Filmene til Rainer Werner Fassbinder: A Retrospective

'Jeg vil gjerne være for kino det Shakespeare var for teater, Marx for politikk og Freud for psykologi: noen etter hvem ingenting er som det pleide å være, ”; Tysk direktør Rainer Werner Fassbinder en gang erklært, sannsynligvis halvt alvorlig, halvt fasetisk.

Fassbinder døde i 1982, i en alder av 37 år, av en dødelig kombinasjon av smertestillende og rikelig mengde kokain. Legenden forteller at han jobbet helt frem til hans død, og sider og notater fra et ufilmert manus ble funnet ved siden av kroppen hans. I andres tilfelle kan dette være mytekunst, men Fassbinders bakkatalog beviser at han var en mann konstant, konstant på jobb: i løpet av sin korte levetid, som om blødende følelser og ideer, gjorde den uber-fruktige filmskaperen en forbløffende 40 spillefilmer, to TV-serier, tre shorts og 24 scenespill. Hvilket gir spørsmålet, hva har vi gjort med vår tid? Imidlertid hadde dette frenetiske tempoet en tung bompenger; hans medisinske arbeidsmoral var verken fordelaktig for ham eller for de han jobbet med og mange av hans forhold (spesielt med skuespillerinne Irm Hermann) var sammensatte (Fassbinders biseksualitet en faktor her) og grenseoverskridende. Han vakte bitter, personlig kritikk i pressen, men samtidig var han heftig lojal mot samarbeidspartnerne sine, og ofte ansatt de samme skuespillerne om og om igjen, i det minste til han fremmedgjorde dem. Han var utvilsomt en vanskelig mann, så glødende med kreativ og kjemisk energi at det i ettertid virker uunngåelig at han, så brennende så lyst, ville brenne ut tidlig.

Men midt i det livlige personlige og profesjonelle liv, ble han en stor regissør. I sine beste øyeblikk oppnådde han et håndverksnivå og følte dypt følelser som heller belemmer hans rykte fra gonzo, villbarn. Hans fineste filmer viser en filmskaper på en eller annen måte både medfølende og nærmest aggressivt usentimental i sine uromantiserte portretter av lidelse, tapte sjeler. En sentral skikkelse i den generasjonen tysk kino som også produserte Werner Herzog og Wim Wenders, selvfølgelig, alle som laget så mange filmer som Fassbinder, hadde ikke tenkt å slå den ut av parken hver gang - han likestilte selv å lage filmer til å bygge hus og noen filmer var rørleggerarbeid eller rotete ledninger - men det er flere dystre klassikere i hans arbeid, og det er sjelden å finne en av filmene hans som ikke er verdt å se til en viss grad.



Noe av en uklar mistet klassiker fra regissøren, den to-delte TV-delte sci-fi-filmen “World On A Wire, Slippes for øyeblikket på nytt i teatre rundt omkring i USA (les vår anmeldelse her, og sjekk det offisielle nettstedet for å se når det spiller i nærheten av deg), og vi trodde vi ville bruke det som en unnskyldning for å kaste et blikk over Fassbinders tilbake katalog. Det er en skremmende samling - vi er ikke sikre på at noen som har sett mer enn 45% av filmene hans - men vi har en anstendig spredning mellom oss, og for alle som ennå ikke har oppdaget denne fascinerende filmografien, håper vi Jeg finner et bra sted å starte her. Sjekk det ut etter hoppet.

“; Kjærlighet er kaldere enn død ”; (1969)
Booed i Berlin, men nå bevis for ankomsten av et virkelig talentfullt individ, tilbyr Fassbinders debutfilm et personlig inntrykk av gangstergenren i en fransk New Wave-palett. Thug Bruno (Ulli Lommel, som ville bli en Fassbinder vanlig) blir involvert i et kriminalsyndikats plan om å drepe dårlig asspimp Franz (god ol 'Rainer Werner i kjødet), bare for et vennskap å dukke opp mellom Franz og Bruno. Etter en vellykket operasjon bestemmer teamet (komplett med prostituerte Joanna) å rane en bank, selv om tillit begynner å vakle og ting ikke går som planlagt. Som en smash-kombinasjon av 'Band of Outsiders' og 'Le Samurai' med en vag strek av Orson Welles 'The Trial', 'Love is Colder Than Death' er lidenskapelig filmskaping som sprenger fra et hode fullt av kreative, grensepushende ideer . Selvsikre lange tar blir kontinuerlig ansatt, den fjerde veggen er ødelagt uten en prins, og av og til dekker et eterisk, noe dissonant lydspor scenene (til og med en tur til matbutikken føles himmelsk). Noen kan utvise den tilsynelatende atferden med lavt budsjett; den største synderen er mangelen på skuddskader (POP, de drepte faller til bakken). Imidlertid gjør Fassbinder sin mangel på riper: karakterene hans er så utrolig nihilistiske at de umulig kunne forstå vekten av handlingene deres. Ved å få synet av kulehull og blod til å virke irrelevant, fokuserer regissøren i stedet på dødens vekt - i en fantastisk tålmodig sekvens dreper Bruno en mann og kameraet følger ham mens han sliter med å få kroppen inn i bilen, kjører til en dump, og fortsetter med å begrave kroppen. Toppet med en sans for humor (trioen trekker frem sitt tyveri av solbriller bare for å skru sammen med salgskvinnen; en våpenhandler opererer fra et skomakerverksted), “Love is Colder Than Death” er ikke perfekt, men det er slags første flick som skulle inspirere til energi og optimisme hos denne generasjonens unge filmskapere … hvis de ikke allerede druknet i studielånegjeld. [EN-]

“; Hvorfor kjører Herr R. Amok? ”; (1970)
Ganske muligens mannens enkleste trekk (ikke når det gjelder substans, men i form av historiefortelling), 'Herr R.' prøver å studere omstendighetene som kan (eller kanskje ikke) føre til at en ekstremt gjennomsnittlig person begår drap. Fassbinder undersøker titulærpersonens liv til den mest jordlige, små detaljene, fra å hjelpe sønnen med lekser til å holde ut jevnaldrende stand-up rutine. Disse scenene blir enda vanskeligere å svelge i løpet av en analyse (eller andre se) -analyse, ettersom Kurt Raabs ekspressivitet gir mange kompleksiteter - det hadde vært lett å spille karakteren tom eller nøytral, men den tsjekkiske skuespilleren lumrer rundt og tar med hvert øyeblikk på en måte som antyder at hvert irritasjonsmoment, respektløs og tafatt øyeblikk langsomt hoper seg opp, og kan være i ferd med å bryte ham. Eller kanskje er de ikke det. Man kan helt sikkert diskutere virkningen av en gitt scene og krangle om den på egen hånd vipper bryteren; men man kan alltid også se på den andre siden av mynten og argumentere for uskyld. Måten filmskaperen legger ut den kompliserte volds fødselen på uten å gi noen konkrete svar, gir saksgangen både en psykologisk respekt og en nesten uforklarlig redsel - Fassbinder vet at mennesker er mye for kompliserte for forenklede og reduktive merker. Hans tilnærming er lokkende; Michael Haneke gjorde faktisk sitt brød og smør ut av det, og et mer moderne inntrykk av denne langsomme forbrenningen kan sees i Cristi Puius 'Aurora.' Det er riktignok litt av en tålmodighets-tester, men det er noe unektelig oppsiktsvekkende om det. Det er verdt å merke seg at forfatterskapet til denne er noe kontroversielt: Hanna Schygulla, en av Fassbinders favorittskuespillere, hevder at medregissør Michael Fengler i utgangspunktet var ansvarlig for filmen. [B +]

“Den amerikanske soldaten” (1970)
Hans tredje innsats med funksjonslengde (‘ Why Run Herr R. Run Amok ’; was a co-directorial innsats), og hans andre gjorde det året, hvis du er vant til Sirk-ian melodramas fra Fassbinder & ss midtseksjon karriere, den franske New Wave-ish “; The American Soldier, ”; stikker ut som en skinnende anomali; et stilig, noir krimbilde som føles som om det kunne blitt laget av Jean-Luc Godard (men det er faktisk den tredje i den tidlige gangstertrilogien.) Nesten. Ved hjelp av gangster-tropes for å uttrykke frustrasjonene fra kjærligheten - og faktisk, den eponyme titulære hit-mannen spilt av kjent og softspoken Fassbinder-skuespiller Karl Scheydt ser ut til å tilbringe mye tid i sengen nakne med kvinner, men uten noen gang å føle noe sant ille - bildet ser ut som en Raoul Walsh-lagd gangsterbilde, men føles mer eksistensiell i humør og tenor (den nærmeste sammenligningen kan være Godard ’; s “;Alphaville,”; men det er ikke så rart). Plottet sentrerer om Scheydt, en rastløs amerikansk rygg fra Vietnam ansatt for å spille leiemorder av staten og utslette Münchens underverden. Han gjør nettopp det, men får deretter problemer når tre politimenn ansetter ham for å slå ut sine egne motstandere, men planlegger et dobbeltkors. Plot betyr neppe noe i dette bildet der Fassbinder har en liten rolle som en samarbeidende kjeltring; det er unikt Fassbinder: et sjangerbilde brukt som en maske for noe mye mer uaktuelt. [B]

“; Pass på en hellig hore ”; (1971)
Den gode ol-filmen om filmskaping. Noen av våre beste forfattere har gått inn i denne undersjangeren; slike som Francois Truffaut, Woody Allen, Olivier Assayas og Federico Fellini har alle bidratt til å vise frem de ofte latterlige øyeblikkene som oppstår bak kameraet. Det er lett å se hvor disse proffene så slikt modent materiale - bruk mediet for å dekryptere dets iboende kaos - men det er tøffere å se hvorfor vi som publikum til slutt skal bry oss. Skutt da regissøren var 25 år og basert på personlige erfaringer hadde under produksjonen av 'Whity', lider den utrolig tittelen 'Beware of a Holy Whore' av de samme manglene som de fleste av disse filmene gjør (med det sannsynligvis enstemmige unntaket å være ” 8 1/2 ”; det andre unntaket kommer sannsynligvis fra hvilken regissør du er spesielt varm for) Plottet angår et mannskap som ledes av en vaklende filmregissør (Lou Castel, som også opptrer i “Irma Vep”) og en avkrysset produsent (spilt av en sint Fassbinder), har problemer med å trekke seg sammen for å blokkere en singel scene. Penger slippes, spenninger øker, egoer blir forslått - alltid ingrediensene til et solid drama. Når en regissør Fassbinder spiller sakte med det første, så når nedstigningen til frustrasjon begynner, kommer scener og går mye mer febrilsk. Det er ikke uten øyeblikk (for eksempel at åpningsmonologen om at Goofy ble en mislykket barnehagelærer), men det er noe uunngåelig iøynefallende med det hele. Kanskje er det det faktum at vi allerede kjenner alle disse gruene; eller muligens er det, at Fellinis opus utelukket, at de alle reiser ned på en lignende vei til samme konklusjon. For “inni baseball”? For “blink-blink” til filmskapere? Vanskelig å si, nøyaktig. Filmskaperens skildring av seg selv, ut fra rapporter om hans personlige liv og oppførsel, ser ut til å være upåklagelig, og det er absolutt verdt å se ham på sitt råeste. Med mindre du er fan, men kan du synes resten av saksgangen er en smule unilluminating. [C +]

'De bitre tårene fra Petra Von Kant'(1972)
Begrepet melodrama har kommet til å ha negative konnotasjoner: over-spilt, over-egged følelser, med liten subtilitet eller subtekst. Men som Darren Aronofsky beviste i fjor med 'Black Swan', hvis du ikke har noe imot å gå full gass med dramaet ditt, kan du virkelig oppnå noe spesielt, og Fassbinder dreper det i 'The Bitter Tears of Petra Von Kant.' hans skuespill fra året før, som selv, ifølge Jonathan Rosenbaum, var sterkt selvbiografisk, (en tilslørt versjon av det trekantede forholdet mellom regissøren, hans svarte bayerske elsker Günther Kaufmann og hans assistent / komponist Peer Raben), filmen følger titulær motedesigner (Margit Cartensen) når hun forelsker seg i den vakre Karin (Hanna Schygulla), mens hun plager hennes hengivne assistent Marlene (Irm Hermann). Det er ubeskadig campy (oversettelsen fra 2005 til opera var uunngåelig), og nikket til Fassbinders elskede Douglas Sirk (helmeren besøkte til og med veteranregissøren hjemme i Sveits på et tidspunkt) og 'All About Eve' (filmens regissør Joseph Mankiewicz får en navnesjekk på et tidspunkt), men den er også uttrykkelig siterbar og helt gripende. Delvis takket være DoP Michael Ballhaus (som ville fortsette å skyte “The Last Temptation of Christ”, “Goodfellas” og “The Departed” for Scorsese, blant mange andre Hollywood-prosjekter), det fungerer der så mange teatralske tilpasninger mislykkes: snarere enn stagy, det føles nesten umulig klaustrofobisk, ettersom karakterenes bitre, ubesvarte kjærlighetsforhold feller dem i leiligheten som kameraet aldri forlater. Skuespillerne er også overraskende, spesielt Fassbinder favoritter Cartensen, helt uredd, og Hermann, som stjeler showet i en tilnærmet lydløs forestilling. Den seksuelle politikken kan være problematisk for noen, men det er ingen tvil om at det var nær regissørens hjerte, og ingen overraskelse at det ble en av hans første filmer som brøt ut for et internasjonalt publikum. [EN-]

“Ali: Fear Eats the Soul” (1974)
Fassbinder møtte Douglas Sirk på filmmuseet i München i 1971, hvor han også så seks av filmene sine. Den opplevelsen ville endre måten Fassbinder så og laget filmer. Sirk's “; All That Heaven Allows ”; ga inspirasjonen til “; Ali: Fear Eats the Soul, ”; som i dag forblir Fassbinder mest kjente film (ikke beryktet for en gangs skyld), som fortsatte med å inspirere Todd Haynes ’; “; Far From Heaven. ”; Ingen Fassbinder-film formidler sitt budskap om sosiale hverdagsdager like veltalende som “; Ali: Fear Eats the Soul. ”; Den grunnleggende forutsetningen er enkel: middelaldrende tyske enke, Emmi, møtes tilfeldig og ganske kort tid etter gifter man seg med Ali, en arabisk mann hun møter i en bar etter å ha fått ly mot regnet. Den første halvdelen av filmen fokuserer på hvordan Emmys familie, naboer og arbeidskamerater takler hennes andre ektemann og fargen på huden hans, negativt i begynnelsen og deretter skiftet mot aksept. Den andre omhandler mer Ali's reaksjon på deres plutselige aksept, som bringer sitt eget sett med kompromisser for ham, og konflikter med Emmi en gang skjult av deres gjensidige solidaritet mot rasisme dukker også opp. Fassbinder, aldri en for konkrete konklusjoner eller enkle svar etterlater oss med en bittersøt slutt med elskere gjenforent, men problemene som delte dem uløste. [EN]

'Martha'(1974)
Nok et Sirk-ian drama om innenlands ulykkelighet - hovedpersonen gir til og med ut 'Douglas Sirk Road' som hennes adresse på et tidspunkt - som mange Fassbinder-melodramas, plasserer 'Martha' den titulære kvinnelige naiven i en situasjon med følelsesmessig nød og gjør oss deretter se, surrende hjelpeløst, mens hun blir satt gjennom eskalerende kriser og disabused, praktisk talt brutalisert, av alle romantiske forestillinger. En film som kunne ha blitt sarkastisk med tittelen 'The Good Wife', melodramaen sentrerer om Martha (Margit Carstensen) som går fra en dårlig situasjon til en annen, og uten tvil kan kalles en dyster studie både i grusomhet og i evnen til menneskelig underkastelse. Mens hun er på ferie med henne i Italia, dør Martha ’; s kontrollerende far plutselig av et hjerteinfarkt, og hun blir tvunget til å reise hjem til Tyskland og ta seg av moren: en alkoholisert spinster og en grotesk, opprørende menneske på alle nivåer som prøver selvmord av pille overdose når som helst Martha prøver å gjøre noe mot hennes ønsker. Befrielse tilsynelatende kommer i form av Helmut (‘ 70-tallet Fassbinder vanlig Karlheinz Böhm får en saftig blyrunde), en kjekk og velstående herre som vil gifte seg med henne og vispe henne bort. Det hele høres bra og bra til Helmut avslører sine sanne farger som en sadistisk, dominerende sosiopat. Vi har sett denne historien utallige ganger i Hollywood - vanligvis B-thrillere med hovedrollen Tom Berenger eller Patrick Bergin - men 16 mm TV-film fra Fassbinder er ingen skive med underholdning om kvelden; Det er en straffende øvelse når Martha fortsetter å blø i hendene på hennes voldelige, tyranniske drittsekk til en ektemann. Etter hvert blir hennes ydmykende kapitulasjon til paranoia og deretter nær forringelse som ender tragisk. Det er ikke alltid like lett å se på, men det er en kuttende kronikk av innenlandske overgrep gjennom Fassbinders eget forsterkede inntrykk av Hollywood & 50s melodrama. [B]

beste tv-show noensinne

“; Fox og hans venner ”; (1975)
Selv om det er kjent som et hyperproduktivt flerfenfenat, er det lett å glemme at Fassbinder også av og til var en skuespiller som dukket opp i mer enn et halvt dusin av sine egne filmer (men ofte bare i små, ukrediterte deler). I “; Fox And His Friends, ”; forfatteren / regissøren tok på seg en sjelden hovedrolle og la så mye vekt som mulig for å spille den magre og alvorlige, uutdannede og arbeiderklassen Franz “; Fox ”; Bieberkopf (selvfølgelig navngitt for hovedpersonen i 'Berlin Alexanderplatz', som Fassbinder senere ville tilpasse seg - se nedenfor). Etter å ha vært vitne til den mannlige kjæresten hans bli kastet i fengsel for skatteunndragelse og derfor mistet sirkusjobben, mener Bieberkopf lykken har snudd og ved hjelp av en eldre homofil bekjent, løp for å kjøpe lotto som vil vende formuen hans. Skjebnen eller klarsynet er på hans side og Fox vinner rundt tilsvarer $ 350 000 amerikanske dollar. Men når han kommer inn i store penger, finner han seg plutselig å holde selskap med velstående overklasse av homofile snobber. Han kobler seg snart sammen med den skruppelløse Eugen (Peter Chatel), en prissig, priggig og hyperkritisk sønn av en velstående industrimann som dropper kjæresten sin som en dårlig vane når den kontante flushen Fox ruller inn i hans krets av “; venner. ” ; Inerudite Fox er raskt introdusert til en polert verden med rikdom og påvirkninger, og er både over hodet og bedyrmet av Eugen's overdådige miljø. Med Fox så ivrig etter å behage, og Eugen så villig til å ta imot sin nyvunne rikdom, begynner flukten raskt. Skutt på Fassbinder er tradisjonelt arbeidslivsmessig måte, tempo og redundans er et spørsmål ettersom regissøren bruker to timer (som føles som 2 ½) på å minne publikum om hvor naiv Fox er og hvor dårlig Eugen utnytter ham. Uten tvil er et drama som sier at grådighet og bedrag ikke er umoralsk oppførsel eksklusivt for heterofile, det ironisk med tittelen “; Fox And His Friends, ”; har sine nevnte problemer, men er fortsatt et snitt og til slutt tragisk blikk på hvordan penger deler seg. [B]

“; Frykt for frykt ”; (1975)
Medvirkende i Fassbinder-troppen-vanlig Margit Carstensen, også stjernen til “De bitre tårene til Petra Von Kant”Og“Martha, ”Dette skreddersydde psykologiske dramaet handler om en husmor i arbeiderklassen som begynner å komme med symptomene på en eller annen psykisk sykdom som ligner på schizofreni. Når hennes forstyrrelse (og frykt) vokser - begynnelsen av sykdommen vil sannsynligvis forårsake panikk hos ethvert menneske - hennes omsorgsfulle, men til slutt ineffektive ektemann viser seg ubrukelig og hennes grensemishandlende stedfamilie gjør lite mer enn å peke fingre på henne ”; rart ”; oppførsel. For å gjøre vondt verre, blir hun fulgt av en annen psykisk syk mann i nabolaget hennes (det skumle Kurt Raab, som spilte hovedrollen i 31 av Fassbinder ’; s bilder), som ser ut til å ha en slags psykisk forbindelse til henne: han forstår unødvendig at hun sakte blir gal. Hjelpeløs, hun henvender seg til alkohol, valium og en pervy lege (Adrian Hoven) villig til å fylle resepten hennes, hvis du får vår drift, og den stakkars kvinnen glir raskt over i full avhengighet - alt for å berolige den smertefulle forståelsen av å gå ned i sinnssykdom. Klart laget for TV, med sin episodiske fortelling og klumpete åpning, mens “; Fear of Fear ”; truer med å bli en etterskolespesial for farene til husmødre med psykologiske problemer, til slutt stiller TV-filmen sammen og blir ganske slående å se på smerte, likegyldighet og kaldhet. [B]

“;Mor Küsters 'tur til himmelen”; (1975)
Når en stille og upretensiøs far går på post ved sin kjemiske fabrikk - myrder en mann og begår selvmord når massive permitteringer vevdes opp - blir en mild tysk familie revet og ødelagt av nyheten. Forverrende problemer er et invasivt tabloidmedium som synker som så mange skrubbsultige gribber, som utnytter den ødelagte familien for alt de er verdt både i kontekstforvrengende sitater og manipulerende fotoopps. Saker forverres med hjemkomsten til Corrina, familiens farlige datter (Ingrid Caven) som skamløst bruker tragedien for å promotere sangkarrieren hennes ved å sove med en av journalistene som dekker historien. En av Fassbinders mer politisk ladede innsats, den andre siden av den ulykkelige utnyttelsen kommer fra kommunistpartiet, og maskerer seg som en snill, velvillig styrke i det ensomme matriarkets liv, men bare bruker familiekatastrofen til hennes “undertrykte proletariat-mann” for sin egen agenda. Filmen har to avslutninger; den ene er dristig og tragisk (detaljering av Mother Kuster ’; s død når hun faller inn med en gruppe anarkister i tekst over en fryseramme av hennes ondskapsfulle ansikt), og den andre (den amerikanske versjonen) kroniserer skjebne og nytteløshet (anarkistene gir opp sit-in for å forsvare mannen sin som smører seg i tabloidene, men hun møter en eldre herre som antyder en gnist av håp). Med mange Fassbinder gjengangere inkludert kvinnelige steinvorter Margit Carstensen, Irm Hermannn (19 Fassbinder-filmer til hennes ære) og de alltid fantastiske Brigitte Mira (stjernen i ‘ Ali: Fear Eats The Soul ’;) som den selvbetegnede moren, Fassbinder & ssardonisk mørke drama fungerer som en skurrende kritikk av selvtjenende opportunister i hver stripe og av det blodtørstige media, mens hun spør om en følelse av anstendighet eller skam eksisterer i dagens samfunn. [B +]

'Jeg vil bare at du skal elske meg'(1976)
Skudd for TV og bruker merket av begrensede midler og omfang, Fassbinder 's docudrama som sentrerer seg om en manns søk etter godkjenning er ikke mindre effektiv enn noen av hans sterkeste arbeider. Peter er en ung mann som er desperat etter å sørge for sin kone og barn, mens han også lever opp til forventningene til foreldrene, men i en jevn streame av grusom ironi, fortsetter flaks å forlate siden hans, ettersom stigende gjeld og uendelige favoriserer plasserer ham i det ene hullet etter det andre. Gjennom det hele gjentar Peter tittelen mantra, som en måte å komme seg igjennom dagen, snart glemsk når det gjelder hvem han ’; s faktisk snakker. Den delikate balansen i hverdagslivet til Peter slipper naturlig gjennom en spiral av dårlige avgjørelser som viser seg dødelige, alt sammen i et intervjuinnrammingsapparat som setter en svart humoristisk hette på hans egen eksistens. Selv om Fassbinder er nedstemt fra sitt vanlige arbeid, jobber han i kjent territorium, og listen over indigniteter gjør det mulig å fange flere dystre, iøynefallende tabluer på film, i tjeneste for en historie om en mann som rett og slett aldri kan finne godkjenning . [EN-]

'Om et år på 13 måner”(1978) - MZ
Fassbinder må ha vært glad i Armin Meier, for få regissører ville tørre å lage en film som koker ned til personlig eksorsisme. Et år med 13 måner stave trøbbel for hovedpersonen Elvira (Volker Spengler), og veien snubler for å gjenforenes med Anton Saitz (Gottfried John). Anton finansierte Elviras kjønnsskifte (hun var en gang en slager ved navn Erwin, en forsettlig tilbakeringing til Meiers yrke), men ønsker ikke å akseptere den ny døpte kvinnen som noe annet enn Erwin. “; I et år med 13 måner ”; er en utholdenhetstest, med flere fremtredende sekvenser, ett sett i et slakteri og et annet en utenfor-venstre-felt-dansesekvens. Spengler er også overbevisende, og uttrykker Elviras personlige skjærsild hvor hun blir akseptert av ingen av de menneskene hun ønsker og ikke finner ro fra kampene, bare strid og hat. Uansett hvilke følelser Fassbinder hadde blandet seg med sorgen etter Meiers selvmord, er de innebygd i denne filmen, og er bemerkelsesverdig for regissørens fortsatte mestring over kameraplassering og kanskje en overdreven avhengighet av allegori. Som de beste Fassbinder-filmene belønner denne pasientviseren og har samlet en ganske kjærlig kult 30 pluss år etter starten. [B]

“; Ekteskapet med Maria Braun ”; (1979)
Den første i Fassbinder & BRs (Bundesrepublik Deutschland) Trilogy, som omhandler tre forskjellige kvinner som tar seg til rette i et Tyskland etter 2. verdenskrig, og manuset gikk gjennom flere hender og utkast fra Fassbinders originale urealiserte TV-prosjekt “The Marriage of our Parents” . Fassbinder jobbet allerede med manuset til det episke 'Berlin Alexanderplatz' da skytingen begynte på 'Ekteskapet med Maria Braun', og han fortsatte å skyte i løpet av dagen og jobbet hele natten med manuset til sitt neste prosjekt. Ryktene har til orde for å opprettholde denne arbeidsplanen Fassbinder konsumerte store mengder kokain, og dette var hovedgrunnen til at filmen gikk over budsjettet - Fassbinder ’; s største, men fremdeles under en million dollar. Selvfølgelig forårsaket dette problemer med finansmenn, produsenter og mannskap, noe som førte til rift i mange av hans langsiktige kreative partnerskap, inkludert de med kinematograf Michael Ballhaus og produsent Michael Fengler. Making “; Ekteskapet med Maria Braun ”; var sannsynligvis ikke den største perioden i Fassbinder ’; s liv, men filmen viste seg å være en av hans mest vellykkede og oppfylte ønsket om å lage en tysk ekvivalent til en Hollywood-film. Med hovedrollen i Hanna Schygulla som Maria (hun vant Sølvbjørnen for beste skuespillerinne i 1979), en kvinne hvis forhold til mannen sin, Hermann, konstant blir hindret av omstendigheter - eller rettere sagt lyst, stolthet og grådighet som uunngåelig fører til vold, grusomhet og ødeleggelse. Fassbinder maler et bilde av et umettelig og upåaktet Tyskland, innbyggerne (de overlevende) er skadede varer, både moralsk og følelsesmessig forvrengt fra sine opplevelser. Som enhver god Hollywood-film ender den med en stor eksplosjon - som enhver god Fassbinder-film, er betydningene og motivene bak den åpen. [EN]

“Berlin Alexanderplatz” (1980)
Ja, vi har sett det. Ja, alt sammen. Ja, det er isbreite steder, og riktignok hardt arbeid. Og ja, det er absolutt verdt å gjøre det på et tidspunkt i livet ditt. Fassbinders 14-delers, 930 minutters laget-for-TV (men teatralsk utgitt i USA) -eposet har et fryktelig rykte, helt fortjent (spesielt den ugjennomtrengelige, passe glimrende, tidvis øye-rullende epilogen), mest fordi den uten tvil er så nær en roman som kinoen noen gang har fått. En rett oversettelse av plottet ville ha vært langt kortere, men Fassbinder, en rabiat fan av kildematerialet fra 1929 (av Alfred Doblin), digrer og dveler, strekker og gjentar ørsmå, intime øyeblikk, med varemerke lange, ubrutte tar, i en måte som sakte bringer deg inn i psyken til hovedpersonen Franz Biberkopf (en forbløffende forestilling av Gunter Lampretcht), og faktisk psyken til en nasjon i uro (etterpåklokskap gir Fassbinder tillatelse til å bruke Biberkopf som en metafor for Tyskland mellom krigene, og legger opp til uten tvil en av hans mest politiske filmer. Og selvfølgelig føles det alltid som en Fassbinder-film, spesielt i hans tindring med heltenes forhold til Reinhold (Gottfried John), som får alle slags homo-erotiske undertoner fraværende i romanen. Mer enn noe er det imidlertid en tragedie; en eks-domfelt, desperat etter å gå rett, kan bare ikke slippe unna. En gammel historie, for å være sikker, men en som aldri har blitt fortalt med så mange detaljer. vaklende øyeblikk gjennom hele, og forferdelige, ikke mer enn i den epilogen, som ser Fassbinder i hovedsak dekonstruere (hjulpet av Lou Reed og Kraftwerk-spor) de tretten timene du nettopp har satt deg gjennom. Det er både irriterende og berusende, og en passende capper for hele den enorme sagaen. Arkiver den med 'Krig og fred' og 'Infinite Jest' som noe å fange opp under en lang ferie eller fengselsstraff: du vil absolutt ikke angre. [B]

'Lili Marleen' (1981)
Uoverkommeligheten av sosiale barrierer, og krigen mellom privat ønske og offentlig image, er stifter av den sirkiske melodramaen Fassbinder emulerte gjennom sin siste karriere. Så som bakgrunn, Nazi-Tyskland, en undertrykkende totalitær stat der private liv ofte ble forspilt for den politiske maskinen, og raser, kjønn og nasjonale barrierer ikke bare ble forsterket, men kodifisert til en etos som gjennomsyret alle aspekter av livet, må representere en slags melodrama-jackpot. Merkelig, da, at 'Lili Marleen,' en historie fra den andre verdenskrig om den forbudte kjærligheten mellom en tysk nattklubbsanger og en sveitsisk jødisk dirigent, skulle ende en så uovertruffen affære: stykkene er alle der, og følelsesregisteret på skjermen fra toppene av ekstase til dypet av suicidal fortvilelse, som man kan forvente, og likevel føler vi aldri mye av noe i det hele tatt. Fassbinder regelmessige Hanna Schygulla-opptredener som den sentrale Willi er en del av problemet, som kommer ut som underlig schizoid - reaksjonene hennes, mens de passer for mye, er ofte upassende til det uforståelige. Og uten den slags tragiske empati de store heltinnene i denne sjangeren greier å skape, er det vanskelig å ta vare på den pragmatiske, selvopptatte, narsissistiske Willi (vi er ikke engang sikre på at hun ville være moralsk imot nazismen hvis det ikke gjorde det ' t hindre henne fra kjæresten) spesielt når det som gjør henne berømt er hennes ganske underholdende gjengivelse av titulærlåten. Filmen er ikke dårlig, nøyaktig, dens frodige kostyme og duggfrie fotografering med myke fokus treffer merket, og det er øyeblikk av plutselige, rare surrealistiske forhold (den berusede sekvensen i det luksuriøse hvite huset, en uniformert nazist som kommer på scenen via et lysbilde) som fryder ting umåtelig. Men det er også tidspunkter hvor disse eksperimentelle foraene ikke lønner seg (den uendelig tilbakeførte scenen der Willis elsker blir torturert med ufullstendige snatches av sangen uendelig gjentatt, legger utilsiktet ironi på toppen av forsettlig som vi, publikum, ber for at den jævla tingen også skal stoppe) og til slutt ingenting kan distrahere fra tomheten i filmens hjerte. Det er her en ekte kvinne, eller i det minste melodramas overdrevne versjon av en ekte kvinne, og noen vi kan bry oss om og bli involvert i, skal være. [B-]

'Lola' (1981)
Fassbinders fetisj for utsøkt iscenesatt Sirk-ian melodrama, en besettelse i det minste en del av karrieren, er godt dokumentert, så hvis man vil se bildet som sannsynligvis surret opp Fassbinder mest (og sannsynligvis også hadde innflytelse på Todd Haynes‘Lignende Sirk-proclivities), det er den frodige, godterifarvede og overdådige“ Lola. ”En annen BRD-trilogifilm satt i andre verdenskrig, Vest-Tyskland, filmstjernene Barbara Sukowa og den store Armin Mueller stål ( 'Natt på jorden, ''Østlige løfter“), Og sentrerer om en from byggekommissær som ønsker å utrydde korrupsjonen som foregår i virksomheten til lokal byggherre (Mario Adorf). Etter hvert som han samler bevis mot byttet sitt, møter den rette pilen mannen seg og blir til slutt forelsket i tittelen Lola (Sukowa). Følgelig sjokkerte han seg for å vite at hun er en prostituert og kabaretsanger i en lokal bordell. Ikke bare det, hun er leken til Schukert, den skjeve konstruksjonsmagnaten han prøver å velte. Mens han nå har all ammunisjonen han trenger, unnlater Mueller-Stahls Von Bohm å forene sin rettferdige plikt med sin begjær for den hente kvinnen, i stedet for å bli bytte for forførelse og snart til fristelsene til penger og makt. I Fassbinder ’; s absorberende moral fortelling, ser vi på at en ærefull mann blir den veldig sjofle tingen han forsøkte å kjempe mot. Et mørkt, men likevel subtilt satirisk nikk til kapitalismens overbevisende sjarm, som vanlig føler Fassbinder ikke noe behov for å understreke eller understreke det åpenbare, vi ser dette vakre skuddet falle fra nåde og enhver dom er vår egen. [EN]

“Veronika Voss” (1982)
Løst basert på den sanne historien om Sybille Schmitz, en tidligere nazistjerne, hvis stjerne bleknet etter at Det tredje riket smuldret - begikk hun selvmord som en ensom gammel relikvie som nasjonen heller snart vil glemme - den fengslende og frodige “;Veronika Voss”; er Fassbinder på høyden av kreftene sine og dessverre er det hans nest siste film. Det er hans “;Sunset Boulevard”; og “;Borger Kane”; bokstavelig og figurativt ettersom begge filmene ligner det stilige, svart-hvite bildet med høy kontrast som viser tydelige spor etter den overdådige Hollywood-filmskapningen på 1950-tallet. På en mørk, regnbløt kveld, den ubalanserte og melodramatiske Voss (Rosel Zech) møter og blir venn med en empatisk sportsforfatter (Hilmar Thate) som interesserer seg for sin falmede historie. Den velmenende forfatteren oppdager snart den uberegnelige og ofte desperate tidligere stjernen blir støttet opp av en skruppelløs “; dr. Feelgood ”; -lignende lege (Annemarie Düringer), som overherer henne - som driver drivstoffets usikkerhet med en kontrollerende dose opiater, men bare hvis hun kan pony de ublu kostnadene. I mellomtiden risikerer den selvoppofrende forfatteren sitt eget forhold til å redde den aldrende oppfinnelsen, men til ingen nytte. Etter å ha lenge søkt anerkjennelse i Tyskland - foraktet provinsielle medier generelt hans alltid siterbare “; enfante forferdelig ”; mien - Fassbinder fikk endelig hjemmelaget kjærlighet da dette bildet med rette vant Gullbjørnen på den 32. Berlin International Film Festival. [EN]

Og resten: Tre shorts gikk foran “Kjærlighet er kaldere enn død”; 'Denne kvelden', som er tapt, 'Byens tramp' og 'Det lille kaoset.' Deretter ble det etterfulgt av 'Katzelmacher,' som grovt oversetter som 'Cock Artist' - ikke, som tittelen antyder, om Warren Beatty, men en tilpasning av Fassbinders skuespill, om en gresk innvandrer (spilt av filmskaperen selv). 1970 brakte 'Gods of the Plague' og 'The Coffee House' (sistnevnte bare en TV-innspilling av hans produksjon av Carlo Goldonis skuespill), mens året ble toppet med 'The Niklashausen Journey', co-regissert med 'Herr R . 'samarbeidspartner Michael Fengler.

Dette ble raskt fulgt av 'Rio Das Mortes' og 'Pioneers in Ingolstadt,' begge laget for TV, mens 'Whity' er en av de mest ansete filmene vi ikke fikk se. “The Merchant of Four Seasons” fulgte ‘Holy Whore’, og blir sett på som en av regissørens aller beste, selv om den gled mellom sprekkene for oss. 1972 hadde en annen teater-til-TV-oversettelse, 'Bremen Freedom', den 5-delte TV-serien 'Eight Hours Are Not A Day', mens 1973 brakte 'Wild Game' (basert på Kroetz-skuespillet), og den nevnte 'World on a Wire, ”som vi dekket i detalj forrige uke. Det ble fulgt av 'Nora Helmer', en versjon av Ibsens 'Et dukkehjem' for TV.

Den svart-hvite “Effi Briest” er en annen flott som vi ikke hadde tid til å dekke, mens 1975 brakte den korte “Like A Bird on a Wire” (uten forbindelse til Goldie Hawn-kjøretøyet, overraskende…). 1976 ga oss 'Satan's Brew' og 'Chinese Roulette', mens 1977 hadde 'Women In New York' og 'The Stationmaster's Wife', begge laget for TV, mens han regisserte et segment av omnibusen 'Germany in Autumn' året etter. .

“Despair” var hans nærmeste flørt med mainstream, og tilpasset en Nabokov-roman med et Tom Stoppard-manus (på engelsk, ikke mindre), med hovedrollen i Dirk Bogarde, mens 1979 brakte “The Third Generation” en terrorismesvart komedie med Eddie Constantine, stjerners 'Alphaville.' Til slutt gjorde han sin eneste satsning på dokumentar med 1981's 'Theatre in Trance', og avsluttet karrieren med 1982s 'Querelle', en annen engelskspråklig film, basert på Jean Genets roman og med hovedrollen i Franco Nero, Jeanne Moreau og “Midnight Express” leder Brad Davis.

- Rodrigo Perez, Christopher Bell, Sam Chater, Gabe Toro, Mark Zhuravsky, Jessica Kiang, Oliver Lyttelton

Topp Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funksjoner

Nyheter

Fjernsyn

Toolkit

Film

Festivaler

Anmeldelser

Awards

Billettluke

Intervjuer

Clickables

Lister

Videospill

Podcast

Merkeinnhold

Awards Season Spotlight

Filmbil

Påvirkere