Filmene til Andrei Tarkovsky: Et tilbakeblikk

Den store svenske regissøren Ingmar Bergman berømt intonert i sin selvbiografi fra 1987, “;The Magic Lantern”; som oppdager russisk filmskaper Andrei Tarkovsky’; s arbeid var, “; Et mirakel. Tarkovsky for meg er den største [regissøren], den som oppfant et nytt språk, tro mot filmens natur, ettersom den fanger livet som en refleksjon, livet som en drøm. ”;

I 1987, noen måneder etter at Tarkovsky hadde gått Akira Kurosawa ville berømme hans og uvanlige følsomhet [som] både overveldende og forbløffende. Det når nesten en patologisk intensitet. Sannsynligvis er det ingen like blant filmregissører i live nå. ”; Og eksperimentell filmskaper Stan Brakhage ble praktisk talt slått, og jaget ham ned på Telluride Film Festival i 1983 for å vise verket og kalle ham, den største levende fortellerstempremøren. ”;

Tildelinger for Tarkovsky, en av Russlands mest innflytelsesrike filmskapere, er generelt glødende plauditter, noe som inspirerer til et ildsted som vil finne kultregissørens arbeid undersøkt og studert i årevis. Men nesten like nidkjære er hans motbydere; publikum og kritikere som synes hans langsomme, tøffe, uaktuelle arbeid kjedelig og ugjennomtrengelig. Slike vilt forskjellige divergerende meninger-eller-avsky-meninger kan bare bety en ting: at Tarkovsky ’; s-filmer representerer apotheosen til en viss form for filmskaping og til slutt din disposisjon for å like den typen film forutsetter din reaksjon på Tarkovsky. Selv de som hater trege, meditative, drømmeaktige filmer kan ikke benekte Tarkovskys mestring av formen. Og med filmhistorien konstant i en revisjonstilstand, finner Tarkovskys verk, som sildrende vann på jakt etter en utgang, alltid veier for ny takknemlighet. Denne uka, Kino International slipper sitt endelige bilde, “; The Sacrifice ”; på Blu-Ray, og tidligere i år i mai ga Criterion Collection - som har tre av filmene hans i katalogen - ut sin sci-fi-klassiker, 'Solaris' på Blu-formatet.



frameline filmfestival

Uendelig fascinert av det åndelige, det metafysiske, strukturen i drømmer og hukommelse, fjernet Tarkovsky konvensjonell fortelling og komplott, og prøvde i stedet å belyse essensen i det ubevisste gjennom en tålmodig, gåtefull og reflekterende kino som for mange grenser til poetisk guddommelighet.

Mens deres metoder og estetikk er tydelig forskjellige, lurer man på hvorfor Terrence Malick ’; s filmer og lignende storbildemeditasjoner sjelden dukker opp i samtaler om Tarkovsky. Det ser ut til å være et visst slektskap mellom arbeidet deres, selv om det er usannsynlig at den russiske filmskaperen noensinne ville ha gått ut for å inkludere en voiceover som bokstavelig talt stiller hvert metafysisk spørsmål høyt; det var mer hans stil å posisere disse ofte eksistensielle gåtene implisitt, og la bildene gjøre arbeidet, stille, drømmende.

Ved å lage bare syv funksjoner på tjuefire år lot Tarkovsky filmene hans puste, og noen - de er ofte preget av deres ublu lengde (“; Andrei Rublev er 3 timer og 25 minutter), deres ubehagelige tempo og bruken av utvidede sporingsskudd som kunne vare fra 7-10 minutter, som alle vant til å låne bildene hans en søvnfull, hallucinatorisk, hypnotisk atmosfære. Tarkovsky mente kino var den eneste kunstformen som virkelig kunne bevare tidsflyten - noe som kanskje forklarer lengden på filmene hans noe - og mens hans mesmeriske drømmetor og beroligende stimulering kan sende den gjennomsnittlige filmgjengeren i dvale, skulpturerer han “; tid ”; ethos (navnet på hans postume bok fra 1989) inspirerer generelt ærefrykt, undring og en følelse av vakker tvetydighet hos de med tålmodighet og nysgjerrighet nok til å gi seg over til opplevelsen. Som John Gianvito satte det i sin bok fra Tarkovsky Interviews fra 2006, korpuset til arbeidet hans er den 'nesten messianske jakten på intet mindre enn forløsningen av menneskets sjel.'

“;Ivans barndom”; (1962)
Ikke mange filmskapere har blitt så skremmende intellektualisert som Tarkovsky, men skeptiske nybegynnere tar notat: hans uttrykksfulle første funksjon, “;Ivan ’; s Barndom”; viser glimt av varemerket hans blomstrer og temaer, men finner regissøren på sitt mest tilgjengelige, dets nesten lineære fortelling som kommer inn på effektive 95 minutter. Ivan, spilt strålende av Nikolay Burlyaev, er en ung russisk gutt med et engels ansikt og et løvehjerte som, foreldreløst av krig, blir speider for den sovjetiske hæren. Han drømmer, tror han, gjør opprør mot den velmenende beskyttelsen av sine eldste - kort sagt, han er et barn, i en tid og et sted som har liten respekt for barndommen. Historien er enkel og ødeleggende, men det som myten om Tarkovsky (filmene hans er &vanskelig; og &x2019; verdig ”;) kanskje ikke forbereder deg på, er den rene kinetiske gleden å bli hentet fra bilder som, gjennom kameraplassering, koreografi eller den lysende belysningen i et ansikt, er i motsetning til noe annet du ’; ll har sett. For å påberope Malick-sammenligningen er dette, i likhet med Den tynne røde linjen, ”; en krigsfilm fra hverandre, men ironisk nok, med tanke på at han jobbet under et kommunistisk regime, er det Tarkovsky ’; s film som er den mer individualistiske og personlige. Der Malick skapte et kor, et kollektivt ubevisst krigstid, gjengir Tarkovsky “; Ivan ’; s Barndom ”; som et skarpt, bittersøtt portrett av en gutt: kroppen hans, ansiktet, drømmene, minnene og alle de andre tingene vi mister hvis vi mister nettopp denne uskyldige. For til syvende og sist er det en film ikke om barndom, men om barndommens slutt; i form av Kholin, den strålende offiseren som blir venn med Ivan, men som aldri selv har vokst opp; eller lensmann Galtsev, hvis eget guttete, kjekke ansikt blir arr og hjemsøkt; eller lille Ivan hvis barndommen slutter, ser det ut til flere ganger, og muligens hver gang han våkner. Vakkert og trist, og punktert med bilder som holder på i sinnet, “; Ivan ’; s Barndom ”; er kanskje mest bemerkelsesverdig for å være en debut som den unge regissøren ville gå på topp gjentatte ganger, men likevel i seg selv være en fantastisk film. [EN-]

“;Andrei Rublev”; (1966)
Tatt i betraktning at kino nå er godt etablert som en kunstform, er det nysgjerrig at den ikke virkelig takler kunst som tema: filmer om forfattere, musikere, malere og til og med andre filmskapere har en tendens til å være forenklede og reduktive. Det store (i alle forstand) unntaket er “Andrei Rublev, ”Som gjennom en tre-timers pluss driftstid dramatiserer episodisk livet til den store middelalderske russiske maleren av religiøse ikoner. Men ikke gjør feilen med å tenke at det vil bety at filmen i seg selv er pittoresk: verden Tarkovsky skildrer er brutal, meningsløs og kaotisk (den berømte dødsfallet til en hestescene sikrer at den ikke er en film for dyreelskere). Men som hovedpersonen sin, finner regissøren skjønnhet i mørket, fra flukten i en varmluftsballong i filmens prolog, til det forbløffende, ubrutte vide skuddet fra klokken som blir reist ved klimaks, hendelsen som overbeviser Rublev om å komme tilbake å male. Det viktigste er at det er en film om rollen som en kunstner i verden rundt ham: det er klart fra arrestasjonen av en jester i en tidlig scene at dette ikke er noe lykkelig klima for den kreative typen, og Rublev ser uten klage, men, etter Han vender seg bort fra kunsten store deler av livet, og overbeviser til slutt at det han gjør har virkelig verdi, at det er en nødvendighet. Og når slutten av filmen viser Rublevs arbeid (den eneste delen av filmen i farger), kunne ingen være uenige. Overraskende nok var ikke myndighetene fornøyde med Tarkovskys ferdige film: Den ble ikke utgitt i Sovjetunionen før i 1971, i en nedskåret redigering, og kom den først til USA to år senere i en enda mer brutalisert versjon. Men Kriteriesamling ga ut det opprinnelige snittet i 1999, og styrket filmens omdømme - The Guardian kåret i fjor den til den nest største tiden. Morsomt, litt forvirrende faktum: medforfatter Andrei Konchalovsky fortsatte med å dirigere “Tango og kontanter. ”[A +]

beste planet earth 2-episoden

“;Solaris”; (1972)
Tarkovskys oppfølging av “Andrei Rublev”Nevnes sjelden i en setning uten at ordet“ 2001 ”dukker opp samtidig. Men bortsett fra å være en gjennomtenkt, åndelig, meditativt tempo science fiction-film, basert på en roman av en av sjangerens storheter (polsk forfatter Stanislaw Lem) har de lite til felles: som J. Hoberman en gang påpekte i The Village Voice, ligner filmen faktisk mer på en annen kritisk elskling, Alfred Hitchcock‘S“svimmelhet. ”Det er ingen dingser eller CGI å finne, bare mennesker, i historien om Kelvin, en psykolog sendt for å undersøke bisarre hendelser på en romstasjon som går i bane rundt havplaneten Solaris, bare for å bli møtt der av en manifestasjon av hans sene kona, som drepte seg år tidligere. For alt sitt fryktinngytende rykte og løpetid er det en enkel fortelling om sorg og mistet kjærlighet, om enn en som er krydret med sci-fi-spørsmål om identitet og menneskehetens natur. Hari, Kelvins kone, er konstruert av nøytroner, men har alle minnene, tankene og følelsene til hennes avdøde motpart - gjør det ikke henne like menneskelig? Det er en ødeleggende historie (Harrys andre selvmordsforsøk er virkelig skiftende), og uten tvil kan Tarkovskys mest følte historie. Det må argumenteres for Steven SoderberghRemake fra 2002 er den overlegne filmen - nesten halvparten av lengden, det er et strammere, mer fokusert bilde, som ikke mister noe virkelig viktig - men å kutte ned originalen ville være galskap: som i alt hans arbeid beste øyeblikk, som den tøffe, jordbundne åpningen eller den fantastiske nulltyngdesekvensen, er nesten transcendente. Soderbergh ville senere uttale at han tilpasser romanen, og ikke gjorde om filmen på nytt, Solaris, ”; og sammenlignet Tarkovsky-bildet med en sequoia, ”; mens hans var “; en liten bonsai. ”; [EN]

mpaa teatermarkedsstatistikk 2017

“;Speil”; (1975)
Jobber på en dypt personlig, bevissthetsstrøm (en fjern forfader til Terrence Malick‘S“Livets tre”Med sikkerhet, uten unntak av ondsinnede dinosaurer), unngår Tarkovskys nest siste sovjetiske film tradisjonelle plott og fungerer i stedet med sin egen rytme og logikk, og korrelerer direkte med filmskaperens sentimentale bankende hjerte. Skiftende mellom tre forskjellige perioder (førkrig, krig og etterkrig) filmens forteller forteller tilbake på livet sitt mens han ligger på dødsleiet, drømmer om alt inkludert argumenter med sin ekskone og et ganske stressende øyeblikk som moren hans involverte henne korrekturlesende dagjobb. Betraktet som uforståelig og upålitelig av Gosinko, Russlands statsutvalg for kinematografi, 'Speil”Er en overraskende påvirkende filmkomposisjon, en tett film overraskende blottet for vanskelighetene som saktegående minimalistiske fortellinger pleier å kreve. Dette kan være på grunn av Tarkovskys skikkethet for å sone inn essensen av et bestemt øyeblikk, det være seg en merkelig fjernsyns-seanse som involverer en stammende gutt som blir kurert for sin svekkelse (som også må være en av de beste åpningene på celluloid) eller den enkle handling av en morsfigur som vasker håret i et basseng. Eller det kan rett og slett være den rene mestringen av mediet som vises, da hans 'sculpting in time' kinematografi og lyddesign (både utvalget av klassisk musikk og oppmerksomhet på naturens melodier) aldri har vært bedre. Dette er ikke bare noens sjel fanget på film, det er livet på det reneste; et sertifisert mesterverk gjennom og gjennom. [A +]

“;Forfølger”; (1979)
Mens “;Solaris”; er sannsynligvis Tarkovsky & ss mest kjente film på grunn av sine sjangerassosiasjoner og dens nyinnspilling i 2002, den post-apokalyptiske omgivelsen til “;Forfølger”; har like mange sjangerfangster, men er uten tvil mer vellykket (filmskaperen hevdet like mye). Filmen ligger i en verden som ser ut til å være et postkernefysisk-Russland (men dette er bare løst underforstått), og krøniker filmen to menns reise inn i sonen - et underlig, mystisk, forlatt sted bevoktet av piggtråd og soldater, som huser et rom som angivelig inneholder den ugjennomsiktige utopien til de innerste håp og drømmer. Sonen er ikke avgrenset av fysikkens lover og uforklarlig og usynlig farlig, men kan bare navigeres ved hjelp av en Stalker - et individ med spesielle mentale gaver som risikerer fengselsstraff fra regjeringen for å ha tatt den desperate eller de nysgjerrige inn i dette forbudte området. Mot sin kones ønsker følger en bestemt Stalker en skribent i en eksistensiell krise og en stille forsker inn i sonen, der, når de tre mennene spiral ned i dypet av bygningen, hver av dem møter moralske, psykologiske, eksistensielle, filosofiske og til og med fysiske spørsmål og konflikter. Så gåtefullt og mystisk som noen av Tarkovsky-bilder, som i “; Solaris, ”; de vage sci-fi-ish-elementene gir det fortelling nok til å gjøre det til et av hans mest engasjerende bilder, men det går likevel aldri på akkord med de metafysiske og spirituelle temaene som hjemsøker alt hans arbeid. Merket av taktil lyddesign, nydelige brune monokrome sepia-toner og en falleferdig atmosfære både forfalt og vannet, er det nesten et mirakel som “; Stalker ”; kom til å skje, med tanke på at Tarkovsky jobbet i et helt år med å skyte utesekvenser med en annen kinematograf, og tok opp bilder han til slutt brente. Man kan hevde at bildet er et hjerte av mørkeaktig seilas inn i det ukjente, om enn et mye mer surrealistisk og metafysisk bilde enn Joseph Conrad’; s historie som noen gang var ment. [EN]

“;Reise i tid”; (1982)
Etter mange års møte med uholdbar sensur i hjemlandet Russland, ville Tarkovsky avverge til Italia i 1982, og gjorde 1979-skuddet “;Reise i tid”; dokumentar et formativt øyeblikksbilde av filmskaperenes personlige historie. På besøk hos sin venn, den italienske manusforfatteren Tonino Guerra - mannen som er ansvarlig for Michaelangelo Antonioni'S klassiske tetralogi fra 1960-1964 - dokumentaren er delvis lokaliseringsspeidere for “;Nostahlgia”; (til slutt bosetter han seg på det øde landskapet i Bagno Vignoi), en del italiensk reiseskildring og en del av den frie form samtalen mellom to venner som diskuterer kunsten å kino og liv. Paret diskuterer Tarkovsky favorittfilmskapere - Alexander Dovzhenko, Robert Bresson, Antonioni, Fellini, Jean Vigo, Sergei Paradzhanov - gi råd til yngre filmskapere og bratte emner som italiensk arkitektur, poesi og “; fiction ”; av fortelling og handling. Mens samtalen er interessant, er det ikke spesielt opplysende for dem som ikke er trofaste Tarkovsky-ites, selv om det er noen få små avsløringer. Tarkovsky hevder at han ikke gleder seg over sjanger- eller reklamefilmer, og i den forstand sier “;Solaris”; - sett på som den beste filmen hans av mange - er hans minst suksessrike fordi han “; ikke kunne slippe unna [fangstene] av sjangeren, fra de fiktive detaljene. ”; I tilfelle av “;Forfølger”; han tror det fungerer fordi han “; ble kvitt alle science-fiction tegnene fullstendig. Det gir meg stor glede. ”; Som alle Tarkovskys filmer, er rytmen langsom og meditativ, noe som på en måte gir seg mindre til det dokumentariske formatet enn til hans skjønnlitterære filmer. Som sådan er det egentlig bare for hardcore Tarkovsky komplette ister. [C +]

“;Nostalghia”; (1983)
Et hjerteinfarkt, et abortert trekk og voldelig sensur, forhindret Tarkovsky fra å kunne jobbe fornuftig i hjemlandet, men det var dette, hans første utenlandsproduksjon som bekreftet hans heftige avslag på retur, en avgjørelse bare styrket da bildemachineringene fra den sovjetiske delegasjonen med suksess kampanjerte mot sjansene hans på en Palme ’; Eller seier på Cannes Film Festival det året. Samskrevet med Tonino Guerra ( 'Evigheten og en dag, ''Sprenge, ”Osv.), Følger filmens forbløffende øye en russisk dikter i Italia (stedene som er fanget i kinematografi som ikke bare elsker, men elsker temaet). Poeten forsker visstnok der for å undersøke avdøde komponist Pavel Sosnovsky, men i stedet blir han fortrolig med en forvirret vagabond han møter (Domiziana Giordano), og fylt med en lengsel etter hjem og plaget av drømmer der han er den urolige nomaden, forplikter han seg til slutt å utføre et åndelig ritual som ifølge den fremmede vil redde verden fra fordømmelse. Abstrakt og ugjennomsiktig, men det er ikke noe som benekter hvor fullstendig det gjenspeiler filmskapernes indre konflikt om å forlate land og familie til å jobbe trygt i utlandet. Mer enn bare en kommentar til noe sentimental lyst, ordet “; Nostalghia ”; betyr det samme på både russisk og italiensk, og fremkaller så filmens observasjon av hvordan to separate elementer kan sammensette, for å gjøre et større / mer ekstremt 'ett.' Dette temaet om enhet-fra-taushet bevises også av 'Nostalghia”Med ikke ett surrogat for regissøren, men to - den hjemlengselige, men likevel rasjonelle, kunstneren og galningen; begge umulig dedikert til en enkelt filosofi. Det er kontrasten mellom disse to som direkte speiler Tarkovsky familiemannen mot Tarkovsky auteur, men i en dualitet er det en side som fremherskes, og her taper rasjonaliteten seg: dikteren dør, og filmskaperen forlater i det virkelige liv familie for sin kunst. 'Nostalghia' kan sikkert sees på som en melankolsk lengsel etter hjemmet, men det kan også leses som et meget selvkritisk verk, fullt av anger og troskap for å velge kunstnerisk frihet i slekt. Uansett er det en mageforringende turnékraft. [EN]

“;Ofringen”; (1986)
Gjennomført kort tid før hans død fra terminal lungekreft i 1986, kan Tarkovskys siste film kanskje være avkall på alt han noen gang prøvde å oppnå på kino. Bergmans kjærlighet til Tarkovsky har blitt godt dokumentert og følelsen var gjensidig; det svenske settet hadde hovedrollen Erland Josephson - en viktig Bergman-skuespiller som ledet flere av svenskenes bilder, inkludert 'Scener fra et ekteskap, ''Høstsonnate”Og“Fanny & Alexander”; - og inneholdt den maleriske kinematografien av Sven Nykvist. Tro og fravær av spiritualitet var alltid sentrale Tarkovskiske temaer, og begge blir undersøkt og testet i dette hypnotiske moraldramaet. Josephson spiller en journalist og tidligere filosof hvis fødselsdag blir avbrutt av nyheten om at WWIII har utbrudd og menneskeheten er bare noen få timer unna utslettelse. En hengiven ateist, i sin fortvilelse, ber Josephson til Gud og til og med gir opp sønnens liv hvis krig kan unngås. Han sover med en heks for å vise sin fealitet for Gud, men dagen etter er alt bra og det er uklart om de foregående hendelsene bare var en drøm. Skudd i Tarkovsky tar vanligvis lang tid (noen når nesten 10 minutter) filmen klokker inn på i underkant av tre timer og er kanskje filmskaperens mest drømmeaktige, i en karriere preget av hypnagogiske filmer. Et gigantisk hus ble bygget spesielt for produksjonen, og da kameraer ikke klarte å fange forbrenningen i en lang sporingsskudd, ble huset deretter trofast rekonstruert og igjen brent ned til grunn - Terrence Malick og Jack Fish ville være stolt. På Cannes Film Festival det året mottok filmen Grand Jury-prisen, og FIPRESCI og Ecumenical Jury-priser. [EN]

- Rodrigo Perez, Jessica Kiang, Christopher Bell, Oliver Lyttelton

Topp Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funksjoner

Nyheter

Fjernsyn

Toolkit

Film

Festivaler

Anmeldelser

Awards

Billettluke

Intervjuer

Clickables

Lister

Videospill

Podcast

Merkeinnhold

Awards Season Spotlight

Filmbil

Påvirkere