrelse som ikke hadde en eneste arkitekt som filmsk sett kunne sokk i kjeven. Men det kan også skyldes at Fords Oscar-vinnende, monumentale “The Grapes of Wrath” i lang tid ble ansett som ganske mye det siste ordet om temaet. Det er et nesten uanstendig vakkert, men likevel stilistisk realistisk bilde (genial kinematograf Gregg Toland ville fortsette å skyte “Borger KaneÅret etter - filmen som bare gradvis kom til å erstatte 'Wrath' som den kanoniske Greatest Movie Ever Made), og som ikke er en ledig observasjon: det er nøkkelen til det som får filmen til å bevege seg flytende, noe som tvinger oss til å fortsette å se til tross for det uunngåelige nedadgående bane av det som tross alt er et portrett av menneskeverd under uopphørlig angrep. Men det kan også skryte av en av Henry FondaBeste forestillinger, for Ford eller noen annen filmskaper, som den oppsprukket, men idealistiske ex-con Tom Joad. Med at Ford tilsynelatende ikke er interessert i å presentere Joad-klanen som noe annet enn en slags tåøyet idealisering av den grunnleggende anstendige amerikanske familien forent mot motgang, er det et lite mirakel at Fondas forestilling er så nyansert og menneskelig som den er. Men hvis andre steder Fords håndtak på karakterene hans av og til svimler slik at de blir mindre levende individer enn representanter for hele klasser av mennesker, er det bare fordi han har større fisk å steke: kanskje ingen andre amerikanske regissører kunne ha fortalt denne historien i samme skala som John Steinbeck'S episke, kvasi-bibelske roman (skjønt filmens slutt avviker betydelig fra tordenslagsfinalen i boken). Den påfølgende avtakelsen av omdømmet, mye på grunn av den åpenlyste sosialismen i budskapet (ironisk å se som Ford blir ofte betraktet, feilaktig, som den mest høyreorienterte regissøren) betyr at det relativt sett er mindre enn mange av hans andre filmer. Men selv for de av oss som er allergiske mot den teatertalen som noen ganger bortfaller, er det en storartethet for “The Grapes of Wrath” i bredden av sin ambisjon, noe som fremdeles gjør det til den definitive filmatiske overtakelsen til en av USAs mest definerende epoker.

film om fengsel

“De var Expendable” (1945)
Bortsett fra det faktiske innholdet, som er et fascinerende veritestil-blikk på småbåtbesetninger fra andre verdenskrig som har til oppgave å ta ned japanske fartøyer i Stillehavet rundt Filippinene, inntar 'They Were Expendable' et nesten unikt sted i filmhistoriens annaler fordi av timing. Utviklet og raskt skutt på et tidspunkt da krigen i Stillehavet absolutt ikke gikk USAs vei, var filmen løslatt i desember 1945, hvor scenen, selvfølgelig, krigen var over, med USA definitivt på vinnersiden. Så med filmens utpreget Fordianske temaer om adelens adel og heltemoten til den (sannsynligvis dømte) vanlige tjenestemannen, kom den tydelig ut av takt med den generelle oppstemtheten i den umiddelbare etterkrigstiden - det er på mange måter en eleganse for en edelt tilfluktssted som godt kunne ha vært et kjent vendepunkt hadde krigen senere gått annerledes og hadde hendelser umiddelbart, for å bruke en smakløs ordspill, ikke blåst den opp av vannet. Kanskje på noen måter som gjør filmen enda mer verdifull et dokument - småbåteres rolle i teateret i Stillehavet er et aspekt av den amerikanske krigen som er lite kjent. Men historisk relativisme til side, 'Expendable' okkuperer fremdeles en førsteklasses spalte i Fords pantheon for filmen den iboende er - kopling av kornete realisme med en trio med sterke forestillinger fra Robert Montgomery, John Wayne og Donna Reed, det føles som et utmerket ekteskap med Fords klassiske impulser og hans dokumentariske instinkter ('Slaget om MidwayÅ være det mest kjente, Oscar-vinnende eksempelet på de 87 sakprosa-filmene som fotografienheten for krigstidens felt ble laget på Fords klokke). Det er også et flott eksempel på Waynes personlighet i krigstiden, og det motstridende karakteren av dette bildet: Han oppnådde sin varige stjernestatus under krigen og kom til å personifisere hverdagsheltingen av den allamerikanske patrioten som serverte sitt land på skjermen, men Wayne selv serverte aldri . Historien går faktisk ut på at Ford, beryktet for argumenter på grunn av sin diktatoriske stil (han senere skulle kollidere med Henry Fonda, også til sjøs, under produksjonen av 'Mister Roberts”) Hadde en sjelden fall med Wayne over akkurat det problemet, og selv nå er det noe som peker på at filmens kredittliste Fords og Montgomery militære rangeringer, mens Waynes navn virker upornovert.

“My Darling Clementine” (1946)
Ett og et halvt tiår før ‘Liberty Valance’ og dets mest berømte sitat, ville Ford selv «trykke legenden»: ja, den legendariske geværkampen på OK Corral ble først virkelig legendarisk etter filmen. Avviker vilt fra historisk faktum (de kvinnelige karakterene er enten helt fiktive eller amalgamer; Earps var aldri cowboyer; Old Man Clanton døde før skuddvekslingen; Doc Holliday overlevde, osv. Osv.), Er filmen fortsatt den dag i dag den mest givende fortellingen om dette ofte gjenfortalt fortelling, som Ford insisterte på at han hadde hørt fra første hånd Wyatt Earp seg selv da Earp pleide å besøke cowboyvenner på settene til filmene deres. Til og med John Wayne godkjente mye av inspirasjonen hans for advokatrollene han ville spille til samtaler med det virkelige livet Earp. Men berettigende, selv om Ford ville filmet karakteren to ganger, spilte han ikke Wayne -Cheyenne høst”Har James Stewart i rollen, mens det i 'My Darling Clementine' er Henry Fonda. Fonda kan ha “bare” dukket opp i 7 av Fords filmer (sammenlignet med Waynes 24), men hvis Wayne er analog med Fords id - denne handlingsmannen-siden, hans instinkt, hans alminnelige mannlighet - da var Fonda kanskje hans ego , og det er absolutt en gjennomtenkt, sjelfull, betraktet forestilling han leverer her. Faktisk er det en av filmens store styrker at mens den bygger seg til et fantastisk klimaks og er en fungerende fortelling om vestlig hevn, er den også en detaljorientert og overraskende lettbegynnet karakterstudie, samt en tidlig forløper for kompisfilm i dynamikken mellom Earp og Doc Holliday (Victor Mature, i sin beste rolle noensinne). Ikke siden “Stagecoach” hadde Ford laget en western som så grundig leverte på alle fronter: som et portrett av et grensesamfunn, en romantikk, en hevnfilm (med en strålende mot-type) Walter Brennan forestilling) og en actionfilm. Men til tross for at han har prestert på alle disse sjangernivåene, har 'Clementine' en unik lyrikk, til og med en stillhet til tider —Erp som gynger på stolen på verandaen, og dokumenterer Hamlets ensidige. Det er en bred følelse av fordømmelse overfor Ford som detractors er raske å påpeke, men 'My Darling Clementine' er det ultimate kontrapunktargumentet: Hvis det er en linje der varme og sødme går over i manipulasjon og mawkishness, så går Ford ikke bare det line, som Earp i filmens kirkehevende scene, men kaster hatten av og danser den.

“Fort Apache” (1948)
Den første og, historisk sett, antagelig best av Fords 'Cavalry Trilogy', selv om den mangler den iøynefallende piktorialiteten til 'Hun hadde på seg et gult bånd“‘ S Technicolor, eller pre- “Den stille mannen”Teamet til John Wayne og Maureen O'Hara i “Rio Grande, ”“ Fort Apache ”er en stram, sammensatt og resonant vestlig som holder vann som en lignelse for å slå sammen militære taktikker også i dag. Innenfor Fords kanon er det spesielt viktig å legemliggjøre de to sidene av debatten i de to skuespillerne som var hans hyppigste stjerner: Wayne og Henry Fonda. Waynes populære Captain York representerer den instinktive taktikeren som er avhengig av kunnskap og personlig erfaring for å informere sine beslutninger. Fonda spiller oberst torsdag, som blir tildelt forfremmelsen som mennene mener å være York med rett, og som representerer en stivt intellektuell tilnærming, der streng strenge regler for militær oppførsel og teoretisk strategi må brukes uansett forandrede omstendigheter. Det er egentlig en kamp mellom et slags dogmatisk søppel og en mer formbar militær pragmatisme, men Fords dyktighet og hans flytende, organiske filmskapingsstil, kombinert med perfekt avstemte forestillinger fra begge hans vanlige ledende menn, lar aldri denne filmen bli altfor lærerik. Tvert imot: ved å jobbe i en kjent fordisk generasjonsdelplan om en yngre offiser (John det) som faller for torsdagens datter (en 20-åring Shirley Temple i en glitrende tur), så vel som hans vanlige mistenkte oppslag av bawdy-komisk lettelse, gir Ford seg selv mange muligheter for å holde tempoet oppe og ikke la vekten til en eneste del av historien overvelde filmens generelle fart. Det er ikke til å si at han ikke velger sider: hans, og derfor vår, sympati er tydelig med Waynes York og selve avslutningen, der York støtter den offisielle versjonen av torsdagens tåpelige og dødsdømte offensiv som det modige offeret av en klok soldat, føles som en hilsen-formaning til oss alle (før han skulle lage en hel film om dette med 'The Man Who Shot Liberty Valance') for ikke alltid å ta en legende til pålydende. I denne tidsalderen med spinn og tilsløring virker den konklusjonen klokere enn noen gang; kombinert med et sentralt dilemma som har hatt ekko i nesten enhver amerikansk konflikt siden det fra Vietnam til Irak-krigene kan være at “Fort Apache” er Fords mest varig relevante film.

“Hun hadde på seg et gult bånd” (1949)
Av alle de mange partnerskap som kjennetegner Fords lange karriere, “She Wore A Yellow Ribbon,” den midterste filmen i hans såkalte “Cavalry-trilogi” (“Fort Apache” og “Rio Grande”Å være de andre), kan skryte av toppunktet til en mer esoterisk forbindelse: det er kanskje den største bruken som noen gang er gjort av Ford of Monument Valley, Arizona, hans bakteppe av valget for å skyte det gamle vesten. Og mens de røde steinene og enorme himmelene i det landskapet nå er kjent til poenget med banalitet i en vestlig kontekst, her, sovet i Winston C. Hoch'S Oscar-vinnende livlige Technicolor-fotografering (du vil aldri gjette at han og Ford sammenstøt gjennom hele filmingen, spesielt under den berømte tordenværsscenen som førte til at Hoch senere inngav søksmål mot studioet), det hele ser friskt og nytt ut: at nydelig. Fortellende er dette imidlertid så nær hjulspinn som 'god' Ford blir, og gir en mye mer episodisk og mindre fokusert historie enn vanlig, som Captain Brittles (John Wayne spiller 20 år eldre enn sin faktiske alder), som er rangert fra nederlaget på Little Bighorn, og blir ansatt til pensjonisttilværelse samtidig som en ny indisk krig truer. Saker kommer på hodet når han leder et oppdrag mot et nærliggende Cheyenne-leir, samtidig som han må eskortere sin overordnede offisers kone og den vennlige datteren til stagecoach, men filmen er merkelig antiklimaktisk i sine indiske krigsaspekter og heller såpevann i hvordan det dveler ved rivalisering til obersterens datter. Men kanskje på grunn av denne ukarakteristiske løsheten når det gjelder plot og tempo, har filmen en enorm, uvanlig introspektiv forestilling fra Wayne - angivelig sin egen favorittrolle ut av det 180-rare som han spilte gjennom sin lange karriere. Brittles er bekymret for å innvende foreldelse og arten av hans plettet arv og må kjempe med et generasjonsgap, personifisert spesielt av Ben johnson som en av mennene hans. Så gitt alt det, er 'Ribbon' mer et karakterstykke og en mild forløsningsfortelling enn den rypebrusende underholdningen Ford leverte andre steder, men den viser også de nye teksturer og rytmer som Ford kunne finne innenfor sjangeren han mestret - så mye mer enn et sett med konvensjoner og arketyper, var den vestlige i hans hender robust og ikonisk, men også evig elastisk.

“Den stille mannen” (1952)
La det aldri sies at vi nærmer oss lett disse Essentials-brikkene - og hvis det er en slagmark i denne, er det utvilsomt over Fords ikoniske skive av irsk blarney, “The Quiet Man.” Som film kan man hevde at det er en eksempel på alle de verste tendensene til Fords mer sentimentale side - der, hans tilbøyelighet til overdrivelse av maudlin blir brukt på en hel nasjon og ikke bare en karakter eller to. Filmen er et håpløst romantisert syn på Irland som et land med flammehårede viljestolker, loquacious ubarmelig lokalbefolkning og roustabinging drukkards (mest minneverdig Victor McLaglen, setter boksebakgrunnen sin til god bruk for Ford igjen). På den annen side, hvis du ignorerer noen tilknytning, kan den hevde å ha til virkeligheten og i stedet betrakter den som en slags 'Brigadoon'-Stil-fantasi, det er en nesten uimotståelig dose lunete og gnistrende kjemi, med en atypisk rolle for John Wayne i en sjanger langt utenfor Fords komfortzone - det er egentlig en romantisk komedie. Historien er ren hokum: Sean, en amerikansk eks-bokser som ville lovet å aldri kjempe igjen, besøker det gamle landet og faller for den lokale jenta Mary Kate. De gifter seg, men på grunn av tvister om grunneier nekter broren å utlevere pengene til medgiftet hennes, noe som incenserer Mary Kate, som er enda mer rasende over at Sean nekter å kjempe mot broren sin og truer med å forlate ham. Nå må man være mistenksom overfor enhver film der det moralske er at det ikke er noe problem som er så uttømmelig at å dra kona etter håret og sette i gang en god gammel barney ikke kan fikse det, men når den spesielle donnybrook går på nesten ti minutter, og inkluderer komiske hiatuer, en stadig voksende mengde tilskuere og selvfølgelig en tur til puben, er det vanskelig å være gal. Og i en karriere som ikke er giret med for mange store kvinnelige roller, er Fords rollebesetning en fantastisk Maureen O'Hara her er et masterstroke - ikke bare er hun alle blinkende øyne og berøringspapirstemning, men hun bringer en ekte støt av rå sensualitet til filmen. Et uangripelig argument for å inkludere 'The Quiet Man' på en liste over essensielle Ford-filmer, bortsett fra at det er et fascinerende glimt på denne mest amerikanske regissørenes inntagelse av den irske arven som han holdt så kjær, er at den også inneholder den mest sexete scenen som Ford noensinne har skutt. Å være vitne til at Mary Kate og Sean kan glamre seg i regnet i den gamle kirkegården, spesielt måten Mary Kate, den modige tingen, går tilbake til et annet kyss når Seans skjorte er pusset til åpenhet mot kroppen hans, er en påminnelse om at Fords rykte ettersom bastion av mann-mann-kino reduserer det sanne spekteret av talentene hans.

“Søkerne” (1956)
Hvis det nå er nesten klisjé å betrakte dette ubehagelige mesterverket som begynnelsen på Fords angrep på selve myten om det amerikanske vesten at han hadde vært så entydig instrumental i å etablere, er det bare fordi det er så uimotståelig lesning med fordelen av 20/20 etterpåklokskap . Men selv på den tiden, med Ford i den ruvende toppen av kreftene og den vanlige kinematografen Winton C. Hoch skalere lignende karriere-beste høyder, historien, om Ethan Edwards (John Wayne) ubarmhjertig jakt på Comanche som myrdet sin brors familie og kidnappet hans niese (Natalie Wood), så og følte meg spesiell - Technicolor-utsikten og stemningsfull innramming (åh, de ikoniske første og siste skuddene) er absolutt ekstraordinære. Imidlertid er fakkelen til fyret her Fords samarbeid med stjernen Wayne, i en undergraving av hans etablerte persona som den embitterte rasistiske mobberen 'helten' av stykket. For ham er den inciterende tragedien en urettferdighet som ikke får rett, men å bli hevnet i blod - hans niese så vel som hennes fangere - og Wayne går aldri på akkord med å skildre denne dypt ubehagelige karakteren. Edwards er anti-heroisk, anti-anstendig, mot alle rollene som Wayne hadde trukket seg gjennom for å nå sin uangripelige abbor som den ultimate mytologiske amerikanske helten - han har helt sikkert en kode, men den er en stygg og ødelagt. Likevel er det ikke å si at denne filmen virkelig er en revisjonistisk vestlige - som vil komme senere for Ford (1964s 'Cheyenne Autumn' er et slående eksempel). Faktisk tilbyr 'The Searchers' ingenting så greit som en reversering av inngrodde sjangerfordommer (her er indianerne fortsatt blodtørstige 'villmenn'): det er en komplikasjon av dem, et forsøk på å arbeide tvetydighet og tvetydighet og beklagelse til de rene linjene av tradisjonell sjanger vestlig heltemot.

“Mannen som skjøt Liberty Valance” (1962)
Uten en gang å telle hans mange tapte titler, er Fords massive filmografi så omfattende at vurderingen av den endres over tid, med noen filmer som kommer i fokus når andre mister glansen: det er et verk som nesten puster. Noe som 'Hvor grønn var dalen min, ”En Best Picture / Best Director Oscar-vinner i 1941, kan avta rykte (faktisk, den cloying sentimentaliteten holdt den nostalgi-gjennomvåt historien om et woebegone walisisk gruvesamfunn av denne listen), mens andre filmer dukker opp som de mer varige klassikerne innen hans utgang. “Stagecoach” status som en slik virket sikret så snart den ble utgitt; 'The Searchers' tok litt lengre tid, men har nå tjent et vanlig spor i tidslistene. Men det er en prosess som pågår, og den nyeste tittelen på Ford for å motta denne typen oppadgående evaluering er hans strålende, vakre, gjennomtenkte og spennende “The Man Who Shot Liberty Valance” som rundt disse delene uansett, eventuelt formørkes selv de nevnte titlene som den lyseste juvelen i Fords krone. Historien ser at James Stewarts aldrende senator Stoddard kommer tilbake til den støvete byen Shinbone for begravelsen til den lokale ingen Tom Doniphon (John Wayne), slik at han endelig kan fortelle sannheten om drapet på Liberty Valance (Lee Marvin) som han hadde fått kreditt, berømmelse og politisk popularitet for. Men så intrikat som den historien blir fortalt (og alle rektorene er utmerkede, inkludert Vera Miles som en mer dimensjonell kjærlighetsinteresse enn Ford mønstret andre steder), er det de metaforiske og selvreferensjonsnivåene filmene også fungerer på som har mest vedvarende resonans. Filmens mest kjente sitat, levert av avisredaktør Maxwell Scott (Carleton Young), 'Dette er Vesten, sir. Når sagnet blir faktum, trykk legenden, ”oppsummerer de temaene pent: noen ganger, som Stoddards påfølgende karriere beviser, blir det større tjent tjent med å opprettholde en inspirerende fabrikasjon i stedet for å avsløre den mindre opplysende sannheten. Men det er også en uimotståelig lesning av Fords egen tilnærming til filmskaping, spesielt gitt hans påviselig skjelvede troskap til historisk faktum - ”The Man Who Shot Liberty Valance” er en hyllest til kraften i historiefortelling og mytekunst samt et argument for at målene rettferdiggjør midlene. Det ser ut til at Ford er en storhet, mer enn verdt egg som er ødelagt eller melk som er sølt på vei dit - hans prestasjoner går over metodene han oppnådde dem. Bruk den tankegangen til håndverket av filmskaping i sammenheng med enhver annen regissør, og det kan virke en latterlig bombastisk påstand. På en eller annen måte, med Ford, gjør det ikke det.

savner vold (2013)

Hvis disse ti titlene danner en fin John Ford 101, kan det mer avanserte kurset inneholde en av rundt tretti andre titler. Men forslagene våre for videre visning vil antagelig starte med “Vognmester”Som ble rapportert om Fords egen personlige favoritt av filmene hans, i hvert fall. Deretter, '7 kvinner”Er et fascinerende korrektiv til en karriere brukt mytologisering av menn og maskulinitet; “Mister Roberts”Var en elendig opplevelse for Ford, som til slutt ble erstattet som regissør, men ingen av de viser i den ferdige filmen, som også vant Jack Lemmon hans første Oscar; og de som ønsker å oppleve litt av sin pre-talkie-karriere, bør sjekke ut “Jernhesten, ”En spredt beretning om bygningen av den første transamerikanske jernbanelinjen. Utover det er det fortsatt en mengde å utforske - er det noe i filmografien hans som du ikke kan tro at vi ikke har nevnt? Gi oss beskjed i kommentarene nedenfor.



Topp Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funksjoner

Nyheter

Fjernsyn

Toolkit

Film

Festivaler

Anmeldelser

Awards

Billettluke

Intervjuer

Clickables

Lister

Videospill

Podcast

Merkeinnhold

Awards Season Spotlight

Filmbil

Påvirkere