Retrospektiv: Filmene til Francis Ford Coppola

Uten tvil er en av de viktigste amerikanske filmskaperne i mediumets historie Francis Ford Coppola. En tredje generasjon italiensk-amerikansk, Coppola studerte ved UCLA og var en av mange regissører i tiden som kom opp under B-film maestro Roger Corman før han ble omfavnet av det filmatiske etablissementet etter å ha vunnet en Oscar for å ha skrevet sammen “Patton”Og regissere megahit“Gudfaren, ”Ofte kåret til en av de største filmene noensinne.



Med den bragden ble Coppola den første blant filmpratene, som inkluderte venner som George Lucas og Steven Spielberg, for å oppnå stor suksess resten av 1970-tallet, med to Best Picture Oscars (pluss nok en nominasjon), og to Palme D’or-trofeer på Cannes. 1980-tallet var mer blandet, og 1990-tallet til og med moro, før Coppola tok en lang pause fra filmskaping (selv om den fremdeles sto som scion for en filmskapende familie som inkluderer barn Sofia og Roman, nevøer Nicolas Cage og Jason Schwartzman, og barnebarn gia), før han kom tilbake på slutten av 2000-tallet med noe dristig eksperimentelt arbeid.

Få regissører har hatt så varierte, svulstige og fascinerende karrierer, og med Coppola fylt 75 år i år og en av hans fineste prestasjoner, 'Gudfaren del II, ”Fylte 40 år neste måned, virket det som det perfekte tidspunktet å gjøre noe vi har ønsket å gjøre for alltid: nemlig å se tilbake på arbeidet sitt i detalj. Nedenfor finner du gaven vår til deg i høsttakkefesten: retrospektivet til filmene til Francis Ford Coppola. Gi oss beskjed om favorittene dine i kommentarfeltet.



'I kveld For Sure'(1962)



Enhver filmskaper trenger å starte et sted, og noen starter er mer beskjedne enn andre: for hver “Reservoir Dogs,' det er en 'Piranha 2. ”Coppolas første offisielle regissørkreditt, 1962s“I kveld For Sure”(Laget da han bare var 22 år) er bestemt i den senere kategorien, et knirkende times langt billigo sexploitasjonsbilde som ikke en gang vagt antyder de filmproduksjonene som kommer. Medskrevet, produsert og regissert av Coppola (med faren Carmen scoringen og fremtidig Tarantino-favoritt Jack Hill, helmer of “Switchblade Sisters,”Tjener som DP), det er en unnskyldning for å vise så mange bryster som mulig, innrammet rundt en cowboy og et høyere samfunn som slår seg sammen for å legge ned en burleskeklubb, som forteller historier om synd og synd når de sitter i klubben. og vent til bomben blåser. Innrammingen av et mykpornobilde rundt to helter av Moral Majority-typen er en ganske morsom en, men dette er absolutt en regissør i begynnelsen av karrieren: skudd og scener går på vei lenger enn de burde, fotografiet er ganske svakt og budsjettet er i beste fall minimalt. Fair play til Coppola for å dra nytte av en mulighet og få til noe som er laget, men dette har knapt noen verdi som en kurio for de harde Coppola-fansen. [F]

'Demens 13'(1963)

Hammy, dårlig skrevet og tilsynelatende kastet sammen på en våt tirsdag da det ikke var noe på TV, selv ikke etter slipshod-standardene til Roger Corman fabrikk / sweatshop / grobunn for auteurs fra 1970-tallet, “;Demens 13”; er en tydelig middels innsats. Bortsett fra den splashy tittelsekvensen, som er ganske bra, men ikke har noe med filmen å gjøre, er til og med skremmende gleder tynne på bakken her, og det vil ta mer målbevisste auteurister enn vi er i stand til å finne for mange skyggende spor. av begynnende stil med Coppola, bortsett fra kanskje noen få pene atmosfæriske blomstrer. Samskrevet av fremtidig utnyttelsesdirektør Jack Hill (“;Foxy Brown”; “;Cofarfay”; —Har du lest funksjonen vår på kick-ass filmhelter?), Føles denne filmen absolutt mer av et stykke med det nivået av billigere enn med “;Gudfaren”; selv om den har noen få øyeblikk mellom den klangete, repeterende dialogen og overflødige karakterene (det er en andre blondine der fortellende funksjon bokstavelig talt er umulig å skille) og handlingen gir rom for et par halvveis anstendige skremmer. Detaljene om en voldsom kvinne planlegger å glede seg med sin avdøde ektemanns velstående familie i Irland og hennes forsøk på å bruke de nifs omstendighetene rundt et elsket barns død som et middel til det før hun oppdager at en drapsmann fremdeles er i det store og hele , antar vi at du kan beundre “; Demens 13 ”; for å ha ballene til å drepe sin tilsynelatende hovedperson “;Psykopat”; -stil halvveis gjennom, og for den nye måten klarer den å jobbe i litt halvnakenhet. Ellers er det ganske knirkete ting, og stort sett en for Coppola-komplettere, Corman-hengivne eller de som er interessert i gimmicky markedsføringsteknikker (lånetakerne ble bedt om å sitte D-13-testen og hvis de mislyktes, vil vi bli bedt om å forlate teatret !!), men på 75 minutter kan det knapt overgå sin velkomst. [C]

“Du er en stor gutt nå” (1966)

Passende tittel for en film som markerte regissørens inntreden i mainstream, 'Du er en stor gutt nå”Har en vinnertillit som markerer det som noe annerledes enn arbeidet som kom før, selv om det fremdeles skulle komme mye bedre. Basert på romanen av den britiske forfatteren David Benedict og opprinnelig laget som sin UCLA-avhandling før han ble plukket ut for distribusjon av Warner bros, filmen er en slags kommende alder av sexkomedier om Bernard (Peter Kastner), en undertrykt ung mann som er lurt av sine overbeskyttende foreldre (Rip revet og en Oscar-nominert Geraldine Page), og revet mellom en vakker skuespillerinne (Elizabeth Hartman) og en fin jente (Karen Black). Infusert med en motkulturell ånd som predated, men ble overskygget av filmer som 'Avgangseleven, Særlig takket være en smattering av sanger fra The Lovin 'Spoonful, det er en interessant blanding av old-school-skruballkomedie og britisk / fransk New Wave-påvirket stil: selv om Coppola ikke hadde funnet sin egen regissørstemme ennå, er det en swagger til filmen, ikke minst i et knakende åpningsskudd som introduserer Hartman i en knall gul kjole. Forestillingene er den største takeawayen: Kastner (en dobbel for MAD Magazine-maskot Alfred E. Neumann) gjør en tiltalende hovedrolle, Page er nevrotisk minneverdig, og Julie Harris er utmerket som Bernard's utleier. Langt fra en klassiker, men absolutt begynnelsen på Coppola vi ble kjent med og elsket. [C +]

“Finian's Rainbow” (1968)

Gode ​​varsler og surr rundt “Du er en stor gutt nå”Så Warner Bros. ansette Coppola for å regissere deres tilpasning til 1947-scenen'Finians regnbue, 'En film som viste seg å være en av de siste etter inn-Sound Of MusicBølge av dyre, langvarige roadshow-musikaler. Det var en merkelig passform (hovedsakelig fordi de trodde at Coppola ville være billig), og resultatet er forutsigbart rart og neppe en suksess, spesielt ikke økonomisk, men du kan absolutt få noen gleder av det. Den snoede komplottet, som involverer en irsk innvandrer far-datter-comboFred Astaire, tilbake til filmmusikaler for første gang på elleve år, og Petula Clark), en leprechaun kalt Og (Tommy Steele) forfølger en magisk gryte med gull, og en rasistisk senator (Keenan Wynn) ble til en svart mann for å kurere ham for sin rasisme, er både vinnende og progressiv og dessverre datert. Men det er en lignende urolig dikotomi som filmen som helhet: Coppola ønsket å smelte sammen de nye fangede følelsene sine med en hyllest til Minnelli og Demy, Warners ville bare at han skulle fortsette og skyte tingen, og resultatet er veldig ujevn, minst tretti minutter for lang, og noen ganger dødelig kjedelig - spesielt fordi det mangler anstendige sanger. Det er definitivt gnist på steder, spesielt når den fremtredende smekkbare Steele er på skjermen. Men så ofte - med Clarks lysende forestilling, med sjansen til å se en 69 år gammel Astaire fremdeles skinne, et nyvunnet sårbarhet i hans en gang superheltiske trekk takket være hans alder, med Coppolas dypt følte innvandring til USA, med et genialt togskudd som er en av denne forfatterens favoritt noensinne - filmen børster mot storhet. Regissøren er ganske nede på filmen, i hvert fall i følge hans DVD-kommentar, men han er en hard touch på seg selv. [C +]

john hørte sopraner

“; The Rain People ”; (1969)

Et godt utgangspunkt for de som ønsker å spore Coppola's nye historiefortellestyrker, “;Regnfolket”; er synlig som arbeidet til samme Coppola som bare noen år senere skulle begynne å knuse alle de som sto foran ham i den amerikanske filmindustrien med et angrep av mesterverk … den samme Coppola vi desperat ønsker var fremdeles i dag. Historiene bak kulissene bak dette bildet er nesten blitt større enn selve bildet, spesielt noe om hvordan George Lucas hang rundt på settet og filmet en dokumentasjonsfilm kalt “;filmskaper”; (for øyeblikket dessverre ikke tilgjengelig) som Coppola senere vil kalle bedre enn sin egen film, så det er lett å glemme hvor høye “The Rain People” faktisk står på sine egne ben. En av Coppolas eneste originale manus, filmen er en innsiktsfull skildring av en engasjement-fobisk husmor som gjennomgår noe av en identitetskrise da hun er på grensen til å bli mor. Shirley Knight spiller hovedpersonen det gjelder, Natalie, som på sin vei gjennom selvoppdagelse henter James Caan’; s hjerneskadet heisløfter og blir i sin tur plukket opp av bare vanlig skadet veimann Robert Duvall. Ingen tvil om at det er grovt rundt kantene og den brå slutt avslutter Natalies bue ganske flippende, men med en sulten rollebesetning av slikt kaliber og et ganske originalt tema for sin tid, gir vi 'The Rain People' to sikre tommelen opp. Hvis det ikke er noe annet, kan du se det som et eksempel på den eneste måten flashbacks skal brukes i filmer, og en øvelse i å bygge en intim atmosfære. [B]

'Gudfaren'(1972)

Var Hollywood for å konstruere en slags kvasi-Mount Rushmore av uangripelige studioklassikere, sikkert “;Borger Kane”; “;Casablanca”; og denne massivt suksessrike episke gangstermelodramaen ville ta opp tre av de fire sporene. Rir høyt etter å ha vunnet sin første Oscar for medskriving av 1970 ’; s “;Patton”; Coppola hadde nok cachet til å bli vurdert av overordnet - selv om han ikke var studioets førstevalg - for det store budsjettet Mario Puzo’; s bestselger. Selv om en tidlig hinder var filmskaperens egen lette motvilje: Coppola selv var ikke død for å lage bildet, men da han fant et personlig tematisk inngangspunkt, tok han det på seg likevel. Og dermed leverte han den episke sagaen fra Corleones, som uten tvil vil sitte for alltid i spissen for bordet til kinoens legendariske kriminelle familier. Og med god grunn. Selv om noen smarte kritikere har tappet tappert for en revisjonist, er mye mindre utbredt ta på seg “;Gudfaren”; Arven vil vare ut av mange grunner, sjef blant dem Marlon Brandoer uendelig imitert, sent-karriere-definerende tilstedeværelse, men også fordi det er en slik sjeldenhet i studiofilmskaping: laget for voksne, men tilgjengelig for alle, kunstig konstruert på hvert eneste produksjonsnivå, episk og allikevel dypt personlig, begge sin tid (tiden den ble laget, og tiden den er satt) og helt tidløs. Det er synd at slutten av den auturdrevne 70-tallet Hollywood hadde begynt å fokusere mer intenst på å finne den nye “;Stjerne krigen”; i stedet for å skape forholdene som vil føre til den neste ‘ Godfather ’ ;, men suksessfull suksess skjønt “Gudfaren”Var, lite kunne sammenligne med Lucas’ western-rom med tanke på billettsalg, og dermed går filmhistorien. Uansett hva, så vil vi alltid ha dette mesterverket, hugget inn i Mount Rushmore fra filmhistorien. [A +]

'Samtalen'(1974)

Intelligent, elektrisk og dypt, dypt foruroligende, “;Samtalen”; selv om det sjelden er den første tittelen noen omtaler i forbindelse med Coppola, er den absolutt på nivå med de to første “;Gudfaren”; filmer, noe som gjør det til en av de største amerikanske filmene på 1970-tallet. Noe som igjen gjør det til en av de største amerikanske filmene gjennom tidene. Det er ikke bare et ekstraordinært ytelsesstykke, med en sentral tur fra Gene Hackman som den (stadig mer forsvarlig) paranoide hovedpersonen som rangerer blant skuespillerens fineste øyeblikk, men en knitrende høyspennings-konspirasjonsfilm gitt ekstra resonans av den da nylige Watergate-skandalen, og fant den unnvikende forbindelsen mellom magnetbånd, personlig moral og politisk makt -playing. Det er så mange andre ting også, ikke minst en hyllest til Michelangelo Antonioni’; s “;Sprenge”; (noe som senere vil inspirere en av Brian De Palmade beste filmene “;Blåse ut”; som også tok en sonisk skråstilling på det visuelle puslespillet til originalen). Men hva som er fantastisk og helt tidløst med “; Samtalen, ”; er hvordan det er alle disse tingene, som inneholder lag og forviklinger og uhyggelige, skumle kriker og kroker. Likevel er det en så sparsom, elegant film, i alt fra sitt utseende, til sin reduserte rollebesetning, til sin tilbakeblikkede, utilitaristiske dialog, at den utgjør det motsatte av den spredte, strukturerte, flergenerasjons mafia-epos som Coppola er med hadde nettopp oppkalt navnet sitt. Likevel fordi det er så forskjellig fra “;Gudfaren”; og dens oppfølger og til og med fra den enorme ambisjonen og den operatiske skalaen til “;apokalypse nå”; det ’; s “; Samtalen ”; som virkelig underbygger Coppolas påstand om storhet: bare en ekte visjonær kunne muligens ha slått inn så absolutte klassikere i så vidt forskjellige registre. Med fantastisk støtte fra John Cazale, Harrison Ford og Robert Duvall, og fantastisk lyd- og bilderedigering fra mesteredaktør Walter Murch, “; Samtalen ”; vant Palme d ’; Eller mistet likevel Best Picture Oscar til “; The Godfather II. ”; Men som en meditasjon på det falske forholdet mellom teknologi og sannhet, og et suverent utformet slowburn-mesterverk av kontrollert, rasende filmskaping, er det uovertruffen i Coppola ’; s kanon, og i stort sett alle andre ’; s. [A +]

'Gudfaren del II'(1974)

Angsten for å følge opp en enorm suksess (og vi må huske at dette er lenge før tiden da oppfølger av en hitfilm ble standardpraksis) så ut til å bare gi drivstoff til de kreative juiceene i Coppola, og det etter å allerede ha slått den første filmen ut av parken, doblet han ambisiøst ned omfanget og historiene for sitt andre og helt definitive blikk på Corleones. Et så lite uttrykkelig mesterverk som “The Godfather” var, lagde Coppola en enda bedre oppfølger og øste en armfull Oscars for hans problemer. På mange måter er ‘ del 2 ’; var forløperen til den typen prequel-tilnærming som har blitt mye mer utbredt siden, men likevel var Coppola smart nok til å innse at det å bare gi publikum en opprinnelseshistorie ikke er nok. Og slik følger det med denne, fremdeles den regjerende kongen av oppfølgere, at Vito Corleone ’ (her fremstilt av en ung, strålende Robert De Niro) backstory spiller ut samtidig med sønnen og arvingen, Michael (fremdeles en av Al Pacino& ss største forestillinger), sporing parallelt og tidvis i motpol Michaels nedstigning til mørke og mesterlig fremkalle uunngåelighet av personlig skjebne, familie og arv. Det er en vakker, romanistisk kvalitet til dette kapittelet i den eventuelle trilogien, uten tvil enda mer enn i Puzos originale bok, som er mer av en masse sommerlest enn en oppslukende saga. Mye av det kommer fra strukturen, som gjorde det mulig for Coppola og hans tre redaktører å bevege seg sømløst mellom forskjellige tidsepoker i en enkelt redigering, hvor hver sekvens kommenterer fortiden og forhåner fremtiden. Dette er seriøs, dristig og kunstnerisk kino i stor skala, og er ikke redd for å takle faktiske konsekvenser og fryktløst konkludere på en ekstremt mørk lapp. Det er førti år siden filmen traff kinoer, men i de fire tiårene har ingenting, ikke fra Coppola eller noen andre, kommet nær. [A +]

'apokalypse nå'(1979)

Etter sin en-to-trøkk i 1974, veldig sannsynligvis det største singelåret for en eneste regissør i filmhistorien, gikk Coppola dypt inn i sitt eget hjerte av mørke og skjedde akkurat slik den definitive Vietnam War-filmen. Likevel kom det til en stor pris. “;apokalypse nå”; for all sin filmiske trollmann, enorme omfang og ambisjoner, og hallusinatoriske, batshit lunacy, så ut til å ta noe ut av den allerede-legendariske filmskaperen på dette punktet. Det er et annet mesterverk, et mer tungvint enn de tre foregående filmene, men som en forening av on-and-off-screen-temaer, av filmskaper som er i konflikt med emne og motgang som tvinger både kompromiss og kreativ utvidelse som Hollywood-filmskaping kanskje noen gang har gitt oss. Med tiden gått siden Martin Sheen'S uendelige, sjelesugende seilas gjennom den uendelige, svake, onde elven, kan vi si nå at den markerte slutten på flott Coppola periode, men åh gutt endte han med et smell. På dette stadiet lagde Coppola sine egne regler og oppdaget at der ute, så langt foran og bortsett fra alle andre, lå galskapen. Offerdrepet av Marlon Brando’; s Kurtz ved filmen ’; s klimaks er enda mer hjemsøkt i dag; en passende metafor for hva Coppola ga for å fullføre filmen. Og hvis du tror vi er altfor melodramatiske, vel, det er vi vel, men som også den fantastiske dokumentarfilmen “;Hearts of Darkness: En filmskaper ’; s Apocalypse”; viser, filmen ble denne nærmest levende enheten, en enorm motstander som nesten bestet regissøren. Hans påfølgende filmografi viser at selv om det er noen gode, tidvis til og med imponerende arbeider å finne, aldri nærmet han seg de svimlende høydene på 70-tallet igjen. “; Apocalypse Now ”; er den siste virkelig flotte filmen Coppola har laget til dags dato. [EN]

'En fra hjertet'(1982)

Dette var filmen som viste seg å være en så kostbar boondogg at Coppola hevdet å jobbe store deler av de to tiårene som fulgte filmens utgivelse bare for å prøve å betale tilbake gjeldene han pådro seg under filmens produksjon. Så langt som boondoggles går, er denne imidlertid ganske interessant - et stilistisk dristig, rikt innbilt riff på de klassiske musikaler fra yore (Coppola skjøt til og med filmen i boxy Academy-formatet på 1,37: 1). Det er historien om et par tumult elskere (spilt av Teri Garr og Frederic Forrest) som deles opp og finner nye elskere (spilt av Raul Julia og Nastassja Kinski), bare for å komme sammen igjen. Det er bokstavelig talt hele fortellingen. Noen av rollebesetningene, spesielt Garr, som er sexy og yndig (eksempler på dialoglinje: 'Jeg vil gå ut med mange gutter; jeg vil at erotiske ting skal skje!'), Gir sine forestillinger den buede oomph som Coppola bevisst er kunstig estetikk krever, mens andre, hovedsakelig Forrest, rister mot den samme estetikken på alle slags ubehagelige måter. Og selv om det ble gitt mye leppetjeneste til at filmen var en ærlig gud-musikal, var det faktisk ingen av utøverne som faktisk synge så mye, og ingen danser til og med nesten en time inn i filmen (de grinete sangene av Tom Waits er ikke akkurat minneverdige heller). Mens filmen er en av de mer lekre Coppola-produksjonene, takket i stor grad til de svimlende settene (den ble filmet helt på de amerikanske Zoetrope-lydstasjonene i San Francisco) og fløyelsaktig filmografi av Vittorio Storaro, som fanger handlingen i en serie med lange, ubrutte krefter, den gir ikke opp til mye, og ofte distanserer den åpenlyse stiliseringen betrakteren ytterligere fra filmens emosjonelle sentrum. Da filmen ble utgitt, var det en absolutt katastrofe, og tjente under en halv million dollar på et budsjett på mer enn $ 26 millioner. Selv om det har vært noen halvhjertige omprøving gjennom tidene, er filmen, som svinger mellom hektisk og funereal, fortsatt en vakkert forgylt halt and. Som Forrest sier, mot slutten av filmen, 'Hvis jeg kunne synge, ville jeg sunget.' Dette er et problem som filmen deler som helhet. [C +]

'De utenforstående'(1983)

Kultstatusen den har opparbeidet seg siden utgivelsen og den forbløffende rollebesetningen av fremtidige superstjerner, kombinerer nå for å skjule vurderingen av “;De utenforstående”; noe ikke hjulpet av utgivelsen i 2005 i en vesentlig omarbeidet versjon som la 22 ekstra minutter med opptak og erstattet hele segmenter av Carmine Coppola’; s originale poengsum med poplåter fra 1950-årene den ble satt inn. Men mens den kan skryte av noen veldig gnistrende forestillinger fra den enestående unge rollen (C.Thomas Howell, Ralph Macchio, Rob Lowe, Matt Dillon, Diane Lane, Emilio Estevez, Tom Cruise og spesielt under en ny omvurdering, er perenialt undervurdert Patrick Swayze), Coppola-tilpasning av S. E. Hinton’; s elskede tenåringsklassiker forblir en merkelig uengasjert affære, og delvis er dette nede i en grunnleggende kobling mellom innhold og form. Coppola forsto grusomhetene i historien, som dreier seg om en gruppe barn fra feil side av sporene som sammenfiltrer seg med de lokale, rike barna med tragiske resultater, og tilsynelatende krevde så sannhet at kirkens brennende scene nesten ble til en virkelig forbrytelse. Men han gir også frie tøyler til nesten nøyaktig den motsatte impuls. “; De utenforstående ”; er forbausende nydelig (fantastisk Stephen H Burum kinematografi) å se på, og om det er den sprudlende ungdommelige skjønnheten til rollene sine eller de spektakulære solnedgangene og stiliserte rumlingene på natten, det tilfører en unødvendig glansglans og et filter av nostalgi til det som bør være en rawer, mer påvirkende og umiddelbar historie. Eksempel: den poetiske scenen mellom Macchio og Howell som er skutt for å bevisst referere til filmversjonen av “;Tatt av vinden”; boka de nettopp har lest. Tilsvarende betyr Coppola nær avantgardistisk bruk av musikk (poengsum i originalen; sanger med distraherende nesetekster i gjenutgivelsen) at hele strekninger av dialog er uhørbare og actionscener, like desperate og dramatiske som de skal være, ta på seg en romantisk, balletisk kvalitet. Alt dette tjener ganske enkelt til å drive en kil med stil mellom betrakteren og karakterene. Du tenker kanskje etter den økonomiske katastrofen til “;En fra hjertet”; Coppola ville være i tuklet, dempet form, men “; De utenforstående ”; kan være på overflaten et mindre ambisiøst prosjekt, men filmskaperen er over alt, til tider til og med i veien. [B-]

“;Rumble Fish”; (1983)

Mens “;Dødslekene”; og dystopisk sci-fi er raseri, det er morsomt å huske at unge voksne romaner, om enn en mye annen stripe, også var på moten på 1980-tallet. Og så belte Coppola seg ut to S.E. Hinton tilpasninger i begynnelsen av halvåret i tiåret som begge ble utgitt i 1983. Mens de er mindre ansett enn den stjernespekkede, mer kommersielle “;De utenforstående”; “;Rumble Fish”; er det mye mer gjennomførte arbeidet. Mye mer åpenlyst eksperimentell, ekspresjonistisk og lener seg tungt på den franske New Wave. Filmen er en dristig, lunefull og tydelig svart-hvit utforskning av tenåringsangst og disenchantment. Og så startet det selvfølgelig for alvor karrieren til ikke mer ultra skuespiller for ungdommens desillusjon av den tiden: Matt Dillon som allerede hadde hatt hovedrollen i 'Over kanten”Og“Tex”(Sistnevnte også en S.E. Hinton-tilpasning), samt“De utenforstående.”Med en uortodoks score av Politiet trommeslager Stewart Copeland (som som førstegangskomponist kanskje ennå ikke var fullt tilpasset mediet), noe ganske avant garde, film noir-stilisering og slående lyddesign som utnyttet den hysjete og hviskende intonasjonen til Mickey Rourke, “; Rumble Fish ”; sentrerer om en nedsliten gjengleder som ønsker å forandre sine veier (Rourke) og den yngre broren som ærer ham og ønsker å etterligne ham på alle mulige måter (Dillon). Medstjerne Coppola-muse Diane Lane og Dennis Hopper med opptredener av Nicolas Cage, Laurence Fishburne og Tom Waits, Coppola skrev manuset med Hinton i løpet av deres dager uten å skyte “; The Outsiders ”; (hvordan er det for multitasking?). Style truet med å overvelde stoffet i Coppola-filmer mange ganger i løpet av sin karriere (“; One From The Heart ”; er et godt eksempel), og “; Rumble Fish ”; er et polariserende arbeid i Coppola-kanonen i denne forbindelse. Filmskaperen selv så filmen som sin fortjente kunstneriske godbit for å levere den mer konvensjonelle studioinnsatsen til “; The Outsiders ”; (Coppola var et kortførende medlem av klubben “for dem, en for meg”). Stilig og brash, og kan skryte av en atmosfære av svett undertrykkende kraft og en arresterende kul visuell behandling, “; Rumble Fish ”; er et stort ekteskap med poesi og lidenskap, og leverer begge i likeverdig, varig mål. [B +]

“;Cotton Club”; (1984)

Det er lett å se hva “;Cotton Club”; var ment å være — et viltvoksende, fargerikt, flerstrenget kriminalitetsdrama som ville gjøre for Harlem Jazz-scenen på 1930-tallet hva “;Gudfaren”; hadde gjort for New York-mafiaen etter krigen. Et lidenskapsprosjekt av superprodusent Robert Evans, som hadde designet filmen som sin egen regi-debut, hadde ingen kostnader blitt spart på den overdådige forproduksjonen, inkludert ansettelse av Coppola, sammen med William Kennedy, å omskrive Mario Puzo’; s manus. Så da Evans brått ba ham om å ta over bare noen uker før skytingen skulle starte, i Coppola ’; s ord, hadde Evans satt tonen for ekstravagansenivået lenge før jeg kom dit. ”; Behov for en bona fide hit etter to småskala tenåringsdramaer og konkursfeilen til “; One from the Heart, ”; Coppola var ikke å finne den med denne filmen, som samsvarer med den nysgjerrige slags skuffelse der enkeltelementer er lovende, tidvis til og med spennende (spesielt de sublime trykkrutiner fra Gregory og Maurice Hines) men er satt sammen med (ironisk nok) en forvirrende mangel på rytme. Tilbringer altfor mye tid på den ledige kjærlighetstrekanten mellom tre tynt tegne, blanke hvite hovedpersoner (Richard Gere’; s trompetist, Diane Lane’; s ambisiøse moll og James Remar’; s ondskapsfulle mobster nederlandske Schultz), og om å relegere de mye mer interessante løp- og klassespørsmålene til status som delplott, bakgrunnsstøy eller 'lokal farge', lider filmen av mangel på indre fart og føles nysgjerrig udramatisk. Kanskje det er fordi alt dramaet skjedde utenfor skjermen: “;apokalypse nå”; får pressen for sin marerittproduksjon, men “; The Cotton Club ”; (i tillegg til Evans & overbevisning for handel med kokain, som skjedde et par år før filmingen begynte), så også store kostnadsoverskridelser, noe Coppola og Evans ville klandre hverandre for i den grov lovlige kranglingen som fulgte filmens underprestasjoner. Og det hadde til og med et drap, da en av filmens bakmenn (ikke den arabiske våpenhandleren, en annerledes!) Ble skutt gjentatte ganger i hodet og deretter sprengt med dynamitt i et kontraktsdrap på oppdrag av en kollega sint på å være presset ut av produsentens rolle. Alt dette er dessverre mye mer interessant enn selve filmen, selv om vi kunne se Gregory Hines tapdance ganske mye for alltid. [B-]

“;Peggy Sue ble gift”; (1986)

Som en enhet er vi på spillelisten “;Ungdom uten ungdom”; unnskyldninger, men hvis noen leter etter en uendelig mindre overbærende, mer tilgjengelig, skummende, rosa sukkerert sukker på noen av de samme emnene, ga Coppola en helt tilbake på midten av åttitallet, nemlig “;Peggy Sue ble gift. ”; Medvirkende Kathleen Turner som Peggy Sue, er filmen også kjent for å være en av de svært sjeldne anledningene (“;Regnfolket”; sannsynligvis være den andre) når Coppola, vanligvis så innstilt på å undersøke maskulin ego, hubris og grandly, forteller sin historie fra et kvinnelig perspektiv. Og det fungerer overraskende bra, ettersom Peggy Sue føler seg som en ekte kvinne og får et slags byrå som ikke bare skyldes hennes modernitet, når hun på en mystisk måte blir fraktet tilbake til ungdomsårene fra 1950-tallet, men som markerer henne som en finurlig, individuell karakter; en kvinne med skuffede drømmer og uutnyttet potensial. Medvirkende også i nevø av Coppola Nicolas Cage i en tidlig definerende rolle (det neste året ville føre hovedroller i “;Oppdra Arizona”; og “;Moonstruck”) og med Joan Allen, Helen Hunt og jim Carrey i biroller, ‘ Peggy Sue ’; er å være sikker på at det ikke er en særlig dyp film, men den har mye hjerte og en slags oppriktig optimisme under sin “; andre sjanse ”; premiss. Det kan også sees som Coppola's mindre kurskorrigering etter en rekke boksefeil som spenner fra underpresterende til katastrofer: filmen ble Coppolas første virkelige hit siden “; Apocalypse Now. ”; Det er også første gang han virkelig gikk foran ideen om tidens gang, grusomheten det kan påføre og visdommen det kan fremme, og her finner Coppola i tillegg det perfekte hjemmet for sin kjærlige nostalgi mot hans eget 50-talls kommende år. Kanskje en outlier i Coppola's canon rent fordi den er så krevende, søt og så ukomplisert glad i alle dens karakterer, og Peggy Sue Got Married ”hint om hvordan Coppola ble mindre auteur enn en regissør for å ansette, men hadde fortsatt nok teft og personlighet til å forsikre oss om at det bare er andre enn en reisevenn bak kameraet. [B]

“Gardens Of Stone” (1987)

Glemt selv etter standardene for noen av Coppolas andre arbeider på 1980- og 1990-tallet, 'Gardens Of Stone”Ser direktøren tilbake til krigen i Vietnam åtte år etter“apokalypse nå, Men fra et helt annet synspunkt. Det er et nøkternt og verdig bilde med en utmerket rollebesetning, men sammenligningen med det tidligere militære mesterverket gir det absolutt ingen fordel. Basert på boka av Nicholas Proffitt og tilpasset av Ron Bass, sentrerer det om surrogatfader / sønn-forholdet mellom den slitne karrieresoldaten Lt Hazard (James Caan, som er utmerket her), og kampsultne spesialist Willow (D.B. Sweeneymindre enn det), som tjenestegjør sammen i den 'gamle garde', som gir seremonielle oppgaver ved begravelser av falne soldater i Arlington kirkegård. Willow er desperat etter å tjene i Vietnam til tross for at han bare giftet seg med sin kjæreste fra barndommen (Mary Stuart Masterson), men Hazard, etter å ha tjent der, mener det er en forferdelig krig og prøver sitt beste for å holde gutten i live. Det er et delikat og ukarakteristisk dystert bilde fra Coppola, regissert uten mye i veien for å blomstre og fokusert mest på forestillingene. Som for det meste veldig sterkt: dette er sannsynligvis en av Kaan's fineste timer, og pålitelige støttende utøvere som Angelica Huston, James Earl Jones, Dean Stockwell, Elias Koteas og ‘Apocalypse’ veteraner Sam Bottoms og Laurence Fishburne alle gjør sterkt arbeid. Filmen henger ikke helt sammen, på en eller annen måte, men det er forståelig: Regissøren var i forproduksjon da hans 22 år gamle sønn Gian-Carlo ble drept i en hurtigbåtulykke (Ryan O’Neal ’sønnen Griffin, opprinnelig kastet i Sweeneys del, var ansvarlig for hendelsen og ble omarbeidet som et resultat). Denne kunnskapen gir filmens skildring av sorg, og av fedre og sønner, lagt patos, men det forklarer kanskje også hvorfor Coppolas hjerte kanskje ikke har vært i den. [B-]

'Tucker: The Man and His Dream'(1988)

små kvinner 2018 rollebesetning

En av de mer forbløffende oversett oppføringene i Coppolas oeuvre, 'Tucker: The Man and His Dream' er en dristig, rasende biograf fra Preston Tucker (spilt av en knitrende Jeff Bridges), en visjonær etterkrigstidens bildesigner hvis historie Coppola blir til en følelsesmessig amerikansk myte. Opprinnelig sett på som en eksperimentell musikalsk biografi (disse elementene ble, heldigvis, utrangert), er 'Tucker' i stedet en alvorlig utforskning av en mann som deler mer enn noen få karaktertrekk med Coppola selv - et sinn mot nyutviklet teknologi, en anti-autoritær strek, mangel på skattemessig ansvar (du kan ikke la være å tenke på Coppola når noen klikker på Tucker, “uansett hvor mye han tjener, klarer han å bruke dobbelt så mye”) og en dyp tro på kraften i familien. Og mens noen av de mer outre ideene som Coppola opprinnelig hadde i tankene for filmen ble forlatt, har 'Tucker: The Man and His Dream' fremdeles en rekke ganske sinnssyke stilistiske blomstrer - Capra-stemt pedagogisk filmramme og fortellerstemme, noen kjempefine overganger (etter Preston bekjenner at han kanskje har 'seter til din egen korsfestelse,' Coppola kutter umiddelbart til en gigantisk T som blir heist opp i himmelen), og en stor bruk av on-set “Delt skjerm” (med to skuespillere som snakker i telefonen til hverandre, fra forskjellige steder på samme lydbane). Dette var en historie som Coppola hadde dødd for å fortelle fra ung alder (faren var en av de første investorene i Tuckers bil), men han klarte bare å få finansiert filmen da George Lucas, mens han var på settet 'Kaptein EO”(Se nedenfor), tilbudt å finansiere hele produksjonen selv. Senere beklaget Coppola at filmen ikke var det han kunne ha oppnådd i løpet av sin kunstneriske topp, men det betyr ikke egentlig noe: 'Tucker: The Man and His Dream' er en mindre klassiker, full av fremragende forestillinger (fra liker Martin Landau, Joan Allen, Elias Koteas, og i filmens mest hjemsøkende sekvens, Dean Stockwell som Howard Hughes), jazzy musikk (høflighet av Joe Jackson) og en enestående irreverent, zippy galskap som er positivt smittsom. [B +]

'New York Stories' - segmentet: 'Livet uten zoe'(1989)
Antologien “New York Stories”Var et spennende perspektiv da det hadde premiere på Cannes i 1989, og arbeidet som det gjorde for første (og siste) gang tre av amerikanske kinos mest ærverdige skikkelser, med Coppola som fylling i en sandwich med shorts mellom Martin Scorsese“Livsleksjoner”Og Woody Allen‘S“Oedipus vrak. 'Filler kan være den mer passende termen for Coppolas'Livet uten zoe”- filmen er lett den svakeste av de tre minifilmene (faktisk er det bare Scorseses som er virkelig verdt innrømmelsesprisen), og en av de mest disponible tingene som regissøren noensinne har laget. Filmen sentrerer om en bortskjemt ung rik jente (Heather McComb) hvis feide foreldre (Giancarlo Giannini og Talia Shire) splitter opp, og som etter leiligheten hennes er frastjålet, bestemmer seg for å returnere et smykke til en arabisk prinsesse. Det er uten tvil blitt mer interessant nå enn det var den gangen: i studiet av ennui og privilegium fungerer det som en slags forløper for arbeidet til regissørens datter Sofia. Som sådan, fans av 'Et sted”Eller“The Bling Ring”Kan finne noe å like. Vi synes filmen er ganske tom og kjedelig, spesielt dårlig tjent med å følge Scorseses oppføring, med Don Novello livets eneste virkelige gnist som McCombs butler. [D]

'Gudfaren del III'(1990)

Få filmer i historien er blitt like etterlengtet som 'Gudfaren del III. 'Kommer seksten år etter' del II ', var trekvisten til å skuffe mange og har et rykte som et misfire, men nesten et kvart århundre er mer enn verdig å revurdere, selv om det ikke gjør det traff ganske høydene til forgjengerne. Sett som 1970-tallet ble til 1980-tallet, på bakgrunn av de siste dagene av pave Paul VI (og den kortvarige John Paul I), ser den Michael Corleone (Al Pacino) fortsatt pakket med skyld over Fredos død og prøvde å gå direkte med en enorm landavtale som involverer Vatikanet. Men berømt, akkurat da han trodde at han var ute, trekker de ham tilbake og planleggingen av håndhever Joey Zasa (Joe Mantegna) og Don Altobello (Eli Wallach), sammen med ankomst til Sonnys jævla sønn Vincent (Andy Garcia), ser ut til å skaffe planen og føre til tragedie. Filmen (satt raskt sammen når en semi-motvillig Coppola møtte økonomiske vanskeligheter, samt overordnet å trenge en ferie-suksess for 1990) gjør utvilsomt feilfeil: Pope-assassination-plottet og noen av actionsekvensene er langsomme på en måte som de tidligere filmene aldri har vært, manuset finner aldri en tilfredsstillende måte å integrere på nytt Diane KeatonKay, som føler seg overflødig, og ja, Sofia Coppola er feilkastet som datter Mary. Men det er fremdeles et muskulært, seigt krimbilde, gjennomsyret tilfredsstillende og vesentlig av katolsk skyld, og med forestillinger (Pacino, Garcia og Mantegna er spesielt gode) og scener som kan stå imot alt i trilogien. Kanskje har vi myknet opp til bildet takket være serienummeringen av filmer og fremveksten av kabeldrama, som dette fungerer som noe av en forløper for. Men vi vil opprettholde at 'The Godfather Part III' ikke er den anfallsnotatet som mange anklager for å være. [B]

“; Bram Stoker ’; s Dracula ”; (1992)

Grenser til kitsch og velter av og til, er det to hoved ting å stoppe 'Bram Stoker's Dracula”Fra å gå ut i den allverdige campinessen som truer med å oppsluke innsatsen: Gary Oldman’; s vilt over toppen, men fremdeles på en eller annen måte fryktelig morsom ytelse som den blodtørste mørkets fyrste, og den overdådige, skinnende, skånet-uten kostnad-estetikken som gir ny mening til ordet påkostet. 1992 og du har nettopp farget det ufattelige omdømmet til en av de mest respekterte filmfranchisene gjennom tidene, og din egen kroneherlighet, ved å regissere “;Fadder III.”; Hva gjør du? Møt opp med Winona Ryder, tilsynelatende (Ryder skyldtes berømt sin rolle i den tredje 'Godfather' avdrag som deretter gikk til Sofia Coppola, hvis opptreden inngikk for brorparten av den avvisning som ble lagt på filmen). Det var Ryder som ga ham manuset, og det var helt klart en slags gnist, fordi Coppola gikk med på å våge seg der mange hadde tråkket før. Men Coppola svor å gjøre en trofast tilpasning ut av Bram Stoker’; s historie, og resultatet er en svært underholdende, men unektelig ujevn, mareritt sammenslåing av sex, frykt, kjærlighet og kontroll, og en visuelt hypnotisk opplevelse. Notorisk velger å ha alle spesialeffektene i filmen være en kombinasjon av tvangsperspektiver, mattmalerier og rekvisitter bygget spesielt for visse scener, sørget Coppola for at det visuelle elementet ville være en prioritet fra get-go. Med sine bombastiske, Oscar-vinnende kostymer og en gammeldags tilnærming til filming, ‘ Dracula ’; uansett fortellersvikt, forblir et tidløst visuelt eksemplar. Det anbefales også å lage en dokumentar, der du får se hvor mye vekt Coppola legger på kostymene. Men nedsiden til å utmerke seg i tekniske avdelinger er at den viser filmens mindre overbevisende elementer, spesielt dårlige Keanu Reeves og et manus som vender veldig nær tullete. Oldman og en lysende Ryder blir imidlertid mer støttet av Anthony Hopkins og Tom Waits (som Renfield i et slag av genial casting) og til slutt leverer Coppola en film som er langt under sine virkelige høydepunkter, men likevel en større underholdning enn mange av filmene hans i denne perioden muligens kan hevde å være. [B]

“;jekk”; (1996)

Coppola er den typen aktet filmskaper som vil inspirere noen, et sted å starte en spenstig kampanje for å rehabilitere selv de verste feiloppgavene våre, men likevel prøve så vi kan vi ikke finne noe forsvar for “;jekk”; uten tvil fordi det kan innebære å se på den forbaskede tingen igjen, og livet (som ironisk nok er moralen i denne svært fabelen) er kort. Den øredøvende stillheten der vi kan forvente et refreng på “; fortjener et nytt blikk ”; eller “; mer enn det omdømmet antyder ”; er ingen tvil om resultatet av flere faktorer, men det kan være mest at selv blant roguesgalleriet til regissøren er mindre blanke øyeblikk, “; Jack ”; tar treskjeen - det er ikke engang en interessant fiasko slik andre Coppola gale svinger nesten alltid er. Det uutholdelig mawkish ‘Benjamin Button’; -litehistorie om en gutt født med en sjelden lidelse som gjør at han blir eldre fysisk med fire ganger så mye som et normalt barn, dette er en film som har et eneste register over en plangent schmaltz, og en rolle som spiller for sent på de aller verste impulsene, store Robin Williams’; mannebarn persona. Faktisk var literaliseringen av manchild-konseptet antagelig det som tiltrakk seg Coppola, og ga ham muligheten (sammen med forfattere James DeMonaco og Gary Nadeau) å undersøke spørsmål om aldring og dødelighet som åpenbart er tilbakevendende bekymringer for filmskaperen, spesielt fra denne perioden av karrieren og fremover. Men det er deprimerende hvor lite han gjør med dem, og foretrekker å falle tilbake i en forbløffende anonym, piskende usikker familievennlig modus som sitter på ubehagelige odds med historiens mørkere implikasjoner. Øyheten i seksualitetsspørsmålet skøytes vanskelig, ikke minst ved at filmen hopper fremover i tid med syv år i bare ett av dens eksempler på narrativ uredelighet, og Coppola ser ut til å aktivt vike unna alt provoserende eller innsiktsfullt (selv om han ser på det riktig nå gir en ekstra frisson av ubehag med Bill Cosby ’;s tilstedeværelse som Jacks kloke, avunkulære, tilsvarende barn-til-hjerte-veileder). Hvis denne dampende bunken med ersatz-følelse har noen forløsende funksjon for regissøren, er det det “; Jack ”; er laget som om han var i vitnebeskyttelsesprogrammet under usedvanlig troverdig dekning som en reiselivsregissør - det er så anonymt at det er vanskelig å huske at Coppola noen gang sto bak den, når du i det hele tatt husker filmen. [D]

“; The Rainmaker ”; (1997)

Se på igjen “Regnmakeren”I disse dager, spesielt for de av oss som kanskje ikke har sett det på et tiår eller mer, kan være en av disse opplevelsene der nåværende forhindringer kolliderer med oppblåste minner for å gjøre en skuffende, men likevel nostalgisk tur. Basert på en roman av rettssalen drama maestro John Grisham, som var på en absolutt tåre på midten av 90-tallet med sju tilpasninger av verkene hans som kommer ut mellom & 93 og 98, er dette langt mer mykt enn hukommelsen tjener, til det triste. Kunstnerisk sett var Coppola tilsynelatende allerede alt annet enn tilbrakt på dette stadiet i spillet, og bevisene er rett her; alt om dette bildet ser rett og slett ut, vanlig og igjen anonymt. Uten et spor av den dristige karakteren som vi sist så puste i det minste noe fantastisk visuelt liv i 'Bram Stoker's Dracula ”; (med mindre du teller filmens titler), føles dette mer som et oppdrag enn et inspirert prosjekt. Følelsen av at Coppola tråkker vann og prøver å opprettholde sin egen interesse, enn si vår, er uunngåelig. Matt Damon spiller en ung nidkjær advokat som er fast bestemt på å få ned et korrupt forsikringsselskap mens han sjonglerer med en million andre ting som å studere til bareksamen for halve filmen, og Danny Devito& ytterst en motbydelig partner som driver med ambulanse, eller faller for Claire Danes’; mishandlet kone. Det er litt for mye melodrama som skjer, og ikke nok intense rettssalen øyeblikk som kan sammenlignes med slike som andre Grisham-tilpasninger som “;En tid å drepe. ”; Men da synes Grisham selv at det er den beste filmatiseringen av alle de andre, så kanskje er problemet at Coppola stakk også nært kildematerialet her, som mangler den type kjøtt og potensial for kinofyrverkeri som er verdige Coppolas talenter. Men hei, det er aldri et kjedelig syn å se Jon Voight spiller en baddie og Mickey Rourke som spiller en sjef, og det er ikke så nær som det som umiddelbart gikk foran det, selv om du kunne drive deg galskap bare ved å prøve å finne hvilken som helst vest av Coppola i den gyldne epoken over sine resolutt uinspirerte 135 minutter. [C +]

'Ungdom uten ungdom'(2007)

Det er på ingen måte en hendelse som Francis Ford Coppola 's første film på 10 år muligens kunne komme og gå med et skuldertrekning av likegyldighet, uten å skape noen bølger i det hele tatt, men er det bare oss, eller virket de fleste kritikere en smule hyperbolsk i deres helt hat mot denne rare, men til tider fascinerende, vitenskapelige historien? Garnering av noen av de snarkeste anmeldelsene i sin karriere, kanskje på grunn av trangen til å rive inn i et falt idol som våget å skru inn noe denne ufortrødent selvsindig og ugjennomsiktig, “;Ungdom uten ungdom”; var Coppolas forsøk på å komme tilbake til et tidligere ideal om å lage mindre, mer personlige filmer, og allikevel vektes det på alle punkter med de tunge, portente og tidvis rett og slett forvirrende impulsene fra en gammel mann, fryktet døden og etterlater en ufullstendig arven. Det fungerer absolutt ikke helt, og det er uten tvil nesten skamfullt selvopptatt, men det er også tidvis fascinerende og i sine sorgfulle, lengsomme øyeblikk har mer ekte følelse enn Coppola hadde klart seg på i flere tiår. Og der er ofte en overstrømmelse for filmskapingen og en vågal vilje til å være så esoterisk og rar som historien krever, noe som i sammenheng med filmografien hans absolutt er et forfriskende hvis splittende grep fra det blide utseendet og følelsen av de to siste. funksjoner. Innerst inne er filmen opptatt av Coppola-stifter av tid, arv og dødelighet (som du kan se i alt fra 'Peggy Sue' til 'The Godfather Part III' til 'Dracula', 'Jack' og videre, til og med opp til “Twixt”), men så mye blir kastet mot veggen i ‘ Ungdom ’; —En nazi-spion-underdel, romantikk, omgang med nyoppdagede supermakter, 2. verdenskrig og mer - at ikke alt sammen kan henge sammen eller til og med passe sammen. Noen ganger uhåndterlig selv om det kan være, er den sentrale Benjamin Button-historiske historien om en gammel mann (Tim Roth) slått av lynet som på mirakuløst vis gjenfinner seg i sitt yngre selv er en ambisiøs og alltid interessant metafysisk hva-hvis, og selv om Coppola sliter med å mase sammen forskjellige sjangre, er det ganske åpenbart å se hvorfor han ’; d være interessert i denne historien, og hvorfor han kan investere det med så mye hjerte. Det er historien om en mann som i det vesentlige innvilget det umulige ønsket om mer tid til å fullføre sitt arbeid og ta opp feilene og beklagelsene fra fortiden hans. [B-]

'Tetro'(2009)

To år etter hans mye dispergerte comeback med 'Ungdom uten ungdom', fortsatte Coppola sin nye epoke med denne for det meste selvfinansierte (ah, vinpengene!) Og svært personlige historien om to fremmede brødre og de familiære rivaliseringene som er båret ut av forskjellige generasjoner . “;Tetro”; er så langt den mest godt mottatte av filmskaperens sene periodeverk. Den høykontraste, svart-hvite digitale kinematografien av Mihai Mălaimare, Jr. (som fortsatte å skyte “;Mesteren”; i 70 mm) er helt nydelig, og det er en god grunn til at et av de første kampanjeklippene som ble gitt ut for filmen var av den fantastiske åpningen i tre minutter, hvor vi blir introdusert for det strålende sprø utseendet til filmen og dens urbant argentinske setting. Ikke nok kan man si om den strålende castingen av Vincent Gallo i tittelrollen, den eldre broren til Alden Ehrenreich’; s Bennie (også ganske bra). Gallo er en ervervet smak, men kan noen hevde at han har nærvær på kameraet å brenne? Hans glatte, motoriske munnaggresjon, trådete ramme og atypiske utseende er perfekt synkronisert med Coppola-intensjoner her og kombinert med den glatte og saftige visuelle behandlingen, som brått bytter til farge for noen flashbacks og den rare surrealistiske Powell og Pressburger-style ballettsekvens, hjelper til med å lage &tdro; tetro ”; Coppolas beste, mest komplette verk i hans skumringsperiode. Og kanskje lærte vi også på dette stadiet litt hva vi kan forvente av den aldrende filmskaperen, eller i det minste hva vi ikke skal: med 'Tetro,' gjør Coppola den overbevisende saken om at han ikke er kreativt utmattet, men hvis han har et annet mesterverk i ham, det vil ikke se noe ut som 'Gudfaren', og vi bør alle slutte å holde ham til og med den umulige standarden for hans yngre selv. Noen ganger er det også på nesen, og det er åpenbart personlig, noe som kan være oppkvikkende, men også fremmedgjørende og selvglad. Uansett er det ikke mange legendariske 70 år gamle filmskapere med flere Oscars som lager filmer som 'Tetro', og det alene bør berømmes. [B]

'twixt'(2011)

Hvis det føltes som om Coppola klatret sakte tilbake i de gode nådene våre på slutten av 00-tallet, må han ha gått glipp av fotfeste fordi han skled litt tilbake med denne turgide, dumme, tidvis umatchelige skrekkfilmen, som ble posisjonert som Coppolas sent -karriere comeback, men i stedet spiller mer som en for-diehards-eneste curio. Val Kilmer spiller Hall Baltimore, en 'kjøpekjeller Stephen king”Hvis fantasi blir antent når han stopper opp i en uhyggelig liten by og får fortalt historier om en serie ritualistiske barnemord som skjedde for lenge siden (likene er begravd, angivelig, under hotellet der Kilmer bor). Hovedmysteriet, angående en seriemorder som den lokale lensmannen (spilt av en kulør-kuling Bruce Dern) duber “The Vampire Executioner,” er alvorlig foreldet - det er bokstavelig talt en scene der Kilmer, Dern, Derns stedfortreder og en liten gutt ber et styre i Ouija om hjelp. Og det hele blir skutt så intetsigende at du ikke kan se om Coppola registrerer hvor morsomt tablået er (filmens mangel på stil er underlig med tanke på kinematograf Mihai Malaimare, Jr. skjøt også den overdådige “Tetro”). Ting blir litt mer livlig når Kilmer glir over i en drømmeverden, der han snakker med Edgar Allen Poe (Ben Chaplin) og en skimrende Elle fanning, som kanskje eller ikke er et av byens drepte barn. Men selv ikke disse sekvensene registreres som 'drømmende' så mye som de er 'tynt møblert' (på et tidspunkt skulle disse sekvensene vises i 3D, men det sammen med en 'live score' av medkomponist Og diakon, kom aldri mye lenger enn en håndfull visninger). Det er en rekke ting som gjør “Twixt” til en verdig klokke, i det minste for fascinerte Coppola-kompletikere - de virkelig flaggermusete forestillingene av Dern og Kilmer (på et tidspunkt gjør han inntrykk av Marlon Brando, Peter O’Toole, og 'en svart homofil basketballspiller fra 60-tallet'), blomstrer noen kjekt stilistikk, det faktum at Kilmers harridanske kone på skjermen spilles av hans ekte ektefelle Joanne Whalley og filmens sporadiske sprengning av uhygglighet, spesielt når Coppola skaper pervers gjenoppretting av sønnens tragiske død Gian-Carlo Coppola. Men ingenting av denne lånte renter, salacious eller på annen måte kan opplive det som for det meste er et kjedelig, gjørmete plottet misfire, som selv for de som helt avskrekkes med Coppola i sen periode, føles like langt under ham. [C]

usa nyhetskanaler

Shorts, spesialiteter og andre nysgjerrigheter

“;Battle Beyond the Sun”; (1959)

Et strålende eksempel på Roger Cormangeni for å ha tatt et sår ’; s øre og gjort det til et litt mer salgbart purke ’; s øre, impresario skaffet seg en sci-fi billig som heter “;Eller Zovyot”; laget av sovjetiske regissører Mikhail Karzhukov og Aleksandr Kozyr og la Coppola jobbe med et dubbingskript som ville beskjære filmens anti-amerikanske propagandamelding. Coppola gikk videre og skjøt ytterligere opptak av to rommonstre som kjempet mot hverandre (samarbeidspartner Jack Hill hevdet senere at den ene skulle se ut som en penis og den andre en skjede) og legge til andre biter med funnet og skutt opptak for å levere en film som historiemessig knapt ligner originalen, som var en ganske grei fortelling om løpet for Mars. Denne hyllesten til Cormans avfall ikke, vil ikke filosofi ville ha vært Coppolas første direktørkreditt - bortsett fra at han brukte et pseudonym, Thomas Colchart for arbeidet.

“;Terroren”; (1963)

Bare ett av fire kjente navn som angivelig har utført ikke-godkjent regiarbeid på Cormans 1963 brosteinsbelagte hjemsøkte slottgarn (fremtidig leder for blaxploitation) Jack Hill, Monte Hellman og filmens stjerne Jack Nicholson som de andre), ble Coppola sendt til Big Sur for å skyte ytterligere opptak. De Boris Karloff filmen hadde bare blitt opprinnelig skrevet for å dra nytte av de eksisterende settene som var i ferd med å bli revet ned, og resultatet er igjen en av de Corman-filmene som det er lettere å beundre i ånd enn faktisk. Nå er det bedre kjent som kildemateriale som sammen med tjenestene til Karloff, en annen Corman-protégé, Peter Bogdanovich ville plyndre dypt for sin fantastiske film fra 1968 “;Targets. ”;

'The Bellboy and the Playgirls”(1962) - medregissert av Fritz Umgelter
Alle
vår beste innsats ble til ende når vi prøvde å spore opp dette tidlig
inngangen til Coppola-kanon, så vi verken kan rangere den eller fortelle deg mye
om det, bortsett fra at det er en komedie som kalles 'De
Bellboy og Playgirls
”Og den ble opprinnelig skutt helt i svart
og hvitt og på tysk. Coppola ble hyret inn for å skyte noen få skiver
scener for å øke sin salgbarhet til det skitne mac-markedet i USA, og legge til noen fargebilder av kvinner en som den titulære bellboy spionerer
bokstavelig talt gjennom nøkkelhullene på hotellrommene deres. Vi kan bare forestille oss
alt dette er så morsomt som det høres ut til å være sikkert
ansvarlig for de ekstra nakenscenene for en tysk smutsflick
liksom en drømmejobb for enhver 23 år gammel fyr.

'Kaptein EO'(1986)
Tidlig høsten 1986, George Lucas, som en del av sitt partnerskap med Walt Disney Company, debuterte en banebrytende 3D-attraksjon som spilte hovedrollen Michael Jackson, den største musikalske utøveren på planeten. Det var en 17 minutter lang musikalsk ekstravaganza kalt 'Captain EO' … regissert av Francis Ford Coppola. Filmen er ganske grei, med Jackson som spiller “den beryktede” kaptein EO, som leder et “ragtagband” av rare romvesener og roboter på en intergalaktisk reise. Når de reagerer på et nødsignal på en snusket mekanisert, Giger-Orke planet, EO kjører av edderkoppen Supreme Leader (Anjelica Huston), som, etter at EO kommenterer sin indre skjønnhet, suser: “Du finner meeee vakker? ”EO fortsetter deretter med å frigjøre den nedslitte planeten gjennom kraften i koreografert dans og 3D-gnister; skygger blir lette og søyler av uønsket søppel blir nyklassisistiske romerske søyler (den beste delen, spesielt i ettertid, er når EO gjør en av de svartkledde robotvaktene til en fop fra åttitallet, komplett med sprellende blondemullet). Coppola visste hvordan de skulle koreografere dansetall (“En fra hjertet”Bli forbannet) og klarte å kanalisere Jacksons overveldende karisma på toppen av kreftene sine til en fantastisk liten forestilling. Men da filmen kom tilbake til flere Disney-parker etter Jacksons tidlige død i 2009 (den hadde blitt erstattet av den dypt haltende 'Kjære, jeg krympet publikum”På slutten av nittitallet) viste sømmene virkelig — de ikke-menneskelige karakterene var klumpete, 3D-teknologien iffy selv etter en ny polering, og historien praktisk talt ikke-eksisterende (også: slags sexist). Men det er fremdeles Coppola som den mest gledelige, fantasifulle unhinged, en side av tradisjonelt seriøs, til og med dyster filmskaper som vi bare sjelden ser.

“;Faerie Tale Theatre”; TV-episode “;Rip Van Winkle”; (1987)
Rundt tiden var han sammen med tid-shenanigans med fjærvekt “;Peggy Sue ble gift”; Coppola tok en veldig sjelden TV-spillejobb, og snudde på dette Harry Dean Stanton-stjerner timelang versjon av det klassiske eventyret. Det er etter alt å dømme et ganske anonymt verk, tilsynelatende skutt i 1984 og ikke sendt før 1987, og det var uforkastelig nok til å bli vist i skoleklasserommene, sammen med resten av Shelley Duvall-fronted serien, deretter.

Så på den litt nedslående noten er det vår vurdering av karrieren til dags dato for en av de store mestrene i amerikansk kino. Bli enige? Være uenig? Ser du for deg at Coppola har en annen flott film i seg, eller er hans ære i det siste nå? Gi oss beskjed nedenfor.

- Jessica Kiang, Oli Lyttelton, Erik McClanahan, Drew Taylor, Nikola Grozdanovic & Rodrigo Perez



Topp Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funksjoner

Nyheter

Fjernsyn

Toolkit

Film

Festivaler

Anmeldelser

Awards

Billettluke

Intervjuer

Clickables

Lister

Videospill

Podcast

Merkeinnhold

Awards Season Spotlight

Filmbil

Påvirkere